EL CUERPO ES UN MOMENTO

NOS MUDAMOS

2011-06-10T16:09:00.000-03:00

chau

La era de la madurez

2011-05-26T10:00:00.001-03:00

Nikita Nipone acaba de editar El extranjero, su tercer disco. Con ánimo de reinventarse y sacudir el eclecticismo que los caracteriza, lograron su trabajo más enfocado y maduro, embajador de lo que definen como “rock agridulce”.

TEXTO MARTIN SANTORO

FOTO PATRICIO GOMEZ LLAMBÍ

La charla se convierte en entrevista casi sin darnos cuenta. Lucio De Caro, cantante del grupo, se hunde en un mullido sillón de su departamento. Prende el primero de seis cigarrillos y, entre aros de humo, reflexiona: “Últimamente me cuesta encontrar buenos letristas. La cultura pop arruinó un poco eso. Ahora parece que las palabras son un mero acompañamiento de lo que está pasando musicalmente. Yo creo que nosotros proponemos las dos cosas: música interesante y una letra que te haga pensar, que esté a la altura. Buscamos un ‘impacto total’, como si fuera una película de Steven Segal (risas)”.

Nikita Nipone siempre fue una banda caprichosa, una isla dentro de la geografía del under. El quinteto, compuesto por Francisco Stuart Milne (guitarra), Pablo Valle (bajo), Paz Villahoz (teclados), Nicolás Mirleman (batería) y el propio De Caro, resulta demasiado rockero para el indie sensible y demasiado ecléctico para el rock conservador. Duro con ellos (2005), su debut discográfico, los presentó como juglares eléctricos, egresados con honores de la “Escuela Frank Zappa para músicos inquietos”. Con virtuosismo instrumental, forjaron viñetas de canibalismo entremezcladas con críticas a la sociedad de consumo, tomando al humor y la irreverencia como punta de lanza.

Una oración (2007), su sucesor, profundizó el modelo hasta llevarlo a su máxima expresión. Como un laboratorio sonoro, hicieron gala de un calidoscopio estilístico, desde el rock pesado hasta la bossa nova. De esta forma, desplegaron operetas de rock inquietas que se movían con soltura entre distorsiones abrasivas y coros angelicales. Además, el disco recibió un tratamiento de lujo: fue producido por la banda, grabado por el ingeniero Uriel Dorfman (Gustavo Cerati), mezclado por Patricio Claypole (Los Natas, Divididos, Los Piojos) y masterizado por Justin Weiss (Sepultura, Mr. Bungle, Melvins).

Ahora, acaban de editar su tercer trabajo: El extranjero. En este disco, el quinteto se redefine y busca cristalizar sus mayores virtudes. Antes se describían como “una licuadora a todo motor” y parecían más interesados en explorar (y explotar) fronteras musicales. Hoy dejan de lado la experimentación caprichosa para ponerse al servicio de la canción. La producción orgánica y consonante de Mariano “Manza” Esaín (Valle de muñecas, Mataplantas, normA) capitaliza esa búsqueda, tendiendo un puente entre el pasado y el futuro.

A lo largo de once canciones, melodías pegadizas y enérgicas se nutren con ritmos efervescentes, estridencia rockera, psicodelia onírica y riffs candentes. De esta forma, generan climas tan ágiles como espesos, tan radiantes como noctámbulos. Así, potencian letras intimistas y reflexivas sin perder la chispa que los caracteriza. Con nuevos ojos, la banda no se deshace de su historia sino que la toma como plataforma para cambiar de piel y dar un salto hacia delante.

¿Sentís que El extranjero es un disco más maduro que sus antecesores?

Se podría decir que es un rock agridulce. Si bien tiene una impronta más seria y hasta oscura por momentos, la música es pura energía y te deja bien arriba. Esa dualidad estuvo planteada de entrada y me parece que logramos plasmarla.

En ese sentido, se puede decir que marca un quiebre. Donde antes hacían bandera de la experimentación, ahora hay una intención más clara y enfocada que engloba todas las canciones. ¿Fue una decisión consciente o una progresión natural?

Una oración fue un disco demasiado ecléctico. Tiene temas muy disímiles entre si, con una producción puntual para cada canción. Después de grabarlo entramos en una especie de crisis de identidad porque no sabíamos si queríamos seguir en ese camino para siempre. Frenamos para pensar: “¿Qué es lo mejor de nosotros? Tenemos un baterista que le pega con todo, casi grunge. ¿Por qué lo estamos haciendo tocar un foxtrot? No tiene sentido. Saquémosle más el jugo a esa violencia. El guitarrista es un es un as de los efectos y los sonidos vintage, con la habilidad de sacar arando una canción con un solo. Pongámoslo más al frente. El bajo es recontra sólido y contundente. Enfaticemos eso. Tenemos una tecladista que hace arreglos finos sobre una estructura de rock clásico y eso es algo que también debe aprovecharse al máximo”. De a poco fuimos acomodando piezas y salió esto. Por suerte, encontramos en Manza un interlocutor entre lo que queríamos hacer y lo que terminó siendo, lo cual fue buenísimo. Es un tipo súper flexible y nosotros queríamos un productor así porque, como músicos, somos muy quisquillosos.

Una de las características más destacadas que tienen sus discos es, justamente, el cuidado al detalle, a los sonidos, efectos y texturas. Parecen estar merodeando en un segundo plano pero realmente hacen al carácter de las canciones.

Uno de los grandes artífices de esto es Francisco, nuestro guitarrista. En este sentido, el trabajo de producción cuadró perfecto porque supo entender que nosotros buscábamos eso. Era algo que no íbamos a relegar nunca.

Dentro de la lírica, las canciones tienen un hilo conductor en la figura del extranjero, del paria, del que no termina de encontrar su lugar. ¿Qué te inspiró?

Con el tiempo creo que me fui sintiendo fuera de época. Cuando vas creciendo y ves a los pendejos con sus tribus, modas y todo eso, no podés evitar preguntarte qué carajo está pasando en el mundo. Tenía esa sensación de estar “afuera” y quería plasmarlo en un disco. De ahí nace el concepto: nos sentimos locales expatriados o extranjeros adoptados.

También dejaste de recurrir tanto al uso de personajes como protagonistas. Eso hace que el oyente pueda tener más empatía.

Antes solía escribir mucho imaginándome en tercera persona pero El extranjero es bastante íntimo en ese sentido. Hay tintes de humor pero es un disco lleno de emociones. Eso genera un mayor vínculo entre el oyente y el autor.

El humor siempre fue una de los rasgos característicos de sus letras. ¿En algún momento tuvieron miedo de ser presos de eso y convertirse en “la banda chistosa” o algo así?

Es una buena pregunta. El problema que teníamos es que la joda y lo serio estaba muy entremezclado. Si sos Frank Zappa y hacés todas las canciones en joda, con letras para descostillarse de risa, eso es una propuesta clara, encarada hacia un lado. Nosotros estábamos en un punto medio. Había temas que hablaban de cuestiones serias como “Down”, “El santiagueño” o “Una oración”, pero convivían con otras como “Water”, por ejemplo. Ese tipo de locuras me siguen saliendo pero son más para divertirme solo y no tanto para meter en el mundo de Nikita. En El extranjero depuramos algo que ya veníamos haciendo, pero que tal vez estaba oculto atrás de una maraña de cosas.

Ustedes son una banda muy prolífica a nivel compositivo pero, en casi diez años de carrera, apenas sacaron tres discos. ¿Por qué plasmaron tan poco?

Creo que hilamos muy fino, pero eso se está revirtiendo ahora. Esta vez grabamos quince canciones y dejamos cuatro afuera del disco. Es muy probable que para fin de año hagamos un EP con eso. Para nosotros, los procesos son muy largos, costosos y demandan mucha energía. No somos una banda de garage. Ensayamos muchísimo para buscar sonidos, detalles y arreglos que también hacen a la canción. Además, todos somos fanáticos del audio, así que siempre queremos que suene lo mejore posible. Buscamos lograr un producto de calidad.

Muchos músicos de gran renombre elogian su trabajo. ¿Qué les representa a ustedes esa apreciación?

¿Qué mejor que un colega tuyo valore algo que cuesta tanto laburo? Además, es una opinión autorizada. Es como que venga el Diego y te diga que jugás bien al fútbol. No es lo mismo que lo haga tu vieja, que te quiere, a que sea Andrés Calamaro. Él sabe de lo que está hablando: tiene horas de estudio, entiende lo difícil que es grabar, el arte de componer, lo tortuoso que puede ser todo el proceso, el peso de las expectativas, las cuestiones de egos y muchísimos etcéteras.

¿Qué fue lo más interesante de hacer “Convoy Larrosa” junto a Calamaro?

Por sobre todo, los temas están buenísimos. Cuando nos pasó los demos, la flasheamos. Nos encantó toda la temática tumbera, oscura y de inframundo, contada con una poética casi tanguera. La idea nos gustaba y creíamos que podíamos hacer un muy buen aporte desde lo estético y musical. Además, fue genial ver trabajar a Andrés. Es increíble cómo maneja los tiempos y la dinámica de la canción. Aparte, es un tipazo, humilde, laburador y muy buena gente. Se puede decir que ganamos un amigo haciendo un proyecto paralelo en el cual nos cagamos de risa, aprendimos mucho e hicimos temas buenísimos. Cerraba por todos lados.

Volviendo al disco, el concepto de ser extranjeros también puede aplicarse a ustedes como banda, ya que nunca terminan de encajar en ninguna “escena” o “movida”. ¿Lo sentís así?

Eso se fue dando casi sin querer. Creo que la impronta planteada desde la música y su personalidad dirigieron al barco hacia ese rumbo. Me parece que hacemos rock un poco intelectual, por decirlo de alguna manera. Tal vez tenga un destino más de culto y no tan masivo.

¿Vos estarías en paz con eso?

Totalmente. Tampoco me duele la cosa de “no pertenecer” porque, en definitiva, terminamos logrando lo mismo todos. Tocamos en los mismos lugares y salimos en las mismas revistas. No siento que somos tan distintos en cuanto a la actividad que hacemos. Si vos tenés movida, te van a llamar. Por eso vamos para adelante con lo que nos gusta y no nos enganchamos con lo demás.

Hoy en día, ¿qué es más difícil para una banda: llegar o mantenerse?

Yo creo que mantenerse. Requiere de mucha concentración. No podés dar un paso en falso porque el mercado es feroz. La gente que te consume, ya sea como músico, ingeniero o abogado, hace que hoy estés y mañana no seas nada. Además, es muy difícil mantener algo porque también aburren las repeticiones de fórmulas. Antes, Led Zeppelin salía a tocar rock, editaba ocho discos así y el público no sólo se los morfaba a todos sino que cada vez eran más grandes. Hoy, Divididos saca un discazo y sigue haciendo Luna Parks pero a River no llega.

No parecés muy optimista.

Me animo a decir que lo más difícil de todo es seguir creciendo. Cada vez vas a aburrir más a la gente porque está súper informada. Hay tanta oferta que te das vuelta y apareció otro grupo que te gusta más. Ya no existe eso de “yo soy de tal banda”. Hoy se escucha de todo. Y se escuchan canciones, listas, pero no obras enteras. Pasó a ser más importante pegar un tema. Eso hace que una banda que tenga un proyecto de disco quede medio obsoleta.

¿Creés que hay una renovación en el rock?

La última banda que la pegó con furor fue Miranda. Él mató a un policía motorizado y Bicicletas no son el recambio de Los Piojos y La Renga. Las bandas de ahora llegan, pero hasta cierto punto. Onda Vaga creció muchísimo pero todavía no puede llenar un Obras. Como dije, es difícil mantenerse. Tenés que sorprender todo el tiempo. Eso es algo que Babasónicos supo hacer muy bien. Repetir la formula no te asegura el éxito. Cuando la gente se va poniendo grande también va perdiendo el ímpetu de estar en la movida y se hace más difícil. Los tiempos van mucho más rápido de lo que vos crecés.

En ese sentido, ¿qué es el éxito para ustedes?

Seguir haciendo exactamente lo que nos sale hacer. No buscamos la recepción masiva de nuestro material ni que nos llamen de todos lados. Obviamente, uno se siente bien cuando su arte es valorado, pero eso no es el éxito. Vos no podés ir en contra de lo que sentís sólo para pegarla. Si pensara así, estaríamos haciendo reggaeton o cumbia. Podríamos tocar eso tranquilamente: somos buenos músicos y se me ocurren miles de letras buenísimas. El tema es que, después, con la almohada no tengo paz.

Tricky, el provocador

2011-05-16T09:45:00.001-03:00

El referente del trip hop parece mirar atrás para ir hacia delante. Tras casi una década de experimentación, Mixed Race, su último disco, es una vuelta al sonido que lo convirtió en un clásico. Este sábado se presenta en Buenos Aires.

TEXTO MARTIN SANTORO

Tricky es un músico que parece estar siempre huyendo de su sombra. En los tempranos 90 se estableció como uno de los embajadores del trip hop, conjugando música electrónica, dance, hip hop y dub con una estampa urbana y noctámbula. Como parte de Massive Attack, grabó Blue Lines (1991), disco debut y piedra angular del género, así como de Protection (1994), su segundo esfuerzo. Esto le valió el reconocimiento unánime del público y la prensa británica. Con esta excelente carta de presentación, no tardó mucho en abocarse a una carrera solista. Maxinquaye (1995), su primer trabajo individual, consolidó su éxito y lo convirtió en una estrella mundial.

Desde entonces, parece haber avocado su carrera a huir en zigzag, evitando alimentar aquello que lo hizo famoso. Discos como Angels with dirty faces (1998), Blowback (2001) y Vulnerable (2003) desconcertaron a su audiencia y generaron una recepción mixta. En apenas 29 minutos, Mixed Race (2010), su flamante disco, parece sacudir esa modorra y augurar la vuelta de un Tricky clásico, en paz con su pasado. Esta vez, presenta un repertorio ecléctico donde no repite género a lo largo de las once canciones que lo componen. Si bien no logra estar a la altura de sus hitos, es suficiente como para reconquistar a un público que le dio la espalda a lo largo de la última década. Queda preguntarse si este trabajo marca un regreso triunfal o si es meramente un momento de descanso, antes de que se largue a correr otra vez.

Si bien no es un álbum tan biográfico como sus antecesores, seguís manteniendo una impronta autorreferencial. ¿Sentís que este es un disco retrospectivo?

Vengo de una familia multiétnica y pensé que Mixed Race (“Raza mixta”) era el nombre ideal para el disco, porque ahí está mi origen e identidad. Mi música no es negra ni blanca. Al mismo tiempo, creo que todos estamos inspirados por el pasado y por el futuro, nuestra historia y nuestros sueños. En ese sentido, acá hay un poco de las dos cosas.

Sorprende el eclecticismo del repertorio, donde presentás canciones muy disímiles en lo estilístico en vez de moverte en terreno seguro. ¿Cómo hacés para mantener tu identidad en un contexto tan cambiante?

No lo sé realmente. Es muy raro: la música me atraviesa. Sinceramente, trato de no pensarlo demasiado. Cuando hago un disco, lo único que busco es tener paz. Trabajar en el estudio es como un momento de meditación para mí. Ciertamente, es cuando estoy más relajado y calmo. Lo que la gente hace con yoga, yo lo logro con la música. Es una medicina. Todas mis preocupaciones dejan de existir cuando estoy ahí.

Es interesante que digas esto. Recuerdo que hace un tiempo declaraste que tu disco anterior, Knowle West Boy, no te terminaba de gustar porque era “demasiado amable” y “le faltaba agresividad”. ¿Cómo balanceas esa paz que decís que tenés en el estudio con las ganas de hacer música que parece estar en las antípodas?

(Risas) Sí, es un poco contradictorio, pero es lo que me sale. Este es un trabajo frontal y directo, casi como un disco de Public Enemy. Sin duda, es más duro y honesto que el anterior. Incluso me sucede que, por primera vez, puedo escuchar mi música en un boliche sin que me haga ruido. En realidad me importan un carajo los boliches (risas), pero está más en ese espíritu.

¿Sentís que este un esfuerzo consciente para volver a tu “sonido clásico”, especialmente considerando que en los últimos trabajos te habías alejado bastante de eso?

En realidad, creo que me ahuyentaron un poco de lo que hacía. Nunca quise volver a hacer un Maxinquaye. Cuando salió, tanta gente me seguía que ya no era más mi música. Además, sentí que tenía que cambiar porque todos me estaban copiando. Hice Nearly God para escapar un poco del éxito, que había sido tan repentino. Todo lo que pasó en la época de Massive Attack y mi primer disco solista fue demasiado para mí. Creo que ahora estoy más cómodo con todo. Antes no estaba preparado para semejante cosa. Después de tanto tiempo, este trabajo es como una vuelta a eso, pero con un poco más de paz.

Entonces se puede interpretar que tus reinvenciones estilísticas no eran producto de la curiosidad sino que fueron plenamente conscientes, para ir a contracorriente de lo que te había hecho famoso.

¡Totalmente! Cuando hice Angels with dirty faces sabía que era oscuro y que la radio no lo iba a pasar pero pensaba que, si realmente te gustaba mi música, también tenías que bancarte los tiempos difíciles. Era un poco como poner a prueba al público y decirles que no me juzguen sólo por esa cosa que me había hecho tan exitoso. Yo siempre voy a cambiar. La pregunta es, ¿van a seguir conmigo cuando eso pase?

¿Si Mixed Race se convierte en un disco súper exitoso, vas a terminar desarrollando una fobia contra estas canciones también?

Puede ser. Huir de tu pasado no es algo malo. Lo veo como un juego. “Pensás que me conocés, pero no”. De ahí también mi apodo, Tricky (“Engañoso”). Así es mi personalidad: quiero jugar con las cabezas de la gente. Soy como un nene inquieto. Me gusta ir, volver, aparecer, desaparecer, cambiar…

Otra de las cosas con las que se ha generado gran expectativa es una posible colaboración con Massive Attack. ¿Qué tan factible es eso?

Creo que va a pasar. Estuve hablando con los chicos y estoy casi seguro que lo vamos a hacer este año. Posiblemente entremos al estudio en unos meses.

¿Ya se sentaron a componer material?

No, pero hablé con 3D. Le dije lo que quería hacer y lo que sentía que teníamos que lograr como colaboración y le gustó.

Este tipo de reuniones siempre son un arma de doble filo. ¿Qué te llevó a querer volver?

Nunca quise hacerlo, hasta hace poco. Hablé con los chicos y fueron súper honestos. Me dijeron que la gente siempre quería saber cuándo íbamos a hacer algo juntos. Me pareció muy adulto de su parte plantearlo así, porque a ellos les preguntan más por mí de lo que a mí me preguntan por ellos. Por suerte congeniamos inmediatamente y nos divertimos. Lo que más me interesa es que, si hacemos algo, va a tener que ser realmente muy bueno. Si no, vamos a ser masacrados. Eso es un hermoso desafío.

¿Se trata de un proyecto unitario o puede llevar a una colaboración continua?

Creo que puede ir para cualquier lado. Si lo hacemos y es tan bueno como debe ser, entonces no veo motivo para no seguir.

Melodías caprichosas

2011-03-28T14:21:00.001-03:00

Devendra Banhart es una de las figuras más destacadas del Indie estadounidense. Con un estilo tan ecléctico como personal, forjó un sonido alabado por la crítica y el público. Hablamos con él a días de su show en Buenos Aires.

TEXTO MARTIN SANTORO

La historia de Devendra Banhart tiene todos los ingredientes para alimentar la mística del trovador folk al mejor estilo Dylan. Hijo de un padre norteamericano y una madre venezolana, nació en Texas en 1981, fue criado en Caracas hasta su adolescencia y luego se asentó en la costa oeste de Estados Unidos. Tras estudiar en el Instituto de Arte de San Francisco y hacer sus primeros pasos musicales en la recepción de una boda gay, se mudó a París. Mientras tocaba en bares, grabó sus canciones en portaestudios prestados y contestadores automáticos. Al volver a su país, su primer disco, “The Charles C. Leary”, comenzó a despertar interés en la escena Indie.

Desde entonces, el músico cultivó un estilo personal que canaliza con igual peso a Leonard Cohen y Caetano Veloso, mixturando el clásico folk estadounidense con el tropicalísimo brasilero, el folclore, la samba y cuanto estilo haga eco en la porción latina del continente. Esta impronta se vio plasmada en álbumes como “Rejoicing in the hands” y “Niño rojo” (compuestos con apenas cinco meses de diferencia), “Cripple Crow” y “Smokey Rolls Down Thunder Canyon”. En estos últimos, también florecieron grandes orquestaciones y entramados psicodélicos, dando resultados dispares, pero siempre atrapantes.

Su nuevo disco, “What will we be”, editado en 2009, le valió una nominación a los Grammys y marcó su debut como parte de una discográfica de la talla de Warner Brothers. Lejos de encandilarse con vastos horizontes presupuestarios, Banhart grabó en un estudio improvisado en una casa de San Francisco, acompañado por los mismos músicos que trabajaron en su última producción. Para el artista, la decisión representó también una declaración de principios.

Aún así, es evidente que este es el disco más pulido y enfocado de su carrera. Si bien los fundamentalistas pueden leer a esta sobre-prolijidad como una traición, la sensibilidad hipnótica del cantautor sigue brillando a flor de piel. Por eso, es imposible no rendirse ante versos como “Cada beso que no damos es otra vida que no vivimos”, “El amor es la única cosa que vale la pena necesitar” y “¿A quién amás: al amor que no podés olvidar o al que no has conocido?”. Incluso cuando canta en castellano, conmueve al susurrar “No pienso en ti, solo te siento pasando por mí como un dulce viento”.

El álbum también refleja un espíritu lúdico, tanto en los vaivenes estructurales de canciones como “Angelika” y la alquimia rockera de “Rats” como en las melodías pegadizas de los hits instantáneos “Baby” y “Foolin’”. En simultáneo, joyas como “First song for B” recalan una constante conexión del músico con los elementos, forjando sonidos tan etéreos como propios de la tierra. El tiempo dirá si el brillo de “What will we be” marca un nuevo norte en la carrera de Banhart o si, por el contrario, oficiará de frontera, frente a la cual no dará un paso más allá.

Ya pasaron casi dos años desde la salida de tu último disco. ¿Qué estuviste haciendo en este tiempo?

Veamos… Realicé emprendimientos onanistas como shows de arte en solitario y experiencias increíblemente agotadoras pero profundamente gratificantes como curar exposiciones. Eso sin mencionar que preparé el primer borrador de un libro de arte, escritura y fotografia que me ha mantenido minuciosamente ocupado.

¿En algún momento trabajaste en nuevas canciones?

…¡Y también está la música! ¡Sí! Anduvimos de gira el primer año y estuve componiendo para el nuevo disco este último tiempo. Mi dios, ¡qué perorata pomposa! La verdad es que le he estado escribiendo cartas de amor a Ana Kras, la artista serbia, y armando muchos Legos.

El año pasado también participaste del Record Club Proyect de Beck, versionando el primer disco de Leonard Cohen. ¿Cómo fue esa experiencia?

Increíble. Beck es una máquina de componer, grabar y hacer arte, con un aguante que rara vez vi. Nos encontramos al mediodía y trabajamos hasta la medianoche. Cada tema fue grabado de primera toma. La mayoría del tiempo lo pasamos deliberando quién iba a tocar qué. Fue una jornada increíble. Todos los músicos que participaron son muy hábiles y talentosos. Yo, por supuesto, era la excepción.

Una de las características más interesantes de tu música es la habilidad que tenés para fluir entre idiomas y mantener una esencia sin que suene forzado. Al cantar en castellano, por ejemplo, ¿sentís que estás poniéndote en la piel de un personaje o lo tomás como una herramienta que te permite conectarte con una sensibilidad que no encontrás al hacerlo en inglés?

Realmente depende de la música. Para mí, algunas melodías tienen una necesidad evidente de ser vestidas con palabras en español y ser guiadas por una historia en esa lengua. También intento componer en otros idiomas. La canción “Walilamdzi” está escrita en el dialecto Pit River. Son cosas que solo funcionan si la melodía lo requiere, pero no es algo superfluo.

“What will we be” fue tu primer disco en Warner Brothers, una de las mayores discográficas del mundo. Haciendo un balance de la experiencia, ¿qué sentís que ganaste y qué perdiste al pasarte de un sello independiente a una corporación multinacional?

Gané la experiencia de haber trabajado con una discográfica y perdí el deseo de volver a tener una experiencia así.

Este último disco suena más enfocado, menos ecléctico o experimental que sus antecesores. ¿Qué te llevó a simplificar las cosas?

Ciertamente es el disco más “enfocado”. No teníamos ni idea de que un gigante como Warner iba a estar interesado. Lo hicimos para las mamás y las mamás de las mamás. Imaginamos ser pioneros de un género nuevo o poco explotado que titulamos “Mom’s rock” (“Rock de mamás” o “Rock para mamás”). A pesar de que hay un par de canciones que aborrezco completamente, estoy orgulloso del disco. De todos modos, jamás volveré a hacer algo parecido.

Tendés a ser duro con tu trabajo. En diversas entrevistas incluso declaraste que no te gustan tus discos. ¿Sentís que ninguno te termina de representar?

No es que los “odio”, pero sigo haciendo álbumes porque todavía no compuse uno con el que esté completamente satisfecho. Me gustan ciertos elementos, momentos, porciones minúsculas y mayúsculas en todos mis discos, pero nunca en su totalidad. Por eso seguimos trabajando.

¿Qué alimenta ese impulso? ¿Qué te inspira?

Lo desconocido. Cuanto más vivo, aprendo y experimento, más de eso hay.

Cambio de piel

2011-03-13T11:05:00.001-03:00

Con apenas 23 años, Kate Nash se convirtió en una de las niñas mimadas de la escena pop británica de los últimos años. Acaba de editar su segundo disco, donde se desprende de la sensibilidad adolescente para mostrar que la madurez también le sienta bien.

TEXTO MARTIN SANTORO

El segundo disco siempre resulta un escollo difícil de superar para cualquier artista. Si la fama no vino con el primero, es momento de redoblar la apuesta antes que sea tarde. Si el éxito se hizo presente con el debut, recae en el músico el peso de tener que mantenerlo y demostrar que no fue un simple golpe de suerte. En el medio, evolucionar, evitar traicionarse y mantener la integridad mental tras unirse, voluntariamente o no, al circo del rock. Hace unos meses, Kate Nash estaba en el centro de este remolino.

“Made of bricks” (2007), su primer álbum, fomentó el espíritu voyeurista del oyente, funcionando como el diario íntimo de una adolescente con reflexiones tan inocentes como existenciales, donde le canta al desamor y a su enjuague bucal con la misma convicción. Dicho así, cuesta entender cómo esta londinense podía compartir plataforma con Amy Winehouse y Lily Allen en lo que fue la revitalización del pop femenino con contenido. Toda incredulidad es derrumbada al escuchar esas canciones frescas y sinceras, marinadas en melodías indelebles y estribillos efervescentes diseñados para despertar empatía en adolescentes alrededor del mundo. A caballo de “Foundations”, un hit indiscutible, llegaron las giras, los premios y el desgaste.

Con espíritu escapista, Nash tomó su segundo disco como una oportunidad para desprenderse del personaje unidimensional de chica pop con sonrisa perfecta en la que se veía encasillada. De este modo, “My Best Friend Is You” (2010) incorpora sonidos sixties y hasta Motown que se funden con una clara intención rockera. La producción de Bernard Butler (ex Suede) parece capitalizar esta búsqueda, creando un disco ecléctico que va desde la intimidad acústica de “You Were So Far Away” a la crudeza de “I just love you more”. Sin abandonar sus clásicas viñetas personales donde combina humor y sensibilidad, Nash se animó a cambiar de piel y afrontar las consecuencias.

Al comparar tus dos discos, es evidente un cambio, tanto en la lírica como en el sonido. ¿Esto nace de una intención puntual, tal vez para dejar de ser “la chica de ‘Foundations’”, o lo sentiste como una progresión?

Cambiar me parece la cosa más natural del mundo. Con el tiempo, vamos teniendo más conocimiento y experiencias que nos hacen progresar, o eso esperamos. Por sobre todo, creo que es muy importante no tratar de recrear lo que ya hiciste. No quería sacar “Made of bricks 2”. El primer disco lo escribí en mi habitación a los diecisiete años. Me importaban mucho las historias. Estaba muy influenciada por escritores como Roald Dahl y la idea de crear otros mundos. El segundo álbum llegó después de estar de gira por dos años y escuchar muchísima música.

Ciertamente, este disco tiene una impronta más rockera que el primero.

Amo el punk desde los dieciséis. Los Buzzcocks son una gran influencia en mi primer disco. Tal vez no se nota en el sonido porque es un álbum pop, pero es algo que está adentro. Con este segundo trabajo, traté de sacar ese costado a flote.

También es cierto que, cuando un artista tiene tanto éxito con su debut, puede generar cierto resentimiento hacia ese trabajo. Eso puede llevarlo a tomar la dirección opuesta en el segundo, casi intencionalmente, como para demostrar que no son únicamente eso que los hizo populares.

Es cierto, por lo menos en parte. Si bien creo que fue una progresión natural como dije, también sentía que tenía que demostrar algo. Siempre siento que tengo que demostrar algo, a mí y al mundo. Te pone presión, pero a la vez está bueno porque empuja. Pero es verdad lo que decís: durante mucho tiempo no quería tocar ninguna de las canciones del primer disco porque ya me tenían podrida. Ahora pasó suficiente tiempo como para que vuelva a quererlas.

¿Cuál sentís que fue el mayor aporte de Bernard Butler como productor? ¿Ayudó a materializar ese cambio?

No lo haría responsable por el cambio porque ya había escrito el disco antes de entrar al estudio. Igualmente, él realmente entendió a dónde quería ir. Me ayudó mucho con el sonido mismo. Es muy bueno para mantener las cosas simples. Si la primera toma salió bien, listo, nos quedamos con eso y avanzamos. Realmente confié en él. Eso era lo que más necesitaba.

Empezaste de muy joven e imagino que debe haber sido dura la transición de tocar canciones en tu habitación a hacerlo para miles de personas en todo el mundo. ¿Cómo manejaste ese cambio? ¿Es posible adaptarse a una vida así sin quemarse?

Fue duro pero tampoco tanto, porque sucedió tan rápido que no tuve tiempo de pensar en eso. Simplemente lo hice. Fue como un remolino que me absorbió. Empecé a dar shows por todos lados y no paré.

Es asombroso ver la cantidad de conciertos que diste en esos primeros años.

Creo que me cansó un poco, me deprimió un poco y me resintió un poco. Hacia el final ya pensaba “odio esto y no quiero volver a hacerlo nunca más”. Realmente dudaba si iba seguir tocando. Hay muchísimas cosas de la industria musical que detesto. Uno siempre está en una situación muy estresante. Pasé de tener una mirada súper pop e ingenua a odiar a todo el mundo y pensar que todo es una mierda y querer morirme. Ahí me tomé un tiempo libre, volví a casa y retomé una vida normal. Estuve con mi familia, mis amigos, aprobé mi examen de manejo, compré un departamento… cosas “normales”. Además, necesitaba inspirarme para escribir nuevas canciones. Hacer un segundo disco trae mucha presión. Puede asustar mucho realmente. Y no quería hacer esa estupidez de escribir letras sobre los dramas de la gira. Nadie quiere escucharte llorar sobre lo mal que te trata la vida cuando estás vendiendo millones de discos y viajando por el mundo. Como te decía, tomé ese tiempo para despejarme, estar con gente, ver películas y tener experiencias. Fue una buena época. Si bien estos años son muy demandantes y duros, estoy poniendo mucho trabajo para mi futuro. Ahora la estoy pasando muy bien y estoy más feliz que nunca. Estoy muy contenta de volver a tocar en vivo.

Tus letras tienen una temática muy intimista, donde compartís mucho de tu vida personal. A la hora de componer, ¿separás a la Kate personaje de la persona?

No creo tener un personaje. Pongo todo de mí en lo que hago y siento que tengo que escribir sobre experiencias propias porque es lo que sé, lo que conozco. Eso da un sentido de verdad y honestidad. Puede pasar que la letra surja de un elemento de verdad, aunque no me esté pasando en ese momento. Tal vez es algo que sucedió en el pasado o que le pasó a una amiga. De todos modos, creo fervientemente en tener el corazón en la manga, porque la música te llega más cuando es así.

¿Hay manera de recapturar la magia original de componer canciones en tu habitación, solo para vos, cuando sabés que hay millones de personas que van a escucharlas?

Creo que hay una pequeña parte a la que no podés volver, pero un poco sí. Esa era mi máxima preocupación con este segundo disco. Por eso, fui a una sala de ensayo que era chiquita, un poco sucia y venida a menos, pero con excelentes personas que trabajaban ahí. Entonces era yo y cuatro paredes. La regla que me impuse fue que podía escribir cualquier cosa. No importaba que fuera una mierda, mientras escribiera algo. Así compuse el disco: despreocupada porque no pensaba que alguien iba a escucharlo. No había expectativas. En mi mente, eran canciones para mí, que no tenía por qué compartirlas con nadie.

¿Qué te lleva a mostrar una canción entonces?

Al disco van sólo las que pienso que están realmente buenas. Tengo que amarlas de punta a punta.

¿Qué pasa cuando vos te enamoras de una canción que a tu productor o a la discográfica no les convence?

Soy muy controladora en ese sentido. La gente con la que trabajo sabe que no soy una artista a la que pueden moldear. Hago lo que quiero. Es algo egoísta pero es la única manera. Es tu expresión. Si alguien me dice que no puedo hacer algo, es lo primero que voy a intentar (risas). Soy muy cabeza dura.

Te toca hacer música en un momento donde el ciclo de vida de muchos artistas se va acortando a medida que pasan los años. Vos tuviste un gran comienzo con un acenso vertiginoso y ahora tenés que respaldar eso. En tu opinión, ¿qué es más difícil en la industria musical: convertirse en alguien o mantenerse ahí?

¡Qué pregunta! (piensa) Es difícil decirlo porque para mí todo fue muy fácil. Hay gente que lucha por años y aún así no llega. En Inglaterra, la gente se prende enseguida en lo que es “hot” ahora, lo que está de moda en el momento, pero después se olvida. El año pasado me sentí muy confundida, asustada y frustrada. Ahora aprendí a despreocuparme un poco. Estoy en un lugar muy feliz, volví a disfrutar de tocar en vivo y viajar por el mundo. Creo que cuando estás en Londres, te encerrás un poco y pensás que esa ciudad es todo. Después viajás y te encontrás escalando una montaña en Brasil y te das cuenta que nada más importa. Tengo la suerte de tocar para miles de personas acá, del otro lado del mundo, donde también me quieren muchísimo. Londres es mi hogar pero hay tanto que quiero hacer en mi vida. Lo fundamental es mantener el control creativo y hacer lo que sentís, porque cuando tenga ochenta y cinco años, lo único que va a importar es que dejé grandes discos que la gente va a poder escuchar para siempre. Todo lo demás es secundario, especialmente cuando estás arriba de una montaña en Brasil (risas).

Entonces, ¿qué es el éxito para vos?

No sé todavía. Creo que hacer un show y realmente disfrutarlo es lo mejor. Saber que significaste algo en la vida de alguien es asombroso. En este momento estoy con una iniciativa que se llama “Kate Nash’s rock and roll for girls after school music club” (“El club de rock and roll para chicas después de clase de Kate Nash”).

Gran titulo. ¿De qué se trata?

¡Gracias! En Inglaterra, hay muchísimas menos compositoras mujeres de lo que hay compositores varones. Solo el 14% de las regalías de escritores y compositores son para mujeres. Es tremendo. En vez de dejar que eso me deprima, estoy haciendo algo al respecto. Es una iniciativa para colegios de chicas donde, después de clase, se las incentiva a escribir, empezar bandas, aprender de artistas y cosas así, para poder cambiar el panorama. Si puedo hacer una diferencia, eso es el éxito. En lo personal, quiero seguir haciendo discos y viajar.

¿Te ves haciendo música toda la vida?

¡Sí, por supuesto! A los ochenta voy a seguir componiendo canciones desde mi cuarto.

Volver a escribir desde tu habitación es una gran forma de cerrar el ciclo.

Totalmente. Ya lo veo… ¡Voy a ser una viejita re copada!

Fuerza renovada

2011-02-09T10:24:00.002-03:00

Humo del Cairo se afianza como una de las bandas más estridentes de la escena emergente local, mientras pone un pie en Europa y Estados Unidos. Con sumo entusiasmo, el trío se prepara para uno de los años más agitados y ambiciosos de su carrera.

TEXTO Y FOTO MARTIN SANTORO

Humo del Cairo es una banda física. No porque salten como Pete Townshend, hagan pasos de baile cual Angus Young o se trencen con público al mejor estilo Iggy Pop. En su caso, el sonido se materializa como un rugido grave, incandescente y valvular, que mueve masas de aire y golpea de lleno en el pecho. Su música se siente, literalmente. La guitarra cruda de Juan Manuel Diaz amalgama los riffs caprichosos de Color Humano y la densidad de Black Sabbath, mientras surfea olas de distorsión como un Hendrix del oeste bonaerense. El bajo pulsante e hipnótico de Gustavo Bianchi y la batería temperamental de Gonzalo Greco – flamante incorporación – completan una de las propuestas más interesantes de la escena emergente.

Formados a fines de 2004, el grupo paseó su distorsión por reductos del gran Buenos Aires, escenarios porteños como Niceto Club y Ciudad Cultural Konex, mega festivales como el Pepsi Music, el Personal Fest y hasta el Luna Park, teloneando a los mismísimos Judas Priest. Si bien se autodefinen como un “combo de psicodelia pesada, progresiva y negra como la brea que nace en Ramos Mejía”, la banda sortea el rótulo de “Stoner Rock” y no extraña verlos compartir fecha con grupos tan disímiles como Nairobi o El festival de los viajes.

Su disco debut se editó en 2007 a través de Estamos Felices. Allí condensaron toda la energía del vivo dentro de los confines del estudio. Conjugaron el vuelo, la soltura y espontaneidad de la improvisación, con la rigidez de una banda aceitada con años de trabajo en su haber. La coronación del proceso vino de la mano del sello estadounidense Meteor City, emblema del rock pesado de los últimos quince años, que editó el álbum a nivel mundial.

A pesar del éxito, la fortuna pareció flaquear: tuvieron que sortear problemas personales y de grupo, pasando por tres bateristas en un año. Esa inestabilidad generó incertidumbre sobre el futuro y un silencio discográfico que sigue hasta hoy. Pese a todo, nunca pararon de tocar y perseverar.

Desde fines del año pasado, asentaron su formación y los resultados ya son palpables. Como evidencia del compromiso hacia el proyecto, Gonzalo abandonó su Córdoba natal para radicarse en Buenos Aires. Renovados, motivados y en plena ebullición creativa, la banda pisa el acelerador y apunta a editar un nuevo disco en un mes, acompañarlo con un DVD y volver al estudio antes de fin de año.

Con tanto tiempo de inactividad discográfica, ¿nunca les preocupó que se diluyera el interés del público por la banda?

Juan: No, estamos muy tranquilos. A su vez, más allá de los problemas y demoras, creíamos que el disco tenía un montón para dar todavía. Por suerte nos sigue gustando y al público también. Mucha gente nos está descubriendo recién ahora.

¿El nuevo disco va a ahondar más en el estilo del primero, como una progresión, o buscan un quiebre?

Juan: Creo que va a ser como el primero, pero mucho mejor. Si bien va a sonar “vintage” – porque es la impronta de la banda – va a tener otros matices. Además, tenemos más tiempo de estudio. El primero fue hecho a las apuradas. Grabamos todas las bases en un día, por ejemplo. Una locura. Más allá de lo técnico, siento que la mayor diferencia es el espíritu. Nuestra forma de tocar cambió, en parte porque nos fuimos puliendo y también por lo que Gonzalo trae a la banda.

¿Cómo viviste tu incorporación al grupo? ¿Sentís fue una adaptación natural o hubo un trabajo detrás?

Gonzalo: Yo llevaba años tocando con una banda similar en Córdoba, así que me amoldé rápido. Por suerte, manejamos los mismos códigos para componer y nuestros estilos se complementan muy bien.

¿Cómo sobrellevaron tantos cambios de integrantes? Imagino que debe ser difícil mantener la identidad y el sonido propio del grupo, especialmente en un trío, donde cada parte es fundamental.

Juan: Yo creo que cuando escuchás el disco, te das cuenta que la espina dorsal es la guitarra y el bajo. La batería quedó muy atrás. Entonces, para la gente que nos vio en vivo en este tiempo, nunca varió sustancialmente el sonido. Quizás ahora sí se sienta una diferencia. Antes, a la hora de componer, éramos Gustavo y yo. Ahora somos Gustavo, Gonza y yo. Seguimos tocando fuerte y grave, pero cambia la dinámica.

Ciertamente, en el disco suenan muy en vivo. A la hora de componer, e incluso en el estudio, ¿se entregan a la improvisación del momento o trabajan todo al detalle?

Gonzalo: Generalmente hacemos una base, zapamos un rato y de ahí van surgiendo los temas.

Juan: Por momentos tenemos algo muy de “jam band”. Incluso cuando hacemos temas viejos, nunca salen iguales. Creo que para este disco, si bien tenemos cosas armadas, los estamos tocando y cambiando en la marcha.

¿Sienten que la zapada también es una herramienta fundamental para mantener la frescura?

Juan: Sí. La zapada puede llevar el tema a cualquier lado. No te ata nada.

De todos modos, ustedes hacen canciones. Hay un trabajo, una estructura. No es la oda al cuelgue.

Juan: Cuando salió el disco afuera, se nos emparentó mucho con la movida Stoner, que generalmente son bandas que tal vez se juntan a zapar, como grupos conceptuales que tocan tres temas en seis horas. Después rescatan lo mejor y lo editan.

Como bien decís, Humo del Cairo es una banda que tiende a ser encasillada dentro del rótulo “Stoner Rock”. Sin embargo, ustedes parecen tratar de esquivar eso. Un ejemplo claro es ser parte del sello Estamos Felices, que tiene un perfil más pop e indie.

Juan: Nosotros nunca nos cerramos. Debemos ser el único grupo de rock “pesado” que tiene el sello y está buenísimo que sea así también. Creo que eso es un reflejo de lo que es a la banda. No salimos por un sello inglés donde son todos re podridos. No me representa. Es un honor terrible que nos editen por Meteor City, pero no soy un loco que toca en el desierto y cría cocodrilos. Yo vivo acá. Me saco las zapatillas y no tengo arena, tengo talco. No pertenecemos a eso. Somos parte, pero no nos casamos con nadie y tocamos con todo el mundo. Si me gusta la banda, no me cierro a nada.

Más allá de la satisfacción que debe generar la edición de su disco en el exterior, ¿sienten que esto también “legitima” lo que hacen para parte del público y la prensa local? Parece tonto pero muchas bandas tienen que ser reconocidas afuera para que recién ahí empiecen prestarles atención en su propio país.

Gonzalo: Creo que eso pasa en todos lados. Acá se respeta más a lo que viene de Europa o Estados Unidos, pero yo soy de Córdoba y puedo asegurarte que pasa lo mismo con los que vienen de Buenos Aires.

Juan: Es algo que también ocurre en otros países. De hecho, una vez que salió el disco, nos llegaron invitaciones de todos lados. Tal vez antes no te daban bola porque eras una banda sudamericana. Recién cuando un gringo dio el visto bueno, nos empezaron a dar cabida. En la movida europea no es tan difícil, pero la estadounidense es muy sectaria. Por suerte les re cabe el disco y contar con el apoyo del sello da chapa. Pertenecer tiene sus privilegios (risas).

Dadas estas facilidades, ¿por qué no concretaron una gira europea todavía?

Juan: Ibamos a ir a Europa ahora en abril porque nos habían invitado al Roadburn Fesival, donde participan bandas pesadas, re copadas, re podri. Si te invitan, ¡tenés que tocar! Planeábamos hacer una gira y terminar ahí pero con todo este cambio de baterista y la demora del disco, quedó para el 2012. Creo que tocar afuera, más que darte prestigio, da chapa a nivel personal. Tocar treinta veces en treinta días es mortal.

Es una gran diferencia respecto al circuito local, que puede agotarse rápidamente.

Juan: Totalmente. Acá podemos hacer cuatro shows por mes y ya abarcaste todo: capital, norte, sur y oeste. Así se puede volver monótono. Está bueno tocar más espaciado para renovarse y generar más expectativa.

Pensando en la fecha que tienen este sábado en Niceto, ¿son de tantear temas nuevos en vivo o prefieren guardárselos para el estudio?

Juan: Tocamos muchos temas nuevos en vivo, pero nos pasaba que los hacíamos y después no los tocábamos más. Hay muchos que dejamos de hacer porque no sonaban como queríamos, porque no nos representaban o por lo que fuere. En Niceto vamos a estrenar un par de temas nuevos, del próximo disco.

Gonzalo: Igual, seguro que tocamos el tema en vivo y para cuando llegue al estudio ya va a ser otra cosa (risas)

Juan: Para mí siempre fue fundamental tocarlos en vivo porque ahí te das cuenta si quedan o no. Es la prueba de fuego.

Considerando que nunca dejaron de componer, ¿no pensaron en sacar un EP con esos temas que compusieron después del primer disco, aunque sea para evitar una brecha tan grande entre ese trabajo y el que están por grabar?

Juan: No. Simplemente no era el momento. Hoy en día sí.

Se siente un cambio de actitud, un aire de renovación…

Juan: ¡Totalmente! Antes éramos una banda muy hippie. Demasiado hippie. Podíamos ir a tocar sin haber ensayado en un mes o hacer canciones en vivo que habíamos compuesto el día anterior. Además, había cosas que nos excedían. Como no tenemos alguien que haga prensa, manager ni nada, hacemos todo nosotros y eso lleva al caos. Por suerte ahora contamos con un poco de ayuda y podemos dedicarle más tiempo a la banda. Estamos aprendiendo a manejarnos mejor.

Claramente, ahora están más enfocados. ¿Qué cambió en ustedes?

Juan: Antes también lidiábamos con un laburo. Ahora lo único que hacemos es tocar. Yo entraba a las siete y media de la mañana y salía a las seis de la tarde. Desde ese momento hasta la noche, estaba tocando. Después, pasaba un rato con mi novia y ya me tenía que ir a dormir. Esa rutina me terminó saturando. En su momento, trabajaba junto al baterista de León Chalón, una banda de reggae de Ituzaingó. Un día me dijo: “yo no vengo más a laburar. No puedo concebir que mi vida artística comience a las ocho de la noche, cuando llego a mi casa, mientras desperdicio todo el día haciendo algo que odio”. De repente hice un clic. No podes dejar que algunos factores contaminen tu arte. Cuando ya te está envenenando, hay que cortar. ¡Es tu alma! Hacer música es lo más inocente y sincero que me sale. Por eso hay que mantenerse lo más puro posible.

Imagino que eso también da una nueva perspectiva de lo que es “el éxito”.

Juan: El verdadero éxito es poder hacer esto todos los días. Después, si las cosas se dan y te van a ver cien o mil personas, está buenísimo, pero no voy a dejar de hacerlo porque solo vengan cinco o diez. No nos movemos por esos resultados. Nos gusta tocar, crear y compartir. Esa es la vida que quiero vivir. Sé que es difícil subvencionar el sueño pero tomamos el riesgo, redoblamos la apuesta y haremos todo lo posible para que funcione. En el peor de los casos, ¡viviremos en la sala! Se verá. Ahora estamos haciendo lo que realmente amamos y eso es lo que importa. Nunca mejor dicho: estamos felices.

Hermosos perdedores

2010-12-12T03:55:00.001-03:00

Como referentes de la escena emergente local, Los Peyotes hablan sobre su nuevo disco, de por qué es más fácil tocar en Berlín que en Mar de Plata y cómo se siente que tu novia se acueste con otro.

TEXTO MARTIN SANTORO

Entre aullidos guturales, bailes espasmódicos y ritmos frenéticos, Los Peyotes erigen la bandera del sonido garage anclado en el beat de los 60s. Acaban de sacar “Garage o muerte”, un disco que reafirma la impronta de la banda, con un sonido estridente y una lírica plagada de historias de desamor y reivindicación del marginal y feo. Este trabajo, grabado íntegramente en España, busca retratar con mayor fidelidad aquel contexto donde la banda realmente brilla: el vivo. La voz cavernosa de David Peyote se conjuga con la batería desenfrenada de Pablo Bam Bam, el bajo pulsante de Oscar Hechomierda, la guitarra filosa de Rolando Bruno y el teclado chirriante de Juan Roman Lemons para resultar en un descontrol escénico que contagia indefectiblemente a todas las huestes rockeras.

La banda acaba de volver de su primera gira por Méjico y cuarta consecutiva por Europa, habiendo tocado España, Holanda, Alemania, Italia, Austria y Francia. Allí cosechan una base de público fiel gracias al interés que despierta el género en el continente. Este viernes presentarán el nuevo disco en Niceto Club, además de estrenar vestuario y el videoclip del tema que da nombre al álbum, filmado en una fábrica abandonada de Avellaneda, “con armas, violencia y chicas muy lindas para compensar nuestra fealdad”, según cuenta David.

Llama la atención que una banda sin apoyo de una empresa discográfica ya haya podido llevar adelante su cuarta gira consecutiva en Europa. ¿Cómo se generó la posibilidad de ir para allá?

Rolando: A través de la canción “El humo me hace mal”, que se editó allá en vinilo por el sello Dirty Waters de Inglaterra. Por suerte, fue una especie de hit que se convirtió en un tema de culto gracias a que los DJs lo pasaban mucho. Después tuvimos una invitación del festival Funtastic de Valencia y ahí arrancó todo.

¿Qué es lo que más buscan lograr en los viajes?

David: Hacer dinero (risas). Igual, después gastamos todo en ropa, discos e instrumentos. En realidad está buenísimo conocer países, gente y ver si la escena de Peyotes creció. Todos los años es un misterio.

¿Sienten que el público allá es más receptivo a una propuesta como la suya?

Rolando Bruno: Sí, porque hay una escena, a diferencia de acá. Si bien somos los mismos de siempre, allá está muy dividido: por un lado está la movida surf, por otro la garage y así. Hay muchas más bandas y el público es más específico al género. Acá se mezclan todos con todos porque no hay tantos grupos ni gente.

¿En algún momento pensaron, dada la recepción positiva que tienen allá, hacer más que una gira e instalarse una temporada, por ejemplo?

David: Sí, pero estamos acá, tenemos laburos acá y somos de acá. Además, tal vez si viviéramos allá seríamos una banda más del montón.

Rolando: Acá cuesta ser sixties. Allá es fácil conseguir una ropita, las botitas, los instrumentos. Nosotros hacemos lo que podemos, entonces eso también tiene una nota de color. Nuestra ropa no es tan perfecta como la de ellos y se cagan de risa. Eso también entra dentro nuestro estilo porque nos encanta lo bizarro, como aquellas bandas peruanas de los sesentas que copiaban la estética de las inglesas con camisas de cafetero (risas).

¿Les cuesta volver?

Oscar: A veces es todo un tema venir de un festival lindo en Europa y volver acá para lidiar con los mismos roñosos de siempre, los productores, los managers y gente que tiene la idea de llevarse plata con nosotros. Allá te tratan muy bien; acá no hay tanto respeto.

David: Resulta increíble pero es más fácil tocar en Alemania que en Mar del Plata. En dos días te puedo conseguir un show en Berlín, pero no puedo meter ni uno en la costa. Es algo que no se entiende. En Europa sabemos que hay un piso de 150 personas, entonces vamos tranqui.

¿Cómo viven la movida local?

Rolando: No hay movida. Somos un grupo de bandas que compartimos fechas y escenarios, como con los surf y rockabilly, pero no lo siento como una escena.

David: En el caso del rockabilly creo que sí hay una escena, donde van todas chicas pin-up y los pibes más lookeados. Los de surf también van más con sus camisitas y eso. Nuestro público es onda nada, pero bien. Uno va con una remera de los Cramps, otro de zapatos y alguno como salió de la facultad. No se entiende bien de dónde vienen, pero al momento de tocar, los une la música. Nosotros siempre hablamos de evangelizar con nuestras canciones, pero evidentemente no lo estamos haciendo bien (risas).

Sin duda, uno de los mayores atributos de Peyotes es su show en vivo, siendo una banda súper enérgica arriba del escenario. ¿Les cuesta traducir eso al disco?

David: Es muy difícil. Imaginate que a la hora de grabar la voz, estás encerrado en una caja, más solo que nadie. ¿De dónde sacás la concentración mental para enloquecer?

Rolando: En estos últimos discos tratamos de grabar prácticamente todo en vivo. También buscamos permanentemente un sonido vintage. Por ejemplo, este último disco fue grabado en España, en un estudio completamente analógico, lo cual está buenísimo para nosotros.

Creo que el disco cumple un doble propósito: por un lado representa bien lo que es la banda pero al mismo tiempo invita al oyente a verlos en vivo y así completar la “experiencia Peyotes”.

Oscar: ¡Totalmente! Un show siempre va a ser más power, por las bizarreadas que hacemos. Somos muy cirqueros en ese sentido.

David: ¡Somos unos vende humo! (risas)

Oscar: Lo importante es que siempre pasa algo. Creo que si lo guionásemos, no saldría nada. Todo lo que hacemos es súper espontáneo.

En sus letras siempre reivindican al marginal, al feo, al deforme. ¿Por qué?

David: ¡Tuvimos una vida dura! (risas) Mucho resentimiento (más risas). El género en sí es de perdedores. Hay muchas bandas históricas con un solo hit o ni siquiera eso. Creo que hemos sido maltratados por la vida misma. Por eso es mucho más fácil cantarle al dolor que al amor. Comprometés más emociones. Sale así. No puse “El humo me hace bien”. Puse “mal”, porque está eso de sufrir siempre. Supongo que habrá tenido que ver con los grupos que escuché, que eran muy llorones, medio maricones. Hablo de Los Ángeles Negros, el primer Sandro y demás.

Pero también hay una dosis de violencia en ese resentimiento.

David: Mirá, la letra de “Demoler” de Los Saicos es lo más punk de lo punk. Nosotros tomamos eso porque nos gusta así. Tal vez cantar algo buena onda me haría ruido. Siempre está ese resentimiento del negrito con poder (risas). Además al feo siempre le va mal con las chicas. Es muy difícil ser feo.

¿Te sentís feo?

David: Todos fuimos dejados por chicas en algún momento, por culpa de ellas o de alguien, pero nunca por culpa tuya (risas). ¡No nos hacemos cargo de nada!

Si bien Peyotes lleva más de una década de ruedo, en los últimos años han logrado una continuidad y un reconocimiento muy importante. En este sentido, ¿qué es más difícil: hacerse un nombre o mantenerlo?

David: Sin dudas, mantenerlo.

Rolando: Yo no sé ni si lo hicimos (risas).

Rolando: Hay bandas infladas por la prensa que, después de un año, ya no sabés nada más de ellas. Pasan de estar en todos lados a desaparecer.

David: Es que a los periodistas les encanta andar descubriendo la próxima banda nueva y son esos mismos tipos los que después las bajan. No sé por qué es así, pero es bien adolescente. Al pibe que está saliendo al mundo del rock le gusta descubrir su banda, hacerla propia y cuando se masifica, la deja. Es como que a tu novia se la garchen todos. “No, yo te desvirgué así que sos mía, no da que estés con otros”. Me parece que mantenerse en el tiempo está bueno y por eso banco a gente como Boom Boom Kid, que nunca explotó masivamente pero siempre se mantuvo súper activo y la gente lo acompaña. Yo aspiro a eso: algo que me permita laburar y estar tranquilo. Nosotros vimos pasar muchos grupos que la pegaron un verano y después se quedaron.

¿Se sienten un referente para las bandas garageras que están empezando?

David: Muchas veces vienen chicos que están arrancando y nos preguntan sobre cómo hacer para sacar discos, comprarse instrumentos o irse a Europa a tocar, como si lo supiéramos todo. Siempre les digo que nada es imposible, que no se droguen, que estudien (risas), pero no sé. Si no puedo con mi vida, menos puedo con la de los demás.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

Alquimista sonoro

2010-12-02T23:49:00.000-03:00

Les Claypool es uno de los bajistas más talentosos del mundo del rock. Al frente de Primus logró llevar su espíritu ecléctico a las masas, cosechando discos de platino y nominaciones a los Grammys en el proceso. Hablamos con él antes del primer show de la banda en el país.

TEXTO MARTIN SANTORO

Claypool tiene una risa fácil y contagiosa que resuena en todo su cuerpo. Habla rápido y da respuestas directas. Además, parece sentir una cómoda incomodidad frente a cualquier entrevistador, posiblemente al tener que asumir a la tarea de explicar lo inexplicable: ¿cómo es que Primus, banda tan bizarra como talentosa, ha logrado cabalgar más de dos décadas sobre el lomo de una industria musical cada vez más conservadora?

Desde su aparición a mediados de los 80s, el grupo desarrolló un sonido que se pasea del funk al punk y de lo experimental al metal con total soltura. En la década siguiente, con un nuevo público, ávido de abrazar al creciente rock alternativo, lograron posicionarse como mucho más que una banda de culto. A través álbumes como “Sailing The Seas Of Cheese”, “Tales From The Punchbowl” y “Antipop” llegaron los discos de platino y las nominaciones a los Grammys.

El 2000 los encontró declarando una “pausa perpetua” para el conjunto. Allí, Claypool se avocó a continuar con trabajos de estudio y proyectos personales. Colaboró con figuras de la talla de Tom Waits y Adrian Belew, además de formar diversas bandas como Holy Mackerel, Colonel Les Claypool’s Fearless Flying Frog Brigade, Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains y Oysterhead, el afamado trío que contaba con Stewart Copeland (baterista de The Police) y Trey Anastasio (guitarrista de Phish).

Una década después de su último disco de estudio, Primus vuelve al ruedo con la voz y el bajo de Claypool al frente, secundado por el guitarrista Larry LaLonde y Lay Lane, baterista original de la banda. Revitalizados y con ansias de escapar al circuito de la nostalgia, Les vuelve a enarbolar la bandera de su primer amor y redobla la apuesta con la Oddity Faire Tour y nuevo disco en las gateras.

Después de tantos años de separación, ¿qué los llevó a reunirse?

En realidad yo no quería hacerlo (risas).

¿En serio?

Sí, absolutamente. Sentía que Primus se había convertido algo de nostalgia. He estado en muchas otras bandas y además tengo mi carrera solista, por lo que no estaba interesado en revivirla. Hablé con Larry LaLonde y él realmente quería hacerlo. Para mí, resultaba evidente que algo tenía que cambiar para que vuelva a ser estimulante otra vez. Tim Alexander se fue de la banda y Jay Lane, quien fue nuestro baterista hace muchos años, volvió a la formación. Eso lo hizo mucho más excitante a la hora de salir a tocar y meternos en el estudio a grabar.

¿Tomás esto como un nuevo comienzo o como la continuación de lo que venían haciendo?

Podría decir que es una nueva continuación (risas), ¿qué te parece eso?

Es un buen punto medio. En ese sentido, ¿sentís el peso de tener que “preservar el legado” o hacés de lado la solemnidad y simplemente dejás que las cosas fluyan?

Realmente no pienso en eso. O por lo menos trato. Para mí, lo más importante a la hora de hacer Primus es que tiene que ser fresco, excitante y disfrutable. Hicimos unos shows en el 2003 y 2006, lo cual fue muy divertido las primeras tres semanas. Después realmente quería irme a tocar con mi banda. No me gusta retroceder; siempre quiero avanzar y hacer cosas nuevas. En lo financiero, es mucho más lucrativo seguir con lo viejo y mantener la “marca”, pero me vuelve loco. Entonces, para regresar ahora, si bien hay cierto elemento de nostalgia al tocar las canciones viejas, la clave es que nos movamos hacia adelante. Justamente por eso estamos grabando un disco nuevo: para mantenernos frescos.

¿Tienen algo grabado o van a comenzar cuando termine la gira?

Ya estamos trabajando en el estudio. Lo dejamos en pausa para hacer estos shows.

¿Aporta algo venir a tocar cuando todavía están grabando un disco o, francamente, es una distracción?

Es una distracción, sin duda (risas).

Imagino que debe romper un poco el clima y la concentración.

Sí, pero es lo que es. Dentro de todo, nos da una oportunidad de tomar un poco de distancia y escuchar lo que ya tenemos hecho para ver cómo está saliendo.

¿Son de probar las nuevas canciones en vivo para tantear el feedback de la gente o prefieren estrenarlas una vez que esté el disco?

En esta oportunidad no vamos a tocar nuevas canciones enteras. Tal vez partes o fragmentos por acá y allá. De todos modos, aún no lo sé, todavía no escribí la lista de temas. Es diferente cada noche, dependiendo de cómo nos sentimos.

¿Cómo armás la lista de temas para un lugar en el que nunca se presentaron en vivo? ¿Tomás eso en consideración o lo ves como un show más?

Ya nos enteraremos (risas). Siempre depende de cómo estemos ese día. No sentimos obligación alguna de tocar los “hits”. La lista depende más de cómo se ve la audiencia, cómo es el lugar, como nos sentimos, si estamos contentos, tristes, drogados, borrachos (risas)…

De todos modos, si estuviesen en Los Angeles, por ejemplo, donde tocaron cientos de veces, pueden hacer excentricidades como tocar un disco entero de principio a fin. En cambio, al estar ante una audiencia nueva, tal vez optan por algo más representativo de todo su catálogo.

No creo que toquemos un álbum entero o algo así. Solemos hacer ese tipo de locuras cuando tenemos muchas fechas en un mismo lugar, para mantener las cosas interesantes y que cada noche sea distinta. Acá en Buenos Aires supongo que tocaremos una lista variada. Ahora que Jay está en la banda, estamos tocando canciones que nunca hicimos en vivo.

¿Sienten que están redescubriendo parte de su catálogo?

¡Sí, definitivamente!

¿Tienen algún método a la hora de componer? ¿Las canciones nacen de un trabajo premeditado o desde la improvisación?

Creo que cada vez es diferente. Si bien suelen ser canciones que yo traigo, también animo a Larry para que aporte material. A su vez, Jay trae ritmos para que nosotros construyamos encima. Me encanta eso porque hay más de donde agarrar y hace que toque mi instrumento de forma diferente porque me estoy acoplando a la idea de otro. Tratamos de mantener todo lo más espontáneo posible. En todos los años que vengo haciendo música, mis canciones favoritas, las que siguen apareciendo en todas las listas de temas, son las que nacieron naturalmente. Cuando lo forzás o tratás de hacer algo para cierto público o porque te lo pidió la discográfica, se siente artificial.

¿Cómo te mantenés creativo en tantos frentes?

Cada experiencia trae un elemento distinto. Cuando toco con Stewart Copeland lo hago de una manera muy distinta a cuando todo con Tom Waits, por ejemplo. Así es como salen cosas diferentes. Es como tener una cacerola con un montón de ingredientes. ¡No vas a tomarlos todos y hacer siempre la misma sopa! Con cada uno se te van a ocurrir cosas distintas.

¿Cómo hacés para decidir qué idea llevas a cada banda?

Me pregunto con la sensibilida de quién funcionaría mejor y lo llevo ahí. A veces se me ocurren temas con los que no quisiera torturar a mis compañeros de Primus. Ahí entra mi proyecto solista, donde me libero de cualquier tipo de culpa (risas).

¿En algun momento pensaste en armar una especie de “super banda” que cubra todas tus necesidades e inquietudes musicales?

No. Para mí Primus es Primus, una colección de tres tipos y reflejamos lo que es. Oysterhead son otros tres tipos y reflejamos lo que eso es. Mis cosas solistas pueden ser todo lo que quiera que sean. Supongo que es como hacer un film y usar diferentes actores cada vez que hacés una película. Primus y Oysterhead son como Seinfeld y The Office: siempre usas a las mismas personas para los mismos roles.

Considerando lo extensa que es tu carrera y la cantidad de experiencias musicales que has tenido, ¿sos de sentarte a hacer balances? ¿Hay algo que hubieras hecho de otra manera?

Creo que, en la vida en general, uno siempre suele ver para atrás y piensa en cambiar algo. De todos modos, ¡siento que lo he hecho bastante bien! Es importante cometer errores, porque algunos de ellos crecen y se convierten en pequeñas joyas en si mismos. Hay cosas que, al grabar, llamo “errores gloriosos”. Cuando los cometés te hacen ruido pero después, al escucharlos, te enamorás de ellos. A veces vuelvo a canciones viejas y pienso en lo juveniles e idealistas que sonaban, pero me encantan. Es como tu corte de pelo del secundario: si te ves, decís “¿en qué carajo estaba pensando?”, pero después te vuelve a gustar. Es inevitable cometer errores, así como lo es querer corregirlos, pero prefiero equivocarme. La perfección es aburrida.

¿Qué es el éxito para vos, entonces?

Como artista, la parte favorita de mi “éxito” ha sido la libertad por la que siempre luché y fui cabezadura. Una de las cosas que más me alegra también es la gente, especialmente mis héroes, con la que pude tocar. Tengo amigos en bandas súper exitosas, donde han creado una “marca”, pero no hacen nada afuera de eso porque es mal negocio. A mí, eso me volvería completamente loco. Primus representaría muchas más ganancias económicas si sólo nos dedicáramos a esto, pero yo realmente enloquecería. Afortunadamente puedo decir que toqué con Tom Waits, Stewart Copeland, Bernie Worrell y miles de personas más. Eso, para mí, es lo que más me enorgullece al final de día. Es lo que me llevaré a la tumba: que pude tocar con todos esos tipos. Sin duda alguna, eso es lo más excitante para mí.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

Calientan los motores

2010-10-26T20:24:00.000-03:00

Con la estridencia rockera y el efervescente groove del rockabilly, Motorama se alza como una de las propuestas más excitantes de la escena emergente local. El año pasado presentaron “Crisis”, su debut discográfico y acaban de editar “Ballgag”, su flamante EP.

TEXTO MARTIN SANTORO

FOTO ZENZORIA

A pesar de tener una clara influencia del rockabilly, Motorama se erige como una banda de rock apta todo público que elude los clásicos clichés del género: no hay uniformes, personajes, espíritu de revival ni pose. En escena, el contrabajo hiperactivo de Nico Valle se fusiona con la pulsante batería de Luciano Esain para generar una base hipnótica, tan compacta como suelta, sobre la que Sam dispara acordes filosos y letras calientes. Así, el trío resulta una máquina de estribillos pegadizos y ritmos contagiosos que invitan a bailar hasta que salga el sol.

Esa impronta vital se traduce también en su trabajo de estudio. En 2009 editaron “Crisis”, un excelente disco debut, con la producción de Manza Esaín y la participación de figuras como Campino de Die Toten Hosen y Hugo Lobo de Dancing Mood. Allí despliegan una paleta sonora que va desde el espíritu festivo bailable de “Mirando al cielo” o “Chicas finas”, hasta los pasajes lúgubres del psychobilly, con canciones como “Venganza” o “Luz mala”.

Impulsados por la inercia de constantes shows en Capital, el conurbano y giras por Brasil, la banda acaba de lanzar “Ball Gag”, un nuevo EP que obra como de caldo de cultivo para el rock, el country, el rockabilly y el pop. El trabajo presenta nuevas canciones, versiones en vivo, outtakes de las sesiones de su disco anterior y covers con sello propio. “En todos los discos que grabé en mi vida, siempre sentí que faltó o sobró algo. Con Motorama es la primera vez que sigo escuchando los dos trabajos y no retocaría nada”, define Sam.

Los discos no sólo logran retratar fielmente la energía cruda del vivo sino que se potencian a través de arreglos que, según los propios músicos, elevan las canciones a su mejor versión posible. “Los arreglos son desgloses de lo que ya estamos haciendo. Se trata de cosas naturales, que uno escucha aunque no lo esté tocando nadie”, explica Esain. Sam, por su parte, agrega: “Son condimentos del disco que hacen que sea divertido y que puedas descubrir algo nuevo con cada escucha”.

¿Cómo hacen para mantener una misma identidad y, al mismo tiempo, lograr un lenguaje propio tanto en vivo como en estudio?

LULO: Para nosotros no son dos mundos separados. Cuando grabamos, las bases son tocadas en vivo, todos juntos. Después se agregan cosas para reforzar esas intensidades que uno genera cuando está tocando en el escenario, porque en tu casa no ves a la banda, la cara del guitarrista al hacer un solo, al contrabajista cuando se trepa a una mesa y demás locuras propias de un show.

SAM: Cuando uno está muy seguro de lo que hace en vivo, no le agarra culpa al plantear algo distinto en el disco. La gente que escuche el CD y después te vaya a ver no va a decir ‘estos son unos mentirosos’. Aunque el vivo y el disco puedan tener sus diferencias, no va a importar porque cada uno vale y está bueno a su manera. De todos modos, si nosotros fuésemos tipos con guita, invitaríamos a un trompetista y a un tecladista para que vengan a tocar unos temas. Sería un gusto que quisiéramos darnos cada tanto.

¿Con qué criterio eligieron los covers que grabaron? Si bien “Do anything you wanna do” de Eddie & The Hot Rods y “You shook me all night long” de AC/DC son canciones más cercanas a su estilo, llama la atención que reversionen una como “No surprises” de Radiohead.

SAM: Hay temas que me gustan mucho y generan una gran intriga por saber cómo saldrían si yo me pongo a tocarlos. Creo que es un desafío buenísimo.

NICO: En el caso puntual de “No surprises”, está en el disco porque queríamos incluir una versión de un tema no tan viejo. No queríamos que fuera de los setentas u ochentas, sino acercarnos y tomar algo más contemporáneo. Más allá de que no se grabaron, también hicimos canciones de Blur, Pulp y un montón de bandas más de esa movida que también nos gustan.

SAM: Por eso lo podemos plasmar de una forma copada: no es una canción que hacemos “en chiste”, sino algo que realmente nos encanta.

Sacar dos discos en dos años, cuando el grupo tiene tres de vida, es un gran mérito para una banda joven como ustedes en los tiempos que corren. ¿Cómo ven la industria musical acá, donde las discográficas no apuesta por algo nuevo?

LULO: Es loco pensar que en Argentina prácticamente no hay bandas exitosas de rock de gente joven. En Inglaterra, pibes de dieciocho años como los Artic Monkeys hacen tres shows y la industria se da cuenta que tienen pasta e invierten en ellos para que crezcan. Acá te dicen ‘pero sólo están tocando hace tres años’. Flaco, ¿cuánto más querés que toque? ¿Quince? Eso te quema y hay gente que se queda en el camino.

SAM: Las bandas grandes de acá, como Babasónicos, están hace veinte años y recién hace seis o siete que viven bien de esto.

Entonces, ¿gana el que persevera?

SAM: Yo creo que sí.

LULO: Gana el que persevera y realmente tiene algo que decir.

SONIDO PROPIO

La banda nació en 2006 de la mano de Nicolás y Sam, luego de la separación de Historia del Crimen, uno de los referentes del rockabilly local. Tras una breve formación de cuarteto, el trío se consolidó con la incorporación de Luciano en la batería. Su estilo, que oficia de puente entre Slim Jim Phantom y Keith Moon, terminó de fortificar un sonido que escucha el pasado pero mira hacia adelante. Con Sam cumpliendo la doble tarea de guitarrista y cantante, todas las piezas se alinearon.

Cuando te hiciste cargo de la voz, ¿sentís que te descubriste o te hiciste cantante?

SAM: Nunca me hice ni me descubrí (risas). No me considero cantante, yo soy guitarrista. De todos modos, admito que funcionó mucho mejor de lo que pensábamos.

Tu voz es una parte clave del sonido de la banda.

SAM: Es verdad que no tengo la voz típica del género y, al final, eso terminó dándole un sonido particular. Lo mismo pasa con Lulo: no es un bateista “vintage”, sino que es mucho más rockero. Cada puntito de esos hace a la personalidad única del grupo.

LULO: Lo primero que hice cuando me llamaron fue aclararles que no era un baterista de rockabilly y ellos me dijeron que no buscaban eso, así que encajó perfecto.

NICO: Justamente, le propusimos ser el baterista de Motorama porque no queríamos nada que suene a los 50s, 60s ni al tunel del tiempo, donde todos tienen camisas iguales y hacen como que son de otro país siendo argentinos. No tengo problema con la gente que lo hace, pero no es lo mío.

En ese sentido, ¿se sienten parte de una escena o se ven más como una isla?

SAM: No me siento parte de una escena porque no creo que exista tal cosa acá. No veo público que siga bandas under. Me parece que la gente va a “eventos”, que pueden ser en un boliche o en una casa, pero no hay una “movida” como supo haber en una época, con un circuito de locales de rock donde sabías que siempre te ibas a encontrar con algo e iba a estar la misma gente que frecuentaba el lugar. Eso es una escena. Hoy, la gente va a ver bandas si está lindo el día. Si no, se quedan jugando a la Playstation.

NICO: Es cierto que nosotros no estamos integrados, pero a esta altura me importa tres pitos. Además, como Motorama no refleja algo muy purista, no podemos pertenecer a una escena o “tribu”, donde todo parece estar pensado y estudiado al detalle. Hacemos música para todo el mundo, con jopo o sin jopo. Igualmente, la estética rockabilly está de moda desde hace dos o tres años, pero es pura imagen. No hay muchos que realmente vaya a los shows.

¿Te molesta eso?

NICO: Me da lástima. En la escena, hay gente que si no se arma un show con todas bandas rockabilly, todas surf o todas garage, no va. Por ejemplo, un grupo como Norma no podría tocar en un contexto así, pero con nosotros sí. Si en Niceto toca una banda de rockabilly con otra como Valle de Muñecas, ¡los “jopos” no irían! ¡Ni en pedo! Ellos quieren que sean todos iguales. Es medio sectario… y nosotros nos cagamos en eso.

SAM: Un buen resumen de lo que pasa es ir a la Bond Street. ¿Qué hay más: negocios de ropa o de discos? La gente se quiere vestir, no quiere escuchar música. Esa es la realidad del rock hoy.

Por suerte, como bien dicen, cuentan con un público heterogéneo que no busca en ustedes una sensación de pertenencia, cual tribu urbana.

SAM: Es muy grato encontrarte con gente que va por el contenido y no la forma. Eso te da una satisfacción increíble, porque esa diversidad también está en uno: estamos toda la vida construyendo un montón de cosas y nos vamos quedando con las que más nos gustan. Después agarramos y las volcamos todas juntas cuando hacemos una canción de Motorama.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

Jarvis...

2010-10-02T05:52:00.002-03:00

Viajeros sonoros

2010-09-15T19:03:00.000-03:00

Brian Storming acaba de editar su tercer trabajo discográfico, “The illustrated guide to Fantasie”, donde continúa con una propuesta tan atípica como hipnótica. RevistaG7.com habó con ellos antes de su presentación oficial en La Trastienda.

TEXTO MARTIN SANTORO

“The illustrated guide to Fantasie”, el flamante disco de esta “banda con alma de orquesta”, presenta un viaje hacia el núcleo de un grupo que busca crear un universo propio a partir de sonidos tan etéreos como punzantes, tan experimentales como fríamente calculados. Entre postales oníricas, gabinetes espaciales y bandas de sonido de películas fantásticas, navega este barco de doce tripulantes, capitaneado por el inquieto Duncan Toth.

El proceso de grabación terminó hace aproximadamente dos años pero el material recién está saliendo ahora. ¿Por qué tardaron tanto en sacarlo?

Duncan Toth: Tomamos la decisión de esperar a que las condiciones sean las adecuadas.

Durante estos dos años nos reunimos con varios sellos hasta encontrar una propuesta que realmente nos cierre. Teníamos una idea bastante clara de lo que el disco requería como plataforma y como respaldo y nos tomo un tiempo encontrar alguien que respetase estas necesidades.

En cuanto al proceso compositivo, ¿se nutren de la improvisación o prefieren construir conscientemente a partir de melodías y arreglos puntuales? ¿Tienen alguna metodología puntual?

Duncan Toth: Casualmente uno de los atractivos de Brian Storming es que cada tema tuvo un proceso distinto. Hay varios compuestos a partir del piano, otros de una melodía de voz, guitarra o loops. Tal vez el denominador común entre ellos sea que todos se desarrollan sobre sesiones de Pro Tools [NdR: programa de grabación digital multipista] en donde van tomando distintas direcciones, algunas veces transformándose hasta llegar a otra cosa. Este disco se trabajó a partir de partituras y arreglos que se gestaron al mismo tiempo que las composiciones. En ese sentido, las orquestaciones conforman una parte esencial.

Si bien llama la atención que tengan una lírica en inglés, encaja perfectamente con la propuesta musical. ¿Usar este idioma resulta de una decisión estética, una búsqueda de proyección global o simplemente les sale naturalmente así?

Duncan Toth: Es una decisión estética y conceptual. Tiene que ver con las influencias literarias que hay en el imaginario de Brian Storming – como Poe, Sir Arthur Conan Doyle, Lewis Carrol – y con esta atmosfera de Londres del 1900 que se intenta recrear.

¿Cómo hacen para traducir al vivo todos los matices, capas de sonidos e instrumentaciones que logran de una forma tan pulida en el disco? ¿Sienten que, en alguna medida, es una propuesta difícil de ejecutar a la perfección sobre el escenario?

Andrés Ravioli: Nos gusta ese proceso. Trabajamos meticulosamente durante la producción del disco en estudio y durante la mezcla, y cuando llega el momento de ensayar los temas y presentarlos en vivo es un lindo desafío. Actualmente somos doce músicos tocando en vivo con variadas tímbricas: vientos, cuerdas, instrumentos electroacústicos y voces. A eso le sumamos secuencias sonoras y visuales en pistas. Con todo esto el disco toma vida en escena.

¿En algún momento les preocupó hacer un proyecto tan ambicioso que el público pueda no terminar de entender o asimilar por completo?

Andrés Ravioli: Creemos que no hay que subestimar al consumidor. Hacemos discos porque tenemos la convicción de que es lo que una banda debe hacer, pero también porque sabemos que a mucha gente le va a interesar nuestra propuesta.

Aun así, la suya es casi única acá. ¿Sienten afinidad con una movida u otras bandas locales o, por el contrario, se ven más como una isla dentro de la escena?

Andrés Ravioli: Brian Storming es un proyecto autosuficiente, porque tiene su propio imaginario y su propia estética. Además, tenemos colaboradores que admiramos como los chicos del grupo de música contemporánea Suden, Juan Ravioli, Ale Carrau de Defórmica o Rodra Guerra. También nos gusta mucho el disco de Ezequiel Cutaia, otro amigo de la banda.

¿Cómo se preparan para la presentación del disco este fin de semana?

Andrés Ravioli: Nuestro plan inmediato es terminar de ensamblar ensayos con los músicos nuevos que van a participar del show.

Sepia: Asimismo, esta semana lanzamos el video clip del primer corte del disco: “The Rabbit”. Es una pieza que inicia una serie de clips que darán pistas para llegar a “Fantasie”.

¿Qué hay en el horizonte de la banda?

Duncan Toth: En breve vamos a empezar a grabar un nuevo disco. Ya hay alrededor de doce composiciones nuevas y estoy terminando de escribir sus respectivas letras. Después de esto, queremos avocarnos completamente a la grabación de Peter Pan, una suerte de opera rock de la novela de J.M.Barrie, la cual venimos postergando desde hace unos años. La idea es simple: seguir grabando discos por mucho tiempo.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

Rescate emocional

2010-09-05T11:29:00.000-03:00

Las Pelotas se erige como un grupo de sobrevivientes. Están a punto de tocar en el Luna Park para presentar su último trabajo, “Despierta”, gestado en medio de la tormenta que se generó con la partida y posterior muerte de Alejandro Sokol. Hablamos con Germán Daffunchio para saber cómo se hace para renacer con cada canción.

TEXTO MARTIN SANTORO

El nuevo disco parece conjugar muchas emociones casi contrapuestas, que van de la felicidad a la tristeza, de la esperanza a la frustración. ¿Qué te inspiró a la hora de componer?

Las historias de la vida. En “Despierta”, estaban pasando muchas cosas de peso, especialmente la partida de Alejandro y su posterior muerte. A medida que pasan los discos uno ve lo que hicimos antes para mejorar en el próximo. En este caso, nos propusimos llegar al estudio con los sentimientos a flor de piel. Para eso trabajamos muchísimo en la etapa de preproducción. La emoción no es una nota; es una cosa muy rara que se relaciona directamente con la libertad y cómo te sentís cuando estás interpretando. Todo ese contenido es reflejo de la herida y los sentimientos que uno tiene a través del tiempo.

En ese sentido, en las canciones parece estar latente la idea de “volver a creer”…

Cuando escribo no pienso en el mensaje que tengo que dar. Tengo la certeza que las cosas que me torturan o las que me hacen feliz y elevan el alma son comunes a mucha gente. Esa es la premisa. La esperanza tiene que ver con uno mismo y la sincera autoevaluación: admitir las veces que uno se ha equivocado y aceptar cuando uno quiere que las cosas sean de una manera y se dan de otra.

Antes contabas que el disco había llevado mucho trabajo de preproducción. Eso también se nota mucho en el sonido y en lo ajustado que suena todo. Cuando se suben al escenario, ¿buscan lograr eso mismo o ven al estudio y al vivo como dos terrenos distintos?

Creo que son dos cosas completamente distintas. Tenemos una pasión enorme por laburar en nuestro estudio propio e ir evolucionando, porque es como una escuela. En Argentina nadie te enseñe lo que es grabar. Hay mucho que tiene que ver con la psicología, con el trabajo grupal y con intercambiar ideas. Nosotros trabajamos así. No hay un líder que dice “esto es así y vos tocá esto”. En todo caso, cuando algo no cierra lo decimos y seguimos buscando. Nosotros vemos los temas como si fueran cuadros con una personalidad propia. Apuntamos a lograr eso y no a que cada músico se esté luciendo todo el tiempo.

¿Después de tantos años de carrera y de experiencias tan intensas, cuál es el motor que los sigue impulsando?

Creo que lo que más nos ayuda es todos los años que llevamos de lucha en las buenas y en las malas, con la misma pasión. Esas son las cosas que te hacen sobrevivir. Por suerte seguimos haciendo temas y nos seguimos emocionando. Yo siempre les digo a las bandas más jóvenes que hacer música no es lograr un hit. Ser músico es hacer miles de temas a lo largo de tu vida. El hit no significa nada. ¿Cuántos grupos conocés que la pegaron con una canción y después desaparecieron? No se sostiene, porque el público verdadero es el que hacés desde que arrancás en la D, tocando en los pubs y las cuchas, y es consecuente con lo que sos.

Ahora que ya pasó un tiempo desde la edición del disco, ¿qué sentís cuando lo escuchás? ¿Lo seguís disfrutando como el primer día o ya encontraste cosas que querrías cambiar?

Para ser completamente honesto, el disco lo escucho casi todos los días por lo que me transmite. Hay muchas cosas de nuestras vidas que están vivas en esos temas y para mí es como una terapia. Igualmente, te aclaro que escucho cualquier disco de las pelotas y me siento orgulloso. Nunca hice un tema que no quise.

El sonido de las pelotas puede pasar del reggae a una balada o un rock estridente. ¿Cómo hacen para conjugar los géneros y que, al mismo tiempo, mantenga una identidad?

Eso es un grupo. Tuve un gran maestro que fue Luca. Él era como una enciclopedia del rock inglés y siempre me decía, mucho antes que armáramos Sumo, que desde los Beatles hasta Yes habían arrancado en un pub y crecieron tocando. Eso es la consigna de nuestra vida: el laburo constante y la certeza de saber que la gente responde a eso. En lo musical, Las Pelotas tiene un espíritu que no lo puedo explicar pero está ahí. Tengo temas para hacer un disco solista pero son canciones que no serían para la banda. Y si no entran, no los ponemos. Es importantísimo tener personalidad. Además, siempre prevalece la música y no los egos de los músicos.

¿Por qué considerás que se da tanto esa competencia, incluso entre miembros de la misma banda?

Porque ese es el mensaje de nuestra sociedad. El ser el número uno, ver quien la tiene más grande, quién es el más virtuoso, el que salta más alto. En la música lo que verdaderamente importa es emocionar, no que demuestres que podés tocar mil notas en un segundo. Tocá lo justo, lo que te pide la canción.

Actualmente estás en una etapa donde te hacés cargo casi por completo de la tarea vocal, cuando antes compartías ese peso. ¿Cómo te sentís en el rol de frontman?

Tanto Luca como Alejandro fueron escuelas muy fuertes en mi vida. Además, uno tiene que enfrentar lo que le toca. Yo canto desde el segundo disco, pero bueno, siempre estaba Ale adelante. Por suerte me siento muy apoyado por mis compañeros, amo cantar y cada vez lo disfruto más. Después, si no me sale bailar, no bailo. No puedo ser algo que no soy, por que me sentiría mal conmigo mismo. Busco interpretar los temas con el corazón lo más abierto posible.

¿Un show como el de este sábado en el Luna Park representa algo especial para ustedes o lo toman como una fecha más?

Hay toda una historia con el Luna que no es real. Se trata del único lugar en Capital que puede albergar ese número de gente y donde se cumplen las normativas que pide la ciudad. Para nosotros simplemente significa poder encontrarnos con nuestra gente en gran escala después de tanto tiempo. Venimos de dar shows en lugares pequeños y acá tenemos la posibilidad de hacer una apuesta escenográfica, un show más largo y juntarnos con toda esa gente que, porque es el Luna Park, va a ir

¿Disfrutan de igual manera los shows en lugares tan grandes que algo más íntimo?

Son distintos desafíos. Amo tocar en lugares chicos por la comunión que se da con la gente. De todos modos, tocamos con los Stones, con AC/DC y hemos hecho estadios, así que ya estamos acostumbrados y no nos asusta. Nos sentimos cómodos haciendo música, ya sea para cinco personas o para diez mil. A mi me gusta la ida y vuelta emocional con la gente. Me gusta sentir que estamos viviendo otra realidad y salir de ahí con la satisfacción de haber compartido algo hermoso.

¿Qué es el éxito para vos?

Es estar vivo cada mañana, hacer lo que nos gusta y vivir de eso. Por sobre todas las cosa, el éxito es aprender a vivir, porque lo más fácil en este mundo es irse.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

En erupción

2010-09-02T12:52:00.005-03:00

Con la presentación de su flamante disco, “Un volcán”, el trío formado por Jorge Araujo (ex Divididos), Tito Fargo (ex Patricio Rey y sus Redonditos de ricota) y Gustavo Jamardo (ex Porco) insiste en poner la música por sobre todas las cosas. “La industria y el arte no son compatibles”, dicen.

TEXTO MARTIN SANTORO

“Una vez un amigo me dijo que nosotros hacemos música intelectual. Yo le respondí: ‘tal vez tenés razón… o tal vez sos un adoquín’”, cuenta Gustavo Jamardo (bajo) mientras sus compañeros de banda, Tito Fargo (guitarra) y Jorge Araujo (batería), sueltan un torrente de carcajadas. Desde su formación en 2004, Gran Martell condensa una impronta rockera a través de un caldo valvular que combina riffs rabiosos y ritmos antojadizos que ganan intensidad con cada cambio de paso mientras esquivan los lugares comunes del género. “Buscamos destruir el típico formato de trío. Es una actitud que nos seduce y permite sacarle mucho jugo a la banda”, explica Fargo.

Con dos discos en su haber, acaban de editar “Un volcán” bajo una impronta más electroacústica, donde merma la estridencia pero no la intensidad. Con la coproducción de César Silva, afloran arreglos de cuerdas y pianos para sumar matices la propuesta del trío. Hacia fin de año saldrá su sucesor, también titulado “Un volcán”. Para evitar confusión, aclaran que esta contraparte se focalizará expresamente en un sonido más electrificado y macizo de Gran Martell. Será, de algún modo, la otra cara de esta moneda. Sin embargo, como explica Araujo: “Cada parte es una obra en sí misma que no necesita de la otra mitad para completarse”. El baterista agrega: “Nos gusta escapar del rol que nosotros mismos nos generamos en cada grabación. Esta banda es muchas cosas al mismo tiempo”.

No resulta habitual que un grupo edite dos discos en tan pocos meses, pero eso no les preocupa. “No sería honesto esperar un año para sacar toda la música que venimos haciendo solo porque los tiempos que marca la industria son diferentes”, comenta Araujo. Fargo dispata: “La industria y el arte no son compatibles. Sin embargo, uno necesita meterse en ese ruedo para sustentar algo que va más allá de lo espiritual y lo creativo. Hay que tocar, grabar y hacer cosas que requieren estructuras”.

Es evidente que el grupo está acostumbrado a hacer todo a su manera. Gran Martell no tiene un líder o frontman: es un autentico tridente. Fargo trabaja como un artesano de la guitarra, construyendo capas de sonido que cabalgan sobre el pulsante bajo de Jamardo, retroalimentando el crisol rítmico de Araujo. El grupo aprovecha todo ese talento para explotar aristas musicales que no apuntan a demostrar virtuosismo, sino saciar una inquietud sincera. “Cuando un tipo se creyó Gardel, se terminó el artista. Uno siempre tiene que sentirse un poco disconforme”, opina Jamardo.

La necesidad de indagar constantemente en nuevos caminos llevó a Gran Martell a forjar un estilo que, para muchos, es incompatible con el mainstream musical. “La gente que nos viene a ver está buscando siempre algo nuevo. Son personas de gran apertura mental que disfrutan del mismo modo con un tipo que canta acompañado por un violín y con un trío de rock que aplasta. No es fácil encontrar gente así”, señala Araujo. “De todos modos, siento que Gran Martell es un grupo de música popular. Que no me vengan con eso de ‘música para músicos’”.

En seis años de trabajo, la banda ha desarrollado una identidad única, cimentada en la música y en los vínculos humanos. Jamardo es categórico: “Ninguna química se genera en el ruedo. Si no hay un vínculo especial desde el inicio, se puede insistir durante un tiempo pero todo terminará en el fracaso. La conexión entre nosotros fue inmediata. Por eso somos una banda. Si no, no lo hubiéramos hecho. No lo hubiese permitido”. Araujo sonríe y remata: “Si vos nos preguntás qué es lo que pretendemos de esto, la respuesta es simple: la música está antes que todo, siempre”.

*Esta nota salió publicada en la edición de septiembre 2010 de la revista G7

La casa del Jazz

2010-09-01T19:51:00.001-03:00

En la última década, Thelonious se convirtió en uno de los puntos cardinales de la escena porteña de jazz. Siguiendo la tradición de los clásicos reductos neoyorquinos, los hermanos Lucas y Ezequiel Cutaia abrieron un espacio donde convive el pasado, presente y futuro de un estilo tan clásico como inquieto.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo nació la idea de abrir un club a presentar jazz en vivo prácticamente todos los días? ¿La impronta de los clásicos clubes de Nueva York, fue algo que buscaron concientemente?

La idea surgió de un viaje que hicimos a NYC en 1998, del que volvimos con mucha energía y ganas de abrir un club que funcionara todos los días en los mismos horarios, con jazz en vivo o alguna propuesta interesante para escuchar. Esa influencia fue una búsqueda conciente e improvisada. Para hacer algo relacionado al jazz, siempre hay que improvisar un poco, especialmente en Buenos Aires. En cuanto a sonido, bucamos algo más acústico y casi sin amplificación, para que se escuchen los instrumentos con su sonido original y en una atmósfera adecuada.

Thelonious se ha convertido en un lugar con identidad propia, donde la gente sabe siempre va a encontrar una propuesta que mantiene un parámetro de calidad. Es como si el lugar generase un interés por sí mismo. ¿A qué lo atribuyen?

Por suerte es así. Siempre programamos cosas que nos resultan interesantes. Nunca cedimos en eso. Además, el paso de 10 años manteniendo una línea ayudo mucho a que la gente confié a la hora de elegir ir a escuchar música a Thelonious.

¿Con qué criterio eligen a las bandas o músicos que se presentan?

Hay músicos que, de alguna manera, están siempre y alrededor de ellos vamos armando la rueda. El criterio esta en el buen gusto, la presentación de nuevos discos, la búsqueda de un buen sonido y mostrar cosas diferentes. Después esta el trabajo de los músicos, que es lo más importante: generar la magia y punto. Eso rompe la monotonía y siempre resulta interesante para un buen espectador.

¿Cuáles son los principales cambios que notaron en la escena, tanto de las bandas como del público, en estos 10 años?

El cambio en el público fue claro: pasamos de tener noches muy solitarias a otras desbordadas de gente. Eso fue importante, ahora hay que encontrar la armonía entre el silencio original y el club lleno. En cuanto a las bandas, vimos el crecimiento de toda una generación de músicos muy talentosos dentro del jazz y una nueva que se esta por venir.

¿Cuál sienten que es el rol del club en la escena porteña del jazz?

El club es un pequeño eslabón en la comunicación entre los músicos y la gente; un espacio donde la música llega a un destino

¿Consideran que hay un creciente interés, tal vez más popular, por el jazz? ¿Es resultado del “adiestramiento” del oído del público o de una mayor exposición y ofertas interesantes?

No creemos que haya mayor interés. Eso siempre estuvo. El tema es la comunicaron, donde la gente se entere que suceden otras cosas. Eso lleva tiempo.

Habiendo cumplido su primera década, ¿qué planes tienen para la próxima?

No hay plan: ¡vamos a seguir improvisando!

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.RevistaG7.com

Estados alterados

2010-08-11T03:01:00.001-03:00

Desde su formación en 2005, Sutottos se ha convertido en una de las propuestas teatrales más interesantes en la comedia porteña. Tras el gran éxito de “Sujeto tácito”, el dúo compuesto por Andrés Caminos y Gadiel Sztrikahora presentan “Colapso”, su nueva obra que conjuga un humor tan estridente como pensante. Allí buscan retratar la irritación, impaciencia y tedio cotidiano que azota al sistema nervioso del hombre común justo antes de que explote.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo definirían a Sutottos en el contexto del teatro actual?

Es un equipo que hace teatro, un espiral que asume espacios creativos. Por suerte, como en todo aquello que refiere a una obra, solo se puede saber lo que Sutottos es asistiendo a lo que Sutottos hace. Y lo que Sutottos hace esta en los ensayos y en los espectáculos que el grupo ha creado. Es también un pequeño aporte al teatro popular, que pretende no dejarse vencer ante las enormes competencias del cine y la televisión, y que busca compartir un acontecimiento apoyado en el juego y en un delirio siempre latente.

¿La naturaleza ecléctica del “humor Sutotto” resulta de la fusión del estilo personal de cada uno o, por el contrario, los dos están en la misma sintonía y se potencian?

No se si se puede hablar de un estilo de humor Sutotto, pero las obras que presentamos son producto de la fusión de nuestras propias poéticas. Creemos que a la hora de crear un espectáculo, no pensamos en definir un estilo sino mas bien en dejar que el ensayo nos guié. Trabajamos juntos hace más de seis años y algunas cosas no sabemos a quién pertenecen. La clásica pregunta “¿a quién se le ocurrió lo de…?” no suele encontrar respuesta.

¿Cuáles son las principales diferencias (en cuanto a la intención) que encuentran entre “Colapso” y “Sujeto tácito”? ¿Sienten que, en alguna medida, es como una continuación o más bien algo completamente distinto?

“Colapso” es un espectáculo con un contenido más ácido que “Sujeto Tácito”, pero ambos van en la línea de un grupo que encara determinada búsqueda y, en este caso, coinciden en hacer una crítica a la sociedad y sus manías. “Sujeto Tácito” es mucho mas amable que “Colapso”, el cual hace una critica profunda y moviliza a los espectadores desde un humor un tanto incomodo. Ambos son parte de un recorrido de grupo y el punto en común es la búsqueda de un lenguaje propio y singular

La obra busca reflexión sobre el estado violento de la sociedad actual y cómo esta nos lleva a un derrumbe emocional. Imagino que ustedes habrán tenido colapsos personales que inspiraron la obra. ¿Por qué decidieron hacer de esto un espectáculo de humor y a qué atribuyen que funcione tan bien?

No creemos que uno sepa con claridad cuán colapsado está, pero es algo que está vivo y viaja en los colectivos, en subtes, está en el tránsito, en la cola del banco, al chocar con otra persona por la vereda… Es también el odio contenido de las frustraciones, la incapacidad de exteriorizar los conflictos; es una violencia del tipo urbano. No es que no existan colapsos en los pueblos, pero no son los mismos que en la ciudad. Por eso creemos que es un espectáculo de las grandes urbes.

De todas formas, también hay que pensarlo en un sentido positivo: la posibilidad de advertirlo y ver qué hacer con todo eso. Claramente, nosotros no somos quienes otorgan respuestas a la sociedad para que deje de colapsarse, pero intentamos una reflexión en ese sentido. Ponemos sen escena pedazos de existencia y al espectador se le producen identificaciones, pero sobre el escenario se ven singularidades.

Es una gran alegría para nosotros que el público disfrute de “Colapso”. Nunca nos interesó hacer teatro para gente que “hace teatro”. En este sentido, defendemos lo popular, el boca a boca hace que la sala se llene cada sábado. Esa es la mejor prensa.

A la hora de escribir el guión, ¿qué predomina: la búsqueda de humor o de reflexión?

El guión es el resultado de infinitos ensayos que desgrabamos y bajamos al papel. El trabajo que hacemos es ordenar, limpiar, editar eso. En algunos casos modificamos algún detalle que puede producir humor, pero en general la gracia está en cómo se cuenta. En “Colapso” se ironiza sobre varios aspectos de la sociedad pero, al mismo tiempo que se genera humor, se está produciendo la crítica, porque el espectador se ríe de sus propias miserias, como también nosotros actuamos las nuestras.

¿Cómo componen a los personajes? Es llamativo que se hayan convertido en oficinistas, niños y ángeles para transmitir su mensaje.

Los ensayos nos fueron convirtiendo en oficinistas, niños y ángeles, pero pudimos ser jugadores de fútbol, hormigas y pastores. A priori, sería difícil decir que, para hablar del colapso, son indicados un par de ángeles sobre una escalera. Los ángeles aparecieron en un ensayo, aunque más como una especie de pintores. Quizás de allí surgió la escalera, quizás de allí las alas… Seria muy difícil encontrar un solo lugar desde el que aparecen las cosas.

Ciertamente dos tipos de espectador: el que lo ve como ajeno y se ríe, y el que ríe incómodo al verse reflejado. ¿Qué clase de reacción buscan en el público?

En “Colapso”, es difícil pensarse ajeno a lo que se cuenta, el espectáculo no discrimina edades, clases sociales o ideologías. La respuesta del público es siempre inesperada ya que nunca reaccionan como uno cree y no todos reaccionan igual. Intentar complacer a todos o preocuparse demasiado por lo que el público puede pensar es una tarea sin sentido, perjudicial para la salud y que puede llevar a la psicosis (risas). Es mucho mas sano juntarse a ensayar en una pequeña habitación durante ocho meses y, como diría Peter Brook, dejar que la pelotita rebote.

¿Cuánto representa un ensayo meticuloso y cuánto dejan libre a la improvisación?

Nada esta librado a la improvisación y, sin embargo, cualquier momento es potencialmente “improvisable”. Lo importante es la conexión, la comunicación que existe entre nosotros cuando estamos actuando. Cada detalle y movimiento, por mínimo que parezca, esta ensayado. Somos muy meticulosos y obsesivos de cada texto, mirada o gesto. En la tranquilidad que produce una “partitura” absolutamente estudiada, de abajo a arriba, de izquierda a derecha, surge la libertad para jugar.

¿Qué les gustaría que se lleve la gente cuando sale del espectáculo?

Una bolsita con caramelos, pero no nos da el presupuesto (risas).

¿Qué es el éxito para los Sutottos?

El éxito es un cuaderno con tapas duras y forrado. Contiene 48 hojas de 100g extra resistentes. Existen otras marcas como Rivadavia, por ejemplo (risas).

¿Cuáles son sus próximos planes?

Por ahora seguir con las funciones de “Colapso” y empezar a ensayar el quinto espectáculo. El año que viene queremos reponer “Sujeto Tácito”, “Colapso” y muchísimo más. No sabemos bien qué es, pero hay mucho más por venir.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la Revista G7, www.RevistaG7.com

Ah, el camino...

2010-07-27T00:24:00.005-03:00

"La única gente que me interesa es la que está loca, la gente que está loca por vivir, loca por hablar, loca por salvarse, con ganas de todo al mismo tiempo, la gente que nunca bosteza ni habla de lugares comunes, sino que arde, arde como fabulosos cohetes amarillos estallando como arañas entre las estrellas y, en el medio, se ve una luz azul y todo mundo suelta un ¡Ahhh!" - Jack Kerouac

PEZ en Niceto

2010-07-12T23:37:00.002-03:00

PEZ - Frágilinvencible 2000-2010
10 de julio 2010
Niceto Club

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Fiel a su estilo

2010-06-13T01:16:00.006-03:00

Participó en más de 150 discos de todo tipo y conformó decenas de bandas en sus treinta años de carrera. Es una pieza fundamental en la refundación sonora de Wilco y acaba de visitar Buenos Aires con su banda, The Nels Cline Singers.

TEXTO MARTIN SANTORO

Nels Cline es un espécimen raro dentro del mundo de la guitarra. A lo largo de su carrera, colaboró con referentes tan diversos como Thurston Moore de Sonic Youth y Charlie Haden, contrabajista de Ornette Coleman y Keith Jarrett. Tal vez por eso no debería extrañar que su evolución musical tenga como responsables tanto a Coltrane y Miles Davis como a Jimi Hendrix y Jeff Beck.

Con The Nels Cline Singers, la banda que lidera desde hace una década, navega en zigzag las fronteras del caos y el control combinando jazz, fusión, psicodelia, kraüt y stoner rock desde las mismas seis cuerdas. Su nuevo álbum, “Iniciate”, es un fiel reflejo de ese crisol de sonidos, con un cuidado disco de estudio y otro en vivo, donde intenta un balance clave en su música: “Sin duda, la combinación de improvisación y composición es lo que más busco”, explica.

Lejos de verse como un nuevo héroe de la guitarra, Cline celebra cuando es el proyecto que se destaca y no duda en aclarar: “Los cumplidos no me aportan mucho. Lo que sí me encanta es venir acá y ver el interés que hay por mi música, porque siempre asumo que nadie la escuchó”.

Sincero, no tiene vergüenza al contar que la mayoría de su carrera fue sustentada por trabajos mediocres durante el día, que estaba por cumplir 50 años y era prácticamente pobre, y que si no estuvo tanto de gira fue porque los números siempre estaban en rojo. “Hoy puedo darme el lujo de perder plata pero pagarle a todos lo que corresponde y, de última, yo no cobro, porque mi recompensa está en hacer lo que quiero”, remata.

Esta peripecia profesional fue posible gracias a que en el 2004 se unió a las filas de Wilco, una de los grupos de rock más creativos y aclamados de Estados Unidos en los últimos años. “Me gustaba el contexto y la idea de una banda de rock y, sinceramente, necesitaba algo con lo que pudiera subsistir, pero no podía aceptar lo que fuera. Sabía que esto iba a ser abierto, creativo y que podía pasar cualquier cosa en cualquier momento, porque todos estamos tocando al tope de nuestras habilidades noche tras noche. Por suerte ha sido mucho mejor de lo que pude haberme imaginado”, asegura.

En cada fraseo, Cline demuestra ser un ejemplar único, un colaborador tan sutil como sustancial. Dentro del monolito que es Wilco, logra entremezclar sus excéntricas tangentes sonoras dentro de una aceitada banda de canciones. Desde su llegada, el grupo abrió su paleta, cambiando la experimentación del sonido por la experimentación melódica. Lo que antes era densos climas de ruido musical, pasó a ser una improvisación contenida, con la libertad para volar pero la conciencia para ubicarlo en un tiempo y lugar. Aún así, escapa al reconocimiento: “No sé si cambié el sonido de la banda pero Jeff [Tweedy, líder de Wilco] sabe cómo permitir que las cosas pasen, ayudando a la música. Yo espero a ver cuál es la dirección que quieren tomar y trato de acoplarme. Mi personalidad es de total colaboración”.

Lejos de sentarse a disfrutar las mieles del éxito, potencia su hiperactividad al máximo con decenas de proyectos alineados y un próximo disco de Wilco que será “más raro y loco”. “Si mi vida sirve de ejemplo para algo, la clave es seguir insistiendo y nunca rendirse. Siempre quise hacer esto y ahora tengo que aprovechar que se me da, aunque esté un poco más viejo de lo que esperaba. Si aguanté todos estos años fue porque opté por hacer solamente la música que me hace feliz. No lo hubiese podido lograr de otra manera”. Pasión, perseverancia y paciencia. Esa es la llave del éxito y Nels Cline lo sabe bien.

*Esta nota puede verse en la edición de agosto 2010 de la revista G7

Nels Cline en La Trastienda

2010-06-11T21:02:00.002-03:00

THE NELS CLINE SINGERS
10 de junio 2010
La Trastienda

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Nueva corriente

2010-06-09T23:49:00.002-03:00

Después de tres años de silencio discográfico, acaban de editar “El río”, un álbum que los acerca al oído popular pero sin perder un ápice de personalidad. Desde un viejo bar de Congreso cuentan cómo es vivir con un pie en cada orilla.

TEXTO MARTIN SANTORO

“Puedo ser el mejor, despeinado y maricón / o puedo ser muy normal, yendo siempre hacia ningún lugar / pero no te olvides que nunca dejo de ser yo” canta Gori, líder de Fantasmagoria en “Fósforos mojados". Así, el ex Fun People –uno de los compositores más ilustres de nuestro under– parece escapar a cualquier casilla en la que se lo quiera meter. Lo mismo ocurre con su actual banda, que luego de una década de vida sigue siendo un “bicho raro” en la escena local.

Tras años de formaciones itinerantes, el grupo se parece haber asentado definitivamente con Gori (Carlos Loncharich según sus documentos) en guitarra acústica, Ignacio Birzuela en batería, Juan Cruz Zaballa en bajo y Sebastián Volco en teclados. Si bien cada uno aporta su lenguaje, no dudan en afirmar que se alinean detrás de un “sonido Fantasmagoria” que envuelve todo y elude cualquier clasificación. Sí: canaliza un espíritu sesentista con la psicodelia de los tempranos Pink Floyd, la elegancia de The Kinks, el groove desfachatado de los Rolling Stones y las armonías de los Beach Boys. Eso y mucho más. Sin embargo, la identidad no está anclada en postales de antaño y que, por sobre todo, hay un contenido que pesa más que las formas. “Mientras esté claro lo que dice la canción y suene como tiene que sonar, no me calienta definirlo. Lo importante es la personalidad y que el disco sostenga una línea” explica Brizuela.

Históricamente, el grupo abrazó el dogma de la autogestión más por necesidad que por orgullo. Hace un tiempo, tan cansados de propuestas leoninas de las discográficas como de hacerse cargo de sacar material por su cuenta, habían decidido suspender su usina compositiva, con un disco entero casi terminado a la espera de una mano que ayude. En medio de ese lánguido suspenso apareció Bingo!Records con una propuesta que reactivó el proyecto y trajo a Pablo Romero (de Árbol) como productor para arrancar de cero. Bajo esta premisa, conjugaron material de todas las épocas y armaron otro repertorio, que condensa las múltiples aristas de su música.

Con desconfianza, encomendaron en Romero la tarea de plasmar la esencia de las canciones y, al mismo tiempo, hacerlas “populares”. “Al principio dudamos un poco porque nunca habíamos trabajado de esa forma y teníamos miedo de qué iba a hacer un productor con nosotros, a ver si terminábamos siendo Airbag o algo así. Por suerte después nos cerró el orto a todos y se lo dijimos”, admite Gori. No hay duda de que su aporte se siente en un sonido pulido, pulsante y más enfocado. Basta escuchar la reencarnación del tema que da nombre al disco –ya lo habían grabado en el EP Abracadabra, de 2007– para comprobar cómo una buena canción puede devenir en un perfecto y merecido hit.

Si bien la salida de “El río”, grabado en apenas cuatro días, puede tomarse como un salto hacia una posible masividad, el cantante y guitarrista es más prudente: “Lo siento como un paso más, aunque uno largo, como una zancada, porque tardó mucho en salir entonces fue como un alivio”. Tal vez por eso la meta no sea la masividad sino subir la apuesta. “Sería buenísimo que este disco funcione para llegar al próximo y poder agarrar todo el material que tenemos en la sombra: que destapone”, sueña Gori, mientras que Volko, tan en broma como en serio, sintetiza: “Que fluya… y que llegue al mar”.

*Esta nota salió publicada en la edición de julio 2010 de la revista G7

El tema del día...

2010-05-16T01:00:00.001-03:00

The Kinks: "Sitting in my hotel", del disco Everybody's in show business.

If my friends could see me now, driving round just like a film star,
In a chauffeur driven jam jar, they would laugh.
They would all be saying that it's not really me,
They would all be asking who I'm trying to be.
If my friends could see me now,
Looking out my hotel window,
Dressed in satin strides and two-tone daisy roots,
If my friends could see me now I know they would smile.

Sitting in my hotel, hiding from the dramas of this great big world,
Seven stories high, looking at the world go by-y.
Sitting in my hotel room, thinking about the countryside and sunny days in June.
Trying to hide the gloom, sitting in my hotel room.

If my friends could see me now, dressing up in my bow-tie,
Prancing round the room like some outrageous poove,
They would tell me that I'm just being used
They would ask me what I'm trying to prove.
They would see me in my hotel,
Watching late shows till the morning,
Writing songs for old time vaudeville revues.
All my friends would ask me what it's all leading to.

Sitting in my hotel, looking through the window at the people in the street,
Seven stories high looking at the world go by,
Sitting in my hotel, looking at the world outside.

If my friends could see me now they would try to understand me,
They would ask me what on earth I'm trying to prove.
All my friends would ask me what it's all leading to.

A contramano

2010-05-14T08:59:00.006-03:00

El trío acaba de completar "Radiolarians", un proyecto que dio como resultado tres discos, otra forma de hacer música y una nueva visita a nuestro país. John Medeski cuenta cómo es nadar contra la corriente.

TEXTO MARTIN SANTORO

El idioma inglés suele presentar palabras que portan en sí significados tan antagónicos como complementarios. “Play” implica tanto “ejecutar” como “jugar”. Una palabra, dos conceptos y la definición perfecta para lo que hacen Medeski, Martin & Wood con la música. Desde hace 20 años, la banda neoyorkina revitaliza el jazz, evitando el tedio academicista para presentarse como aventureros sonoros. “Lo más lindo del mundo es salir sin ningún tipo de ensayo previo y simplemente tocar y crear ahí, en el momento”, cuenta el pianista con una sonrisa.

Su último trabajo se gestó en medio de un proceso que parecía ir casi a contramano de los cánones de la industria. Primero compusieron las piezas, luego salieron de gira para pulirlas sobre el escenario y finalmente entraron al estudio para plasmar el resultado. Este proceso generó tres sets, tres giras y tres discos. Crear, tocar, grabar y repetir: en medio de esta vorágine, el trío logró capturar canciones con una frescura y vitalidad inmejorable, explotando su genio creativo en cada etapa.

¿Por qué eligieron este camino para “Radiolarians”?
¡Porque podemos! (risas) Ahora somos nuestra propia compañía discográfica y pensamos que sería una buena forma de hacer el disco. El principal motor era escribir mucha música. Queríamos desarrollar un set nuevo para cada gira y no tocar lo mismo de antes. Después pensamos que estaría bueno escribir estas canciones, pero dejándoles un final abierto y pulirlas en la gira. Apuntamos a que el trabajo de estudio fuese rápido y prácticamente en vivo.

La banda realmente se destaca sobre el escenario, logrando una dinámica de improvisación en vivo que ya es su estampa. ¿Cómo traducen esa frescura a un contexto contenido como es el estudio?
Esa es una gran pregunta… y muy difícil de responder. No creo que se pueda. A lo sumo capturás un momento o versión particular. La frescura está en la forma de encararlo y de tocar. Tiene la ventaja de ser un ambiente controlado que da paz y permite que te concentres más en los detalles. A veces el público puede ser hasta molesto, por ejemplo cuando alguien grita algo en medio de una canción. Hay dos caras realmente. Por un lado, no te distraés con lo que pasa a tu alrededor pero, a la vez, tampoco te podés alimentar de eso de para inspirarte. El éxito está en capturar la frescura de lo que hacemos en vivo y combinarlo con lo pulido del estudio.

Después de casi 20 años juntos, ¿cómo mantienen las cosas frescas y creativas?
Todos tenemos proyectos paralelos en donde también crecemos. Además, somos afortunados de no haber tenido ningún hit en la radio, así no estamos “forzados” a tocarlo todo el tiempo. Veo bandas donde los miembros ni siquiera se hablan y viajan separados. Para mí, la música no se trata de eso. Nosotros seguimos disfrutando estar y tocar juntos. Incluso, estos últimos años tal vez han sido los más creativos de nuestra carrera, así que no veo por qué frenar. En cuanto dejemos de crecer, nos dedicaremos a otra cosa.

¿Qué puede esperar el público para este show en Buenos Aires?
La última vez que vinimos todavía estábamos desarrollando el tercer volumen, así que va a estar bueno cerrar el ciclo. De todos modos, pueden esperar lo inesperado. Con la música, hay que estar preparado para embarcarse en un viaje, con la mente bien abierta.

*Esta nota salió publicada en la edición de mayo 2010 de la revista G7

Espíritu inquieto

2010-05-13T07:05:00.001-03:00

Acaba de editar un nuevo disco al frente de Pez, en el que la banda hinca más el diente en la efervescencia rockera de su antecesor. Simultáneamente, inaugura un nuevo capítulo con el notable trío acústico Flopa Manza Minimal. Está claro: dividido, multiplica.

TEXTO MARTIN SANTORO
FOTO NORA LEZANO

Prolífico, versátil, hiperactivo, honesto, dotado, temperamental… ¿Cuántos adjetivos encajan a la perfección a la hora de describir a Ariel Minimal? Como una especie de antihéroe del rock local, desde hace 16 años está al frente de Pez, con una carrera intachable de autogestión, libertad, talento y coherencia. “Honrar la ansiada libertad, luchar y perseguir los sueños / y sin saber por qué estamos acá, hacer que esto resulte bueno” define en “Soñar soñar”, una canción de la reciente cosecha.

Acompañado por Franco Salvador en la batería, Fósforo García en el bajo y Pepo Limeres en los teclados, exprime cada gota de una creatividad tan rica como ciclotímica que no muestra señales de detenerse. Con su flamante doceavo disco, intitulado, la banda reafirma sus raíces pero sigue expandiendo su horizonte. Sin un segundo de respiro entre tema y tema, despliega un sonido incandescente, bañado en estridencia rockera, testosterona adolescente y virtuosismo sapiencial. Aún así, la distorsión que pulsa salvaje nunca descuida matices y sutilezas que engalanan cada ritmo, riff y melodía.

En estos días, la banda también se encuentra seleccionando material para un nuevo disco en vivo, pensado para fin de año. “La idea es que no se repita ningún tema que hayamos puesto en el otro (Para las almas sensibles, 2005)”, explica Minimal quien, como si fuera poco, se acaba de reunir con Florencia Lestani y Mariano Esaín para revivir Flopa Manza Minimal, una de las experiencias musicales más celebradas de la década, y dar forma a un ciclo durante todos los jueves de mayo en el porteño UltraBar. Si bien hay olor a vísperas, Ariel no promete más que el hoy. Y no es poco.

¿Después de tantos años separados, qué los llevó a juntarse nuevamente y resurgir Flopa Manza Minimal?
La verdad que no hay demasiad explicación. Sabíamos que iba a pasar eventualmente y bueno, se está dando ahora. De todos modos, tampoco es que retomamos “el proyecto”. No tenemos pensado grabar un disco ni nada. Armamos unos shows para salir a tocar porque está buenísimo: vimos que funcionó y fluyó de vuelta. A mí me gusta mucho cómo se escuchan nuestras voces juntas y las canciones.

Igualmente ya hubo un par de encuentros esporádicos, como en el BAFICI del 2007 o en uno de tus shows como solista a fines del año pasado…
Sí, eso estuvo muy bueno pero ahora le dimos un poco más de consistencia.

¿Entonces no hay ningún proyecto futuro más allá de estos shows?
No hay planes firmes. Ojalá… De hecho, estamos haciendo temas nuevos que compusimos, pero no sabemos si los vamos a grabar.

Si bien fue un proyecto efímero, en su momento fue catalogado como uno de los mejores discos del año y, hasta el día de hoy, se sostiene bien arriba cada vez que se repasa la década. ¿Ese tipo de reconocimiento te dice algo o no importa? ¿Te sigue sorprendiendo lo que continúa generando aquel trabajo, siete años después?
No me importa en el sentido de ese éxito, pero sí genera una cosa propia de pensar que, si hacemos otro, tiene que estar a la altura. De todas formas, para mí, el disco estaba bueno más allá de la apreciación posterior que se generó. Me pasa exactamente lo mismo con el que hice junto a Florencia Ruiz (“Ese impulso superior”, 2008). Si ahora tuviese que hacer otro con ella, tendría ese fantasma de que tiene que estar tan bueno como el anterior. Un poco de eso ocurre con Flopa y Manza. Ese álbum fue como tirar una bomba e irnos. No tuvo la consistencia de un plan de lucha. Fue un acto terrorista (risas), sin sentido, sin saber por qué, cuándo, cómo… y quedó en la nada. Ahora estamos tocando esas canciones y otras. Si en algún momento toma forma de disco y se vuelve consistente como el anterior, grabaremos.

¿Cómo te sentís en esta situación del trío donde solo tenés el 33% de la última palabra, mientras que tal vez en Pez podés “salirte con la tuya” un poco más?
No es que en Pez tengo más peso sino que se trabaja de ese modo: los chicos confían más en mí. Yo vengo con cualquier idea, realmente cualquier idea, a lo largo de los años y a veces me miran raro, pero confían mucho en lo que hago. Lo otro es buscar todo el tiempo un punto común. Por ejemplo, Manza ya me dijo que no quiere hacer ningún tema tipo folclore. Ahí somos tres solistas que nos juntamos para hacer esto, entonces mostramos lo que podemos hacer juntos, aunque somos diferentes entre nosotros.

¿Cómo te tomás este pasaje de impronta más acústica en el contexto de la estridencia rockera cotidiana de Pez?
Son dos cosas que corren al mismo tiempo. No es algo que necesito, el ying y el yang ni nada de eso. Todo se da al mismo tiempo. Siempre fue así para mí.

Es cierto, pero cuando sacaste tus discos solistas o armaste proyectos paralelos, generalmente fue en momentos más inactivos de Pez. En este caso, están en plena presentación del nuevo disco y, al mismo tiempo, tenés varias fechas con el trío. ¿Cómo hacés para acomodar todo?
No sé (risas). Es la primera vez que tengo las fechas tan pegadas, pero yo estoy en la sala tres o cuatro días a la semana, tocando. Hacerlo con público adelante es lo mismo, no cambia ni me representa un problema. Por el contrario: ojalá pudiera tocar todos los días.

Con esta formación de Pez pareciera que llegaron a una síntesis perfecta donde pueden cubrir todas las bases de los estilos de sus discos pasados (tanto del quinteto como del trío), donde no sobra nada y podés tocar todo. ¿Lo ves así?
Se estabilizó bastante este cuarteto, pero no lo intelectualizamos mucho. Se ve que estamos cómodos y no tenemos en mente sumar un violín o un oboe (risas). Creo que encontramos una formación que responde a todas nuestras inquietudes bastante bien, entonces no nos molestamos en cambiarla. Por sobre todo, está bien balanceada. Me gusta mucho la cosa humana que se genera. Nosotros la pasamos bien y la sala es un lugar con energía, no es agua estancada. Me encanta eso de este cuarteto.

Veo que te gusta mucho el contexto de la sala. ¿Arriba del escenario te divertís tanto como acá o ya entra en juego algún tipo de presión?
Son dos cosas diferentes. La adrenalina que supone el público acá no está. Incluso cambia mucho si viene algún amigo a vernos ensayar, porque tocamos para esa persona. Si ya ahí se genera una diferencia, imaginate lo que es en frente de un lugar lleno de gente que pagó una entrada para vernos. Yo no puedo relajarme tanto, olvidarme y dejarme ir. A veces ocurre y está buenísimo pero no es tan fácil abstraerse y olvidarte que estás tocando en La Trastienda, por ejemplo, que hacés cuatro o cinco al año. Es una fecha importante que tiene que salir bien, me tengo que acordar las letras y todo eso (risas).

En vivo tienen una fracción del público con el que se entabló una rutina donde intercambian chistes, gritos y algún que otro insulto, pero que últimamente se ha vuelto más violento hacia vos en particular. Me recuerda esa frase de El Principito que dice “eres responsable para siempre de lo que has domesticado”. ¿Cómo te llevás con aquellos que buscan llamar la intención gritándote cosas que, muchas veces, son ofensivas?
A veces me rompe las pelotas, a veces me chupa un huevo y a veces digo: “Pará…”. Me hago cargo de que yo jugué a eso también en algún momento, pero no es algo en lo que piense demasiado. Para mí dejó de ser gracioso hace mucho tiempo. Tengo que aprender a callarme y cortar un poco.

Es curioso cómo la banda parece tener tenér un público hasta más inconformista que vos, que cuando hacen progresivo piden metal, cuando hacen metal quieren folk, cuando hacen folk reclaman punk. Cada uno parece tomar la bandera de “lo que realmente es Pez”…
¡…Es que Pez no es nada! Esto que decís pasa desde hace mucho. Todos sabemos quejarnos, es lo primero que hacemos. Saca un disco Divididos y ya están: “Ay, no es parecido a lo que hacían antes”, lo mismo con Fito Paez o quien sea. Todos somos críticos del trabajo de otro. Es el alpedismo argentino: criticar lo que los demás hacen. Es lo más fácil y acá se acostumbra mucho.

¿Te molesta?
Joder no me jode, porque es como son las cosas, pero me resulta desagradable que todo el tiempo sea así, especialmente en Internet donde todos tienen una voz y opinar es gratis. De todos modos, no incide en mi trabajo que a alguien le guste o no. Eso es secundario; una reacción posterior, porque el trabajo ya está hecho.

En ese sentido, ¿el disco es una expresión egoísta, donde lo que importa es que vos estés contento con el resultado?
Es que ni siquiera pasa por la felicidad. Es difícil de explicar. Yo hago canciones como el panadero hace pebetes.

Bueno, pero el panadero puede estar muy orgulloso de lo bien que le salen los pebetes.
Sí… a mí me gusta lo que hago, no es algo así nomás. Pero la canción que hice ahora, la que hice ayer o hace diez años es parte de lo mismo. No puedo diferenciar. Yo hago lo que siento hacer. No sé si es mejor cuando tocábamos tal o cual estilo. Yo hago lo que me pinta y siempre trato de ser fiel a eso. Hice lo que tenía ganas y disfruté hacer. Desde ese lado, Pez nunca tuvo un rebusque tan intelectual. Responde más a impulsos y creo que seguimos siendo fieles a seguir esos impulsos y al disfrute.

Por un lado decís que los discos son postales del momento particular de la banda, pero cuando alguien te reclama que vuelvas más a cierto estilo no dudas en decir que, si querés, podés hacer el disco que deje a “todos contentos”. ¿Es tan así? ¿Podés sentarte a planear lo que querés hacer o es justamente ese impulso casi inconsciente el que guía?
Yo pienso que si quiero, puedo intelectualizar eso y hacer un disco a medida de algo. De hecho, es así. Cuando hacemos tal disco, es porque tenemos ganas de que suene de esa manera, entonces vamos y lo hacemos. Son gustos. Es como elegir ponerte una remera y no otra. Además, no lo tengo demasiado pensado. Evidentemente es una movida caprichosa, pero siempre responde a nosotros más que al del supuesto gusto de nuestro supuesto público.

Tenés una política bastante permisiva con la piratería de tus discos. ¿Eso nace de ver la oportunidad de difundir más lo que hacen o es la simple resignación hacia lo inevitable?
Las dos cosas. Es absolutamente inevitable y hacerse mala sangre es al pedo. Hay gente que primero se baja el disco y, si le gusta, lo compra o va a ver a la banda. Las dos cosas son verdades: es inevitable y está bueno. Además, no me quejo cuando voy a cobrar mis derechos y me los pagan. El mundo fue evolucionando hasta esta situación donde podés bajarte la música gratis de Internet, entonces pelear y botonear contra eso me parece una tontería. Es mejor buscar la forma de que esa difusión me permita ir a tocar a más lugares y tener más trabajo, así me gano el mango transpirando arriba del escenario, lo cual me encanta.

¿No sentís que se pierde mucho de la obra al tenerlo en una carpetita insulsa en la computadora? Hay todo un costado más romántico del objeto que muere.
Es cierto. Igual, nosotros seguimos haciendo discos que, como objetos, sean bonitos e interesantes. Nos preocupamos mucho por hacer un buen arte y buen diseño.

En referencia a la ausencia de título del nuevo disco, te escuché decir que “no todo tiene que tener nombre”, pero bueno, ¡este ya es el segundo intitulado que tienen!
Es que realmente no tenía nombre. El único que estaba dando vueltas, pero que al final no pegaba con el disco, era “…y todas esas cosas que nos esclavizan”. Es una frase de la canción “Vamos”, pero no me cerraba.

En las letras del disco hay muchas alusiones al pasado, ya sea con nostalgia pero también con desapego, con ansias y optimismo por el camino que tienen enfrente. ¿Cómo se llevan con su propia historia?
Nos encanta. Estamos contentos de lo que somos. Tenemos ganas de ser Pez todo el tiempo y seguir siendo así. Continuamos con la idea de la banda, con un proyecto que se extiende en el tiempo porque nos gusta y lo necesitamos, no porque sea una “PYMES exitosa” como pusieron en una revista. Nos llevamos bien con nuestro pasado y no nos arrepentimos de ningún disco, estilo ni nada. Estamos conformes con lo que hicimos.

Generalmente, cuando alguien hace referencia a tus dotes como instrumentista y escritor, siempre tendés a minimizarlo. ¿Por qué?
Ciertamente no es falsa modestia. Realmente pienso que un gran guitarrista es Juanjo Domínguez o Luis Salinas. Yo toco lo que puedo.

Pero cada uno es virtuoso a su manera. Yo no lo veo a Salinas haciendo un tema como “La gota”.
Pero si quiere, lo hace y mucho mejor. A lo que voy es que para mí es así. Tampoco me considero un poeta. Yo canto canciones de rock y hago letras para cantar esas canciones de rock. Sólo digo lo que siento, pienso y sueño, pero no me considero un poeta. En serio. No es falsa modestia. Además, si me compro la del “yo proyecto”, voy frito. Siempre faltan cinco para el peso para mí pero bueno, es una forma de ser.

Hace poco estrenaste una canción donde decís “…y así me escondo detrás, delante va esta canción / que es como un escudo que me guarda”. Al mismo tiempo, en “Latigazo”, tema que abre el nuevo disco de Pez escribís “Enterré mi disfraz, nada que ocultar”. ¿Hay un Ariel persona y un Ariel personaje, proyectado en tus letras?
Seguro. Nadie es sincero. Todos tenemos un personaje, hasta cuando estamos en el ascensor con alguien que no conocemos. Las caras, el saludo… eso es un personaje. Es uno, estando incómodo ante la presencia y mirada escrutadora de los demás, especialmente si estás arriba de un escenario con un montón de luces que te apuntan. Vos estás ahí para que todos te miren, entonces siempre vas a buscar un personaje. Es muy difícil olvidarte qué estás haciendo y donde estás. Hay momentos donde lo lográs, estás conectado con otra cosa y es buenísimo.

En el mismo “Latigazo” decís “Acepté todo lo absurdo de esta vida / la belleza en la balanza pudo más / ahora elijo no ser más el dios que hostiga / y mi abrazo es ese puerto donde anclás”. ¿Qué sentís al escuchar un tema como “Malo” o “Y la calma”, por ejemplo, donde hay un espíritu de hastío inconformista y hasta violento?
Puedo escuchar temas de todas las épocas de mi vida y recuerdo qué quería decir cuando cantaba ciertas cosas. Por eso no me desdigo de nada. Igual, yo no sé si en el repertorio de hoy elijo ciertas canciones, pero podría cantar cualquier tema de Pez sin problema. No pienso: “Uy, estaba loco cuando escribí esto”. Sigo sosteniendo estéticamente cada decisión.

¿Entonces no se cumplió la profecía donde decías que al tener un hijo ibas a poder “delegar la furia en alguien más”?
No, ¿y por qué se iba a cumplir una profecía mía? A veces uno piensa: “Bueno, cuanto tenga hijos…” y en realidad es todo lo mismo pero con una persona que va creciendo, te interpela, hace que te preguntes un montón de cosas y te devuelve una gigante. Mientras tanto, vos seguís siendo el mismo pelotudo que hacía las canciones de antes. Todas las cosas que uno proyecta e imagina a futuro son mentira. La vida es algo más. Por suerte aprendí que no se puede preveer cómo son las cosas, qué va a pasar, qué vas a sentir o qué te va a gustar. Te lleva por donde quiere, por donde va el viento. Está bueno tomárselo paso a paso, sostener todos que uno piensa y tratar de disfrutar. Si hacés eso todos los días, la estás llevando bien. Hacer algo a largo plazo es imposible.

Poniéndonos un poco metafísicos, ¿qué le dirías a ese Ariel de 1994 que está arrancando con Pez?
¿Qué le diría? (larga pausa) Que está bueno. Que vale la pena. Es genial hacer lo que te gusta y sentís que tenés que hacer.

Adentrándonos aún más en la metafísica, ¿qué pensás que te diría él a vos hoy?
No sé… “Estás muy gordo, te quedaste pelado” (risas). No tengo idea. Supongo que le gustaría saber que estoy tocando la guitarra y haciendo canciones.

Hace un tiempo habías contado que si te daban a elegir entre llenar un River o saber que ibas a poder seguir tocando a los 60 como Neil Young, vos elegías lo segundo. ¿Sentís que estás camino a cumplirlo?
A ver… ¿cómo decirlo para no parecer un estúpido? Nadie tiene un problema con ser millonario. Si lo sos, está buenísimo. Ahora, hay gente que no podría vivir sin ser millonaria y a eso voy yo. Me considero una persona simple: no necesito demasiadas cosas para ser feliz y llevar la vida que llevo. Entonces, lo que busco es hacer lo que me gusta, disfrutar lo que hago. Si sé que puedo ser músico toda la vida y que con eso le pago la educación, comida y obra social a mi hija, soy feliz. No tengo ningún problema con ser un obrero de la música, porque eso es lo que quiero: ser músico hasta que me muera. Y ahí voy. Al no tener grandes ambiciones, tal vez pueda lograrlo. Para eso estamos trabajando todo el tiempo.

¿Ese es el éxito para vos?
Sí, hacer lo que me gusta: tocar rock. Es lo que quiero hacer desde los nueve años. Hace poco leí un reportaje que me hicieron en 1986 y todas las cosas que digo ahí -que me gustaría tocar, editar mis discos de forma independiente, etc.-, las logré. Cuando vi eso me sentí muy bien. Es hermoso cumplir tus sueños de chico y ser lo que siempre quisiste ser.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

La buena vida...

2010-05-12T23:51:00.000-03:00

Covers originales

2010-05-11T19:21:00.002-03:00

A la hora de hablar de bandas tributo, las aguas siempre se dividen. Por un lado los puristas, que imitan hasta el último detalle de sus ídolos en una imposible carrera contra el tiempo y el ADN. En contraposición, los reversionistas, que no temen arrastrarse en el barro y llevar a cuanto clásico encuentren con ellos. Sin miedo a fracasar, prostituyen nuestras amadas canciones a más no poder, arrivando a puertos tan impensados como interesantes.

Esta columna está dedicada a esos valientes hijos de puta.

PARTE 1

PARTE 2

Movimiento perpetuo

2010-05-10T17:06:00.000-03:00

Tras el lanzamiento de su flamante disco, “Simetría de Moebius”, Catupecu Machu sigue haciendo del cambio su constante. Acaban de iniciar la gira de presentación con un próximo show en el Luna Park, antes de llevar su rock a lo largo y ancho del país. En medio de la vorágine, hablamos con Fernando Ruiz Diaz para entender cómo funciona una de las cabezas más hiperactivas de la música.

TEXTO MARTIN SANTORO

Pensando en la naturaleza cíclica y de constante movimiento de la cinta de Moebius, ¿en qué lugar de ese recorrido sentís que está la banda ahora, arrancando la gira de presentación del disco, con una formación que se está afirmando cada vez más?
Me gusta que la cinta no sea orientada. Justamente es la traslación de la idea de darnos cuenta que nosotros siempre estamos sobre la misma vereda, pero sobre una cinta de Moebius que es lo que cambia y gira. Justamente lo que tiene de bueno es no saber donde te encontrás. A mi me gusta sentir siempre que algo está empezando y algo está terminando, que se está moviendo la cosa y estamos en pleno desarrollo. Eso es lo más interesante de todo.

A la hora de preparar un show como la presentación en el Luna Park , ¿lo toman como un paso más o tratan de darle un marco de mayor peso?
Lo que tienen este tipo de shows es que son como el puntapié inicial para lo que después es la gira. Acá arranca toda esta cosa. Somos un grupo que se formó en vivo y en el estudio, creciendo simultáneamente en los dos. Ahora ya pasó esta primera etapa de hacer el disco, al que le dedicamos seis o siete meses, y viene el momento de interpretar esos temas en vivo. Interpretar en todo sentido. Es un momento alucinante ensayar, darle vida a esas canciones e incluso cambiar arreglos porque el vivo te pide otra cosa. Para nosotros siempre hay una cuestión cuasi litúrgica, religiosa y emotiva a la hora de tocar. Nunca lo tomamos como un show más porque el último show que tenés es el que tenés. No existe el que hiciste ni el que vas a hacer. Por eso le ponemos todo.
Vos hablabas del ying y yang del sonido Catupecu donde, por un lado, tenés algo demoledor en vivo y, al mismo tiempo, algo súper pulido y casi experimental en el estudio. ¿Cómo hacés para que uno influya al otro, para que cuando estás grabando tengas un poco de esa fuerza del vivo y cuando estás en vivo tengas un poco de ese refinamiento que lográs en el estudio?
Nos apasionan tanto las dos cosas que, aunque sea un tema súper orquestal con miles de arreglos, como también tenemos una gran formación en vivo, siempre tienen algo que apunta al show. Sí se cambian un montón de cosas y sobre el escenario manejamos muchas sutilezas. Los discos son muy dispares pero, a la vez, siempre suenan a Catupecu. En el show todo suena como una unidad. El hilo conductor es la nada misma que tiene en el fondo la banda: la personalidad… esa “nada” amalgama todo.

Cuando componés, ¿ya estás pensando cómo va a ser en vivo o qué sonidos le vas a poner en el estudio?
Cada disco y cada canción son muy particulares. Hay algunas que compuse en un estado de resaca terrible, otras que soñé… Es bastante intuitivo todo. Lo vamos llevando con las ganas del momento. Nosotros jugamos mucho en el estudio, es como un integrante más: Alien, el octavo pasajero.

¿Sentís que haber grabado este disco en el campo moldeó algo en el sonido o la geografía es meramente circunstancial?
Nosotros siempre somos permeables a las cosas que nos pasan. Hay mucha gente que escucha el disco y nos comenta que siente que estuvimos juntos en un lugar aislado del mundo. Esa distancia nos hizo laburar muchísimo más, porque le dábamos desde la primera hora hasta que se terminaba el día. Creo que en los últimos discos salió mucho a flote el hecho de que yo empecé a tocar la guitarra por el folclore y no por el rock. Así emerge inevitablemente ese sonido argentino que tengo, que también pasa con el tango. Las guitarras acústicas están tan presentes porque yo quiero y los temas lo piden, pero si grabábamos en la ciudad hubiese sido lo mismo.
Últimamente estás mucho más multi instrumentista, especialmente afianzado en el bajo. ¿A qué se debe?
Después de unas vacaciones que nos tomamos, yo volví de Brasil loco con el bajo, viendo el groove de los músicos de allá. Se lo comenté a Gaby y me ayudó a comprar un bajo tremendo. Esto fue mese antes del accidente. Después, fue continuar un poco con eso. Mucho de lo que toco tiene una gran herencia de lo que hacía mi hermano. Supongo que también por eso a veces se me ocurren esas ideas locas, como por ejemplo tener un tema a tres bajos (risas).

Líricamente, el disco proyecta un clima de laberinto, de intentar escapar del encierro… ¿Grabarlo fue algo catártico o lo ves más como una postal?
No me gusta la idea de la catarsis, donde el artista se saca la mierda pero te la tira a vos. Me pasó por ejemplo viendo “Réquiem por un sueño”, que es una gran película pero te caga por completo el día. No me gusta en ese sentido. Es inevitable que la obra termine siendo autorreferencial y acepto que el disco tiene un poco de esa oscuridad que siempre presenta la banda, pero que a su vez es un disco muy positivo porque todas las cosas tienen como una resolución. No creo que tenga que usar un disco para exorcizar demonios. Tampoco tuvo que pasar lo de Gaby porque demonios ya tengo unos cuantos. Catupecu Machu nunca fue algo liviano. Esta vida que llevamos es la montaña rusa emocional.

Hay muchos artistas que, cuando está todo bien y en orden en sus vidas, les cuesta más producir una obra de peso, mientras que en épocas de tormenta sacan su trabajo más interesante. Pienso en Pollock y tipos así… ¿Vos cómo lo vivís?
Nosotros siempre vivimos sensaciones muy fuertes, en todos los sentidos. Para mí salen cosas de los momentos más iluminados y divinos, como también de los más oscuros. Nosotros nunca separamos la vida de la “profesión”. Es como una película donde nunca se apaga la cámara. Eso hace que estés rodeado de situaciones fuertísimas. Todo me inspira porque para nosotros todo es significativo. Ya lo dice la letra de “Abstracto”: “sintiendo que nada es de más, aunque duela”.

¿Estás contento con el disco?
¡Totalmente! Lo que me pasa es que ahora lo estoy escuchando con cierta distancia, como un oyente más y realmente me pone muy contento. Un día llegué a la sala muy emocionado y les dije: “Chicos, la verdad que los quiero felicitar porque hicimos un disco de la puta madre… ¡Estamos hechos mierda!”.

Yo no permito

2010-05-09T19:55:00.000-03:00

Yo sé que no puedo morir por ahora
Y la razón es que ando muy ocupado
Pero suceden cosas diariamente
Que intentan liquidar mis sentimientos
Yo no permito que me impidan seguir
Yo los invitó a que me vean seguir
Y si lo intentó es porque estoy convencido
Que para lograr algo hay que insistir

Me encontré ayer con un pibe de 15
Me preguntó qué cómo había hecho
Yo no quise aburrirlo con mi rollo
De que aún sigo intentando
Y pensé que era mejor decir:
Yo no permito que me impidan seguir
Yo los invitó a que me vean seguir
Y si lo intentó es porque estoy convencido
Que para lograr algo hay que insistir

Por eso si mañana compras el diario
Y lees de nuevo que todo anda mal
Y en el trabajo te dicen que no vuelvas
Busca una mano amiga
Madura tu paciencia
Alimenta tu fuerza
¿De qué sirve que te anules?
A lo mejor de esta salimos
Y no tendrás que decir:
Yo no permito que me impidan seguir
Yo los invitó a que me vean seguir
Y si lo intentó es porque estoy convencido
Que para lograr algo hay que insistir

-Litto Nebbia

Nunca es tarde

2010-05-08T18:30:00.000-03:00

Este chaqueño de alma es uno de los artistas plásticos emergentes más reconocidos de nuestro país. Con mucho mérico, celebra el gran momento que está pasando, luego de batir récords de venta en las últimas ediciones de ArteBA y consagrarse en el circuito artístico. A sus 43 años, lleva apenas diez de carrera y no parece bajar la marcha. Con ustedes, Milo Lockett.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo era tu hogar de chico? ¿Recibiste algún tipo de estímulo artístico que dejo una impronta en este artista que te has convertido?
Crecí en una casa de clase media, trabajadora, católica apostólica romana. Siempre me río mucho de ese slogan. Fuimos criados de una forma muy libre e independiente. Siempre se nos permitió elegir y discernir. Tuve la posibilidad de trabajar de muy chico sin tener la necesidad de hacerlo. A los 14 años dejé la escuela. Lo hablé con mi papá y mi mamá y, si bien no estaban de acuerdo, lo aprobaron. Ahí ya hay un antecedente de libertad. No había mucho arte en mi casa, pero si teníamos libertad de expresión. Cuando era chico hice los talleres de bellas artes. Después hubo una etapa donde no dibujé nada y a los 20 retomé con la idea de pintar. Luego volví a trabajar, siempre de otra cosa. Recién hace diez años tomé la decisión de dedicarme de lleno a la pintura.

Llama mucho la atención cómo tomaste esa decisión en una instancia de adultez, en lugar de venir “haciendo carrera” desde joven. ¿Cómo fue ese cambio, ese salto donde decidiste cambiar totalmente tu vida y dedicarte a ser artista?
El click fue con la crisis del 2001. Yo ya venía dibujando y pintando pero no mostraba. En esa época hice una muestra y al día siguiente decidí que no iba a trabajar más, sino dedicarme a pintar.

Un llamado de vocación total…
Sí. En ese momento tenía tres locales de ropa y una fábrica. Cerré todo y me puse a pintar. No me importó nada más que eso.

¿Cómo sorteaste el miedo inicial?
Soy bastante desinhibido, así que miedo no tuve nunca.

Bueno, pero considerando que tenías un negocio relativamente estable, estabas dejando atrás algo importante.
Tuve la suerte de que mi esposa me avaló en la decisión, porque todo el mundo pensaba que me había vuelto loco, que estaba equivocado. Mi hija tenía casi tres años y el tema era de qué iba a vivir. Tuve la suerte de que me acompañaron y estoy muy feliz con la decisión que tomé. No sufrí mucho ese cambio porque, si bien pasé de tener todo a no tener nada, era lo que realmente quería hacer.

¿Cuánto hubo de optimismo y cuánto de determinación en esa decisión?
Hubo determinación más que optimismo. Yo no sabía qué iba a pasar realmente, pero tenía bien claro que quería pintar y que eso fuera más que algo para hacer en los ratos libres. Deseaba encontrarme todos los días con la pintura. Yo me levanto y quiero pintar. Después no sé qué va a pasar con esto. La pregunta no me la hice. La situación me fue llevando de una cosa a la otra y me di cuenta que quería ser artista, que quería vivir de mi obra y que este era mi trabajo.

¿Lo tomás como un trabajo, propiamente dicho?
Sí, lo encaro de una forma seria. Ojo, es un trabajo divertido: estar sucio no tiene precio. Tengo 40 años y parezco un chico de siete. También te brinda muchas relaciones humanas con gente, con situaciones de vida… se me abrieron muchas puertas.

Esto contrasta un poco con la idea del artista solitario, encerrado en su taller.
En un principio es un trabajo solitario, pero yo soy una persona muy sociable, entonces es una combinación explosiva, especialmente si a la gente le gusta lo que hago, porque puedo hablar hasta con las paredes. Me relaciono con facilidad, lo cual es hermoso porque uno se hace de nuevos amigos y conoce mucha gente. En ese sentido, es un trabajo muy divertido y dinámico. Por supuesto que también tiene las características de cualquier trabajo: uno tiene que encontrarle la vuelta todos los días frente al desafío de la creación y la creatividad en desarrollo. Eso también se genera en función a las horas que uno le ponga de trabajo. Esta es una actividad práctica, ya que cuanto más horas le ponga, más ejercicio hay y más productividad puede haber. No pinto solalemente cuando estoy inspirado.

Siempre parece haber dos escuelas creativas: aquella que dice que la inspiración es una fuerza externa viene al artista, y la que establece que hay que ir a buscarla. ¿Vos te sentís más representado por la segunda?
Soy más de buscarla. A mi todavía no me agarró. El día que toque el timbre me va a encontrar acá, en el estudio. Creo que hay que ponerle mucho trabajo a esto, pero estoy muy agradecido. Que a la gente le guste lo que hago y que yo pueda vivir de esto no tiene precio. Por eso hay que tratar de poner todo lo que uno puede. Al mismo tiempo, tengo una vida muy sencilla. Disfruto muchísimo de mi familia y amigos, vivo en Chaco, tengo dos perros… lo que se dice “una vida común”. Trato de no marearme con todo lo que puede venir porque tiene que prevalecer eso que estuvo siempre. No nuevo es más efímero.

¿Cómo combinás tu vida artística, que tal vez te impulsa más a estar acá en Buenos Aires, con la vida familiar que queda en Chaco?
Tenemos un departamento acá y una casa en Chaco. Todo el tiempo estamos yendo y viniendo. Mi esposa es una psiquiatra muy reconocida allá, entonces tratamos de adaptarnos a nuestras profesiones. Es fundamental para el desarrollo de una carrera artística que la familia acompañe mucho. Por suerte me siento muy acompañado así que no tengo ese problema de desarraigo. Sí extraño mi casa, el bar, los perros y todo eso.

Antes me contabas que sos más de buscar la inspiración. ¿Tenés algún tipo de rutina diaria de trabajo?
Voy viendo como pinta el día. Lo que sí tengo es esa cosa de levantarme y venir al taller. Aunque esté al pedo, prefiero que sea acá, con pintura cerca. Me gusta llegar sin saber qué voy a hacer, dejo que todos los días me sorprenda algo. Además, suelo trabajar de una forma muy dinámica, enfocándome en varias obras al mismo tiempo. Eso hace que no me aburra. Por suerte soy muy feliz con mi trabajo. Lo digo porque si no parece que uno siempre sufre. En otras épocas me tocó trabajar enojado con el sistema del arte y con ciertas circunstancias de la vida, pero después fui encontrándole la vuelta y aprendí a disfrutar esto que me toca. Está bueno poder reconocer cuando a uno le va bien, porque si no parece que siempre lloramos sobre el vaso vacío, aunque tal vez en realidad está cargadito. Trato de no modificar tanto mi vida, que no desaparezcan los amigos que siempre estuvieron, pero es difícil cuando uno viaja mucho y vive como al revés de todo.

¿Qué te inspira?
Es difícil definirlo. A veces te despertás y escuchás algo en el noticiero que te sirve como disparador. Siempre hay alguna palabra que queda dando vueltas y se termina convirtiendo en una idea. Hace mucho que estoy trabajando con las relaciones humanas. Me interesa mucho la incomunicación en un mundo tan globalizado. Después me fascinaron las miradas y, desde hace dos años, los ojos tomaron un gran protagonismo. También me divierte mucho intervenir un objeto. A veces ni siquiera tengo un hilo conductor sino que se va generando en la marcha. Una de las cosas que más me gusta de mi pintura es que es muy despreocupada. No tiene esa intención de convertirse en una “obra de arte”. Eso invita a que el público se sienta muy identificado. Tampoco tengo ningún prejuicio con el color, puedo mezclar todo con todo y siento que dentro de la “no estética” hay una estética.

¿Te incomoda el reconocimiento?
Me asusta. Todo el tiempo me sorprendo de las cosas. Nunca pienso que es “lo que me tocó”. Me divierte y emociona cuando escucho hablar de la obra, o veo que me va bien en lugares que son de referencia. Me siento muy valorado. El hecho ser un chico de barrio y haber crecido en una provincia me permite tener otra relación con el medio, con la pintura y con la vida misma. Cuando gano algún premio me cuesta asumirlo y sentirme a la altura, pero cada reconocimiento va reafirmando lo que hago.

¿A qué atribuís tu éxito?
Es una obra muy amigable, sencilla… La gente tiene una lectura muy inmediata y simple, aun dentro de la complejidad que pueda presentar. También el uso del color y ese relajo del que te contaba antes, donde dejé de buscar la “súper obra” sino la obra donde puedo decir “esto es lo que soy yo”. No hay que enloquecerse en tratar de ser algo sino preocuparse por ser lo que uno realmente es y encontrarse en la pintura con lo que uno hace y no con lo que uno quiere parecer.

¿Cómo es el futuro ideal para milo lockett?
Panzón y tomando buen whisky. Quiero ser un viejo loco, seguir con el arte, ayudar a la gente que pueda ayudar y hacer obras de bien para la sociedad. Quiero vivir bien hasta el último día.

¿Estás orgulloso de tu obra?
Sí, muy orgulloso y feliz. Estoy pasando por un momento de plenitud y me alegra mucho saber que no me equivoqué. Me di cuenta que las cosas tienen que ser lo que son: no hay que forzar nada ni tener miedo. Cuando uno tiene una convicción, hay que hacerlo y tener en cuenta que el éxito está en elegir, no en los bienes que uno puede acumular. La felicidad dura un ratito y hay que disfrutar ese ratito en vez de ir a buscarla todo el tiempo. A lo mejor fuiste feliz cinco veces en tu vida y tenés que estar contento por eso. Esas cosas son las que uno tiene que ambicionar y deben acompañar en tu obra.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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¿Qué tiene que ver esto con el rock? Nada realmente... pero es interesante conocer gente creativa de todos los ámbitos y me parecía piola subir esta nota.

Kapanga en el Luna Park

2010-05-07T20:17:00.000-03:00

KAPANGA
16 de abril 2010
Luna Park

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Voz ínitma

2010-05-06T22:52:00.001-03:00

Lucas Sedler es uno de los mejores exponentes jóvenes de la guitarra. Acaba de editar “Remanso”, su tercer disco solista donde revela una veta de cantautor que se pasea por el blues, el soul y el jazz más intimista, plagado de sutilezas, matices, colores, sentimientos y, por sobre todo, buen gusto.

TEXTO MARTIN SANTORO

El disco tiene una impronta muy particular, bien marcada, y me preguntaba si era algo planeado, algo que buscabas, o si se fue dando solo. ¿Ya tenías el disco en tu cabeza antes de empezar o le diste forma en la marcha?
Supongo que aquello que concebí ¨a priori¨ fue el criterio gracias al cual el disco, desde su etapa introductoria, supo conocer su norte. Y este no fue sino el de hacer una apuesta a la intimidad, por llamarlo de alguna manera, si por eso se entiende esa clase de canciones mediante las cuales uno se siente un poquito más acompañado al momento de oírlas. Esta sensación fue el común denominador que pude advertir al escuchar a quienes, hasta el día de hoy, fueron mis referentes más indispensables en la música. Entre ellos, Eric Clapton, Norah Jones, Chet Baker, Tom Waits, Jorge Drexler y demás. Todos, a su modo, saben funcionar como productores de una cercanía incomparable, algo así como si uno sintiera que eso que está sonando encuentra el modo de empatizar con cuanto a uno le pasa. Creo que la empatía es, entre las distintas expresiones que encierra el arte, la instancia más alta en el lazo de comunicación entre autor y oyente, y la intimidad su mejor vehículo para que esto pueda suceder.

A la hora de armar la banda, ¿buscaste músicos en función de las canciones o las canciones salieron a partir de esa combinación de músicos?
Creo que esta pregunta probablemente sabría responderla mejor Germán Wiedemer, que es quien convocó a los músicos y se encargó de llevar a buen puerto el proyecto, ya que fue el productor artístico del disco. Imagino que debe de costar mucho volver ¨tangible¨ lo que quería que proyectasen los temas. Para que esto pasara era necesario contar con músicos cuya sensibilidad les permitiera estar a salvo de una interpretación estridente e invasiva respecto del registro intimista y austero hacia el que pretendíamos que se aproximaran los temas; que supieran dar un rol protagónico al silencio y que, por supuesto, hicieran crecer a las canciones desde su impronta y creatividad personales. Las canciones o bocetos ya estaban hechos pero, decididamente, fueron todos los músicos que participaron del disco quienes terminaron de dar vida a cada una de las composiciones.

Me parece muy valiente de tu parte sacar a la guitarra del primerísimo primer plano de las canciones y entregarse a la letra, la voz, la melodía. Si bien tu instrumento sigue brillando inconfundiblemente con un sello propio, ¿te costó salir del rol “guitarrista que compone” y transformarte en una especie de “compositor que toca la guitarra”?
Siempre digo que como cantante soy un eximio guitarrista y probablemente nunca cambie de opinión, así que te agradezco lo de ¨valiente¨ y reconozco el crédito. Como bien mencionás, sentí ganas de que la voz compartiera un poco más el protagonismo con la guitarra. Deliberadamente o no, buscaba hacer un disco más confesional que los anteriores y me encontré con que la autoría de las letras comenzaba a tener un papel mucho más decisivo. El lugar de la voz en el disco tenía que ser un correlato casi inevitable de esto, ya que aspirábamos a ganar elocuencia. Además, me interesaba que el rol de la guitarra no fuese abusivo en cuanto a la posibilidad de excederme en la intervención de solos propios de mi género, o sea el Blues, que pudieran sofocar las canciones, desvirtuando la idea general con la que comenzó a nacer el disco. Traté de rehuir, cuanto me fue posible, al peligro de grabar temas que obrasen como pretexto para hacer un muestrario exhibicionista de la posible erudición o virtuosismo al que se me puede asociar como guitarrista. La finalidad de este disco fue la de hacer canciones que, en todo caso, supieran conmover antes que deslumbrar.

Teniendo en cuenta esto, ¿cómo es tu proceso compositivo hoy en día? ¿Qué te inspira a nivel musical y lírico?
Me gusta que la brújula interna que orienta y configura el proceso compositivo de mis canciones no sea otra que la que preserva, ante todo, el sentido lúdico que para mí encierra o debiera contener cada uno de los temas que uno compone; que aquello que dicta la elección de tal o cual vocablo, patrón rítmico o melodía no sea sino en razón del placer y la cuota de emotividad que en mí genera su interpretación.

¿Por qué te tomaste tanto tiempo desde tu anterior disco a este? ¿Querías bajar un cambio o simplemente querías que la idea madure a su tiempo?
Creo que tuvo que ver en parte con que, como bien decís, la idea atravesase su período madurativo, cocinarla bien, dejar que se sedimentaran bien los temas, etc. Paralelamente, quería evitar repetirme, es decir, hacer otro disco que propusiera lo mismo que los anteriores que, en gran medida, son un homenaje o tributo a mis más entrañables íconos del género del blues. De todos modos, son discos más bien imitativos. Este último lo considero más introspectivo, es decir, caracterizado por la intención de rescatar lo que de singular existe en la expresión de cuanto a uno le sucede al vérselas con uno mismo.

En este disco volviste a grabar con Miguel Vilanova (Botafogo), quien fuera tu maestro hace unos años. ¿Lo seguís viendo como “el profe” o ya te sentís como un par?
Grabar con Miguel siempre es garantía de una experiencia renovadora a nivel vocacional. Algo así como una bocanada de aire fresco que me permite reciclar esa frescura primigenia que nunca debiera perderse. Esto me pasa porque es poco menos que imposible no contagiarse del modo inconfundiblemente pasional que tiene de tocar su guitarra. Nunca experimenté una motivación semejante como la que me inspira la presencia de Miguel, ya sea en vivo o dentro de un estudio de grabación. Por lo demás, difícilmente llegue alguna vez a sentir ese ¨de igual a igual¨ que mencionás ya que algo me dice que él siempre va ser una fuente de inagotable enseñanza en mi vida, una guía inequívoca y sinónimo de una altísima inspiración.

Si bien hay canciones en castellano y versiones en inglés, en ningún momento se siente un quiebre ya que la música y sonido logrado es un hilo conductor fuertísimo. ¿Sentís alguna diferencia en vos a la hora de expresarte en un idioma u otro?
Es curioso pero tengo que confesar que siento una mayor comodidad cuando lo hago en inglés, principalmente por el hecho de que mis primeros intentos como cantante los hice con canciones en ese idioma. Así mismo, es indudable que el género dentro del cual me muevo tiene como raíz al inglés. Esta es su lengua inicial, su folklore. Al oído le resulta fácil acomodarse a la naturalidad con que se lo oye en un contexto de blues o jazz. De todos modos, si bien me resulta más sencillo adaptarme al inglés y sus inflexiones cuando canto, siempre siento que algo se despersonaliza al hacerlo. Al cantar en castellano siento que gano terreno al sentir que estoy acentuando mucho más el sello propio que uno busca imponer a lo que hace.

Escuchando los covers del disco, por un lado se sienten como un tributo a estos grandes referentes indiscutidos de la música pero, al mismo tiempo, son canciones que encajan y se entrelazan perfectamente con tu repertorio. ¿Con qué criterio los elegiste?
Me interesaba que los covers dieran cuenta del criterio estético que buscábamos plasmar en las canciones, casi como un modo de reafirmar lo que empezábamos a detectar como un patrón unificador entre los temas compuestos por mí. La elección fue consecuente a la idea de hacer algo despojado, cuya virtud primaria fuese la autenticidad de su música, sin resultar pretenciosa y que, de este modo, pudiera movilizar emocionalmente al que la escuchara.

¿Sentís que hay un público que está ávido por acceder a este estilo de música o, por el contrario, crees que es algo que se va a ir creando a medida que la rueda gire?
Me parece que existe gente –que en caso de ser una minoría, seguramente es una graaan minoría- que busca muy afanosamente músicas que resultan apasionantes de escuchar por la sinceridad con que se caracterizan. Ese es su rasgo distintivo, su principal atractivo, como es el caso del blues, el jazz y muchísimos otros géneros. Alguien denominó mi disco como una suerte de híbrido vernáculo entre la visceralidad propia de la música afroamericana y la privacidad que define a la del trovador o cantautor. De cualquier manera, ambas comparten un elemento: el de un compromiso artístico incondicional para poder resultar verosímiles. Yo creo que existe un público ya instalado para la música que recién mencionaba, pero no sé si explícitamente lo hay para el mix de géneros que propongo en este disco. Ojalá que, como vos decís, la rueda se encargue de que eso suceda a mediada que vaya girando.
Ciertamente, comenzaste tu carrera profesional a una muy temprana edad. ¿Sufriste algún tipo de desencanto con el mundo de la música una vez que estuviste del otro lado?
Tal vez, pero solo por parte de aquellos que poco tienen que ver con la música y mucho con su rentabilidad económica. La postura inescrupulosa y resueltamente cínica del mercado en torno a las distintas ramas del arte puede desesperanzarlo a uno como artista, al buscar medios de difusión compatibles con aquello que uno hace. Sobretodo la obra no está necesariamente concebida para un consumo masivo. Por otro lado, me ayudó codearme tempranamente con el mundo profesional de la música para poder desmentir algunas conjeturas un tanto infundadas, según las cuales oficio y vocación son términos excluyentes. Nada más lejano. Para mí siempre funcionaron de un modo absolutamente complementario. Esto, en gran medida se lo debo a mi paso por Memphis la Blusera y tantos shows compartidos con Don Vilanova.

¿Qué consejo le darías a alguien que quiere seguir tus pasos y dedicar su vida a la música?
Que invierta, más que en cualquier otra cosa, en refinar su expresividad como músico. Que la emoción, componente que para mí ennoblece a cualquier sonido, no sabe articularse si no es mediante una expresividad transparente. Esta es, decididamente, su mejor vocero.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Social Distortion en El Teatro de Flores

2010-05-02T20:08:00.003-03:00

SOCIAL DISTORTION + Los PEYOTES
11 de abril 2010
El Teatro de Flores

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Caldo de cultivo

2010-05-01T08:06:00.005-03:00

Ultra Bar se ha convertido en uno de los puntos más importantes de cultura emergente porteña. Allí puede convivir simbióticamente una muestra de fotógrafos consagrados con ciclos musicales encabezados por pujantes promesas del rock. Hablamos con Juan Manuel Daza, productor y programador, para conocer la filosofía detrás de la barra.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿La idea de hacer ciclos de música en el bar era algo que estaba planeado desde la gestación del lugar o se fue dando paulatinamente?
El bar pertenece al sello dicográfico UltraPop y desde que abre lo hace con esa intención. La propuesta central es que se desarrollen diversas formas de expresión y culturas artísticas en este marco. Tratamos de tener una lógica, que se presenten cosas que nos interesan y que tengan una propuesta general. No queremos que sean solo “fechas” sino “eventos”.

Que tengan algún hilo conductor…
Claro. Muchas veces invitamos a periodistas, productores, músicos, artistas, etc., para que organicen ciclos y se enmarquen bandas en determinadas propuestas. Por sobre todo, organizamos la programación para que sea más interesante para nosotros, que vemos más de 12 bandas por semana, y para la gente que viene.

¿Suele haber preponderancia de los artistas del sello o también lo usan para conocer nuevos talentos?
El bar ya tiene casi dos años. En un principio no había fechas todos los días como ahora, que estamos a pleno de lunes a sábado. En aquel entonces tal vez sí se nutria mayormente de los contactos del sello, pero ahora hay una apertura. La gente ya conoce el lugar, entonces ampliamos la propuesta. Por ejemplo, el año pasado hicimos un ciclo con todos los demos que nos habían llegado durante el año y nadie les había dado mucha atención. Yo me puse a escucharlos uno por uno y seleccionamos los que más nos gustaron para armar un ciclo, todos los lunes de un mes, como para probar esa gente que no conocíamos. Nos interesa muchísimo relacionarnos con bandas que hacen más que lo que pasa sobre el escenario: queremos que representen una movida. Es todo una cuestión de retroalimentación.

¿Cómo establecen un criterio de selección ante tantas bandas quieren participar en esto?
Buscamos curadores para cada ciclo, ya sean artistas, periodistas o cualquiera en contacto directo con la cultura. A partir de sus miradas o ideas se arman propuestas muy particulares. Eso ayuda mucho a generar diversidad, tanto de bandas como de criterios. Así también se va armando una red interesante.

Da la sensación de que el bar ya se convirtió en una atracción en si, más allá de la banda que toque o artista que exponga. Es como si el estilo que sobrevuela todo se impusiera naturalmente. ¿Lo sentís así?
Sí, especialmente cuando ya empiezo a ver las mismas caras muchas veces. Hay gente que es fanática de determinados ciclos, cosa que pasa en los días más fuertes como puede ser de miércoles a sábado. Además, es un lugar accesible para las bandas porque nosotros siempre tratamos de co-producir las fechas.

En ese sentido, ¿cómo es trabajar a la par del artista?
Nunca los hostigamos porque queremos que ellos también la pasen bien. Tratamos de ser estrictos con los horarios dándole una vuelta de tuerca más “europea” (risas), como para que a la medianoche termine el show y quien quiera pueda quedarse tomando algo, escuchando música o se pueda ir a su casa porque al otro día trabaja. A veces cuesta porque las bandas vienen con esa mentalidad de querer tocar siempre tarde y nosotros tratamos de encarrilarlas un poco. Creo que es importante lograr un clima relajado pero no caótico. Básicamente, estar ordenados para pasarla bien.

¿Cuáles son sus proyectos y aspiraciones para este año?
Queremos mejorar la programación lo más posible, lograr que se sumen más artistas de renombre y convivan con aquellos que están creciendo, así se arma una linda movida. También aspiramos a que venga más gente porque esto es Ultra y no por las actividades particulares que tengamos. Por sobre todo, generar buena onda y que sepan que vienen a ver algo interesante y de contenido. Me encanta que se genere un lugar de encuentro para gente que ama la cultura. Eso es lo mejor de todo.

El bar se encuentra en San Martín 678, pleno corazón porteño. Para información sobre la programación, visitar http://ultrapop-ar.blogspot.com/

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

A flor de piel

2010-04-30T18:22:00.003-03:00

Amparada en el poder de la canción, Ana Prada saca fuerza de la simpleza de canciones tan honestas como directas. Con frescura y un sonido orgánico, “Soy pecadora”, su último disco, se mueve entre el pop, el folk y la tradición de la música uruguaya para revelar la universalidad de los sentimientos más personales.

TEXTO MARTIN SANTORO

El arte del disco siempre es una especie de carta de presentación de la obra. En este caso, me llamó muchísimo la atención la ilustración donde parecés entrar al “Túnel del amor” y, al recorrerlo, va desmembrándote hasta quedar hecha una especie de mariposa sin extremidades. ¿Qué quisiste representar con esa metamorfósis?
Esta historieta que compone el arte del disco fue creada por la artista plástica Española Rosalía Banet, a quien conocí en Madrid y en seguida me encantó su trabajo. Es muy potente, sobre todo como trabaja la temática de género. A partir de la canción “Soy Pecadora” ella me fue enviando dibujos que forman la metáfora del pecado que desarrolla en esta propuesta. Para mí, esta metamorfosis representa un cambio de estado, pero hacia algo mejor, evolucionado. Por supuesto que todo cambio, cuanto más profundo más doloroso, por eso el desmembramiento, pero a pesar de todo inevitable. En la vida a veces determinados sacudones te hacen crecer mucho a pesar o justamente por el dolor. Creo que eso se ve claramente en estos hermosos dibujos de Rosalía.

¿Por qué te inclinaste por una estética más bien naïf para ilustrar el disco? ¿Pensás que ayuda más a hacer una lectura a distintos niveles?
La sencillez aparente de los dibujos permite varias lecturas… incluso ninguna. La estética es propia de la autora. Rosalía se caracteriza por mostrar situaciones muy duras a partir de imágenes aparentemente inofensivas.

¿Sentís que ahondar en esos “pecados” y sufrimientos ayudan a exorcizar el sentimiento de dolor o, por el contrario, es como tocar un nervio constantemente?
Las dos cosas. Cuando uno vuelve sobre determinados dolores es inevitable no revivir algo de todo eso, pero siempre es desde un lugar un poco menos sufrido, como crecer dialécticamente: siempre estás un paso más allá. El tiempo es inexorable para lo bueno y lo malo.

Parece cumplir un poco esta especie de máxima que dice que el artista necesita sufrir para sacar tu mejor trabajo. ¿Estás de acuerdo?
La vida, después que dejamos la panza de mamá, es la constante búsqueda del equilibrio interno y externo para restablecer los pocos momentos de felicidad o plenitud, por lo tanto creo que el desasosiego y la inquietud es algo común a la especie humana. Las artes en general, como todo tipo de creación humana, incluido el trabajo, es una forma catártica y desesperada de buscar la felicidad. Nadie escapa a ello. El mejor arte se saca de la honestidad creativa sea desde la felicidad o desde el dolor.

El contexto personal en el que sacás este disco es distinto al del anterior, lo cual también se siente en el tono general. Para vos, ¿cuál es el salto que diste de “Soy sola” a “Soy pecadora”?
En el período de tiempo entre un disco y otro me pasaron muchas cosas a nivel personal y profesional. Para mí, lo más importante ha sido la devolución de la gente, todo el cariño y el apoyo que recibió “Soy Sola”. Eso me ayudó a decidir transitar por este camino de la composición y de la música como modo exclusivo de vida.

Si bien los títulos de los discos son completamente autoreferenciales (”Soy …”), tu idea del amor, por ejemplo, parece trascender tus propias postales. ¿Pensás en esa universalidad a la hora de componer?
Lo que más quisiera es que, a través de mis canciones, que inevitablemente se basan en un mundo privado y propio, alguien se sienta representado y ahí alcanzar o apenas tocar una temática que tenga algo común, algo de todos. Creo que eso es lo que todos los creadores quisiéramos: llegar a más gente y servir para algo.

¿Cómo es tu proceso compositivo? ¿Qué te inspira?
Cuando estoy en etapa fértil digamos, me inspira hasta lo más inesperado. Puedo partir de una melodía o de una secuencia de acordes, incluso de una palabra escuchada en supermercado. En este disco hay muchas co-autorías, junto a Queyi y Elvira Rovira o Matías Cella. Son canciones que nacieron de comentarios, de cenas, de charlas. Todas tienen su historia particular y las co-autorías en este disco han sido muy disfrutadas.

¿Cómo vivís esta carrera solista?
La vivo muy bien, muy rodeada de un equipo de trabajo, el sello, la productora, la prensa, los músicos y de amigos queridos. Sería la punta del iceberg, la cara visible de algo que se genera desde muchos.

¿Sentís el peso de cargar una mochila sola o lo ves como una oportunidad para hacer exactamente lo que querés?
No sé exactamente lo que quiero, pero no lo siento como una mochila, sí como una responsabilidad. Cuando se tiene la suerte de poder subir a un escenario a decir cosas, sería bueno justamente tratar de decir algo. A veces, por lo que me comenta la gente, me doy cuenta que las cosas que se dicen allí son tomadas muy en serio, por lo tanto hay que ser muy respetuosa.

¿Cuáles son tus planes para este año?
Seguir presentando el disco por Argentina. Ya lo hicimos en Buenos Aires en el N/D ATENEO, a sala llena por suerte; ahora queremos ir al interior. Presentarlo en Uruguay, en Brasil y en España.

¿Cómo es el futuro ideal de Ana Prada?
Me encantaría seguir componiendo, grabando y tocando, cada vez llegar a mas gente, generar un circuito de trabajo sobre todo en América Latina y, cuando pueda, irme a vivir al campo.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Juan Ravioli - Despedida...

2010-04-29T23:35:00.000-03:00

Juglar rioplatense

2010-04-22T16:21:00.001-03:00

Martín Buscaglia es uno de los talentos más interesantes que nos ha dado la otra orilla del Río de la Plata. Acaba de editar su segundo disco, “Temporada de conejos”, un huracán creativo que coquetea y experimenta con muchos géneros sin casarse con ninguno ni perder su estampa personal. El uruguayo exuda la misma sensibilidad con una guitarra acústica que con una cruda base electrónica.

TEXTO MARTIN SANTORO
FOTO ARIEL SABATELLA

Escuchando “Temporada de conejos”, me da la sensación que no es un disco tan directo como “El evangelio según mi jardinero” pero que, justamente, cuanto más se lo escucha, más se descubren sutilezas y capas de sonidos latentes. ¿Era esa tu intención?
Sí. Ya desde que culminé mi disco anterior sentí que quería hacer el próximo de esta manera, una hipérbole del “Evangelio…”: más áspero en la superficie y con mayor profundidad musical en su interior. Quería que la mejor manera de apreciarlo fuese en la segunda vez, que precise de varias escuchas y no fuese evidentemente cancionero en apariencia. También buscaba que las letras, como por ejemplo en “Cortocircuito”, parezcan destartaladas pero que tengan una férrea lógica, disciplina, rima en su interior. Además, que tuviese algunos escollos musgosos, como el coro al principio de “Oda a mi bicicleta”, donde la canción era tan linda que necesité ponerle ese arrecife en el comienzo para que no todos lo atraviesen y seamos menos en la isla, pero con más cosas en común.

En el disco, pasás del funk candombero de “Jaula de motos” a la inocencia de “Oda a mi bicicleta” o a cosas más crudas como el “Blues del carrito”. ¿Cómo haces para ponerte todos estos trajes pero seguir manteniendo un sonido propio?
Justamente nombraste las tres aristas que mas me interesaba desarrollar en este trabajo. El lado groovero (con “Jaula de motos” y “Spam”), el cavernícola (“Si no está roto no lo arregles”, “Blues del carrito”) y el sunshine melifluo (“Bicicleta”, “Calabaza”). Todos soy yo y todos se fagocitan entre si. Las apariencias engañan: el “Carrito” tiene la simpleza lorquiana de la letra y un groove de bombo legüero chacareroso con scratches de Michael Jackson y canto hömeii de Tuva. “Bicicleta” tiene esa batería súper dura, como de oso panda de hojalata hongkonés, tensando la fluidez del ukelele. “Jaula de motos” está escrito en sextillas, lo que lleva todo a un lado más telúrico.

¿Los sonidos más experimentales ya están en tu cabeza desde el primer momento que te sentás a componer o son colores que vas agregando después?
Depende. Hay cosas que, de antemano, tengo ganas de probar, como el sonido del Rock and Samba en “No vamos a parar nunca” o decisiones conceptuales, como utilizar básicamente el Stylophone como único teclado en el disco. En general, una vez compuesta, la misma canción te lleva a como interpretarla y con qué.

¿Qué lugar sentís que ocupa la tecnología y las máquinas en tu música?
El mismo que los diversos instrumentos y formas poéticas.

En este álbum te destacás como multiinstrumentista. ¿Fue por ganas o por necesidad?
Por ganas. No lo necesito porque tanto en vivo como en el estudio (cuando lo prefiero), toco con músicos maravillosos de los cuales aprendo mucho. Esa es una condición que considero esencial para tocar con alguien: que puedas ser alternativamente maestro y discípulo, como diría Tom Lupo. En este caso particular me interesaba exprimir mi singularidad, más que la virtuosidad de otro instrumentista. El proceso del disco está muy influenciado por mis shows solistas, de hombre orquesta errante.

¿Cómo traducís lo plasmado en el escenario? ¿Tratás de mantenerte fiel o lo tomás como otra cosa completamente distinta?
Mantenerme fiel a una música o idea no implica necesariamente reproducirla exactamente. Los elementos a manejar en escena son bien distintos a los del estudio, donde está el tiempo libre, la minucia para dar la textura exacta y el plano a un sonido ínfimo. En directo está el cuerpo, el drama y el factor litúrgico de la cosa.

¿Cuánto margen de improvisación había en el disco?
Me fascina el hecho de que improvisar es el momento en que en realidad debés estar más concentrado y alineado para que lo que surja sea equivalente en potencia y valor a lo que tramaste minuciosamente. Me parece mucho más fácil tocar algo difícil, solo se necesita tiempo y paciencia. El orden y la disciplina como liberadores y generadores. Una vez que tomo la decision de que algo quede grabado, más allá de que haya surgido de una premisa previa, de un rapto de inspiración o de un sueño, pasa a ser parte de la obra y debo hacerme cargo de ello.

¿De dónde viene ese espíritu lúdico que te lleva a jugar con palabras, rimas, ritmos y sonidos? ¿Es una búsqueda por mantener una frescura constante?
El arte es infinito, por ahora tengo energía y ganas de explorar a fondo. Llevo cantimplora, repelente y navaja suiza.

¿Cómo es tu relación con él público argentino?
Sinceramente, muy efusiva. Me encanta cruzar a tocar, la intensidad de un viaje no se mide en la cantidad de kilómetros recorridos. Los shows son la vida real, no hay truco posible. Siempre es inspirador y muchas veces pedagógico.

¿Sentís que lograste ser profeta en tu tierra o te ha resultado más “sencillo” en el exterior?
Siempre hice la música que quise, pero Uruguay tiene un lado “pueblo chico infierno grande”, una cosa de necesitar la aprobación de los mayores para prestar atención a ciertas cosas. Ahora está todo en auge, pero sí, en ciertas cosas afuera fue una autopista y adentro un camino de ripio.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Mucho más que dos

2010-04-16T19:44:00.000-03:00

Las teclas negras... para Jack White que lo mira por TV...

El grito primal

2010-04-09T23:08:00.000-03:00

Social Distortion es uno de los pilares indiscutidos del punk estadounidense. Lejos de convertirse en material de enciclopedias después de casi treinta años de carrera, los californianos no pierden el espíritu ni la intensidad, sino que van refinando y fortificando su estilo, abriendo el juego con un mayor abanico de influencias. Este fin de semana se van a presentar en El Teatro de Flores, haciendo su debut en Argentina. Ahí el público local finalmente podrá dar vida a los posters en tres veladas a puro frenesí y adrenalina. Hablamos con su líder, Mike Ness y el guitarrista Jonny Wickersham para saber cómo conjugan ese eterno espíritu adolescente con la sabiduría que dan los años.

TEXTO MARTÍN SANTORO
FOTOS JULIAN BOURGEOIS

¿Qué fue lo que más les atrajo de la idea de venir a tocar a Sudamérica?
Jonny Wickersham: Conocer las ciudades es algo que nos interesa muchísimo. Con Mike estábamos viendo de ir también a las afueras, a la parte del campo y ver lo más rural. Espero que podamos. Por supuesto que también haremos las típicas cosas de turistas (risas). Además, siempre escuchamos que los chicos en los shows son muy entusiastas, lo cual le da una gran energía al show.

Ya pasaron 6 años de su último disco, “Sex, Love and Rock ‘n’ Roll”. ¿Por qué tardaron tanto en volver al estudio?
Mike Ness: Estuvimos mucho de gira. Somos una banda que vive en la ruta. Realmente no quería que pasaran seis años pero simplemente sucedió (risas). Me dije que no iba a permitir que pasaran ocho, como la última vez. El problema es que para hacer un disco tenés que frenar y dedicarte a escribir, lo que te representa una pausa de un año aproximadamente.
Jonny Wickersham: Nunca sentimos el apuro o la obligación de tener que sacar un disco. No le veo el sentido a sacar material nuevo todo el tiempo. Preferimos asegurarnos de hacer algo que sea realmente especial y si sentimos que no estamos listos para eso, no lo forzamos.

¿Ustedes se ven más como una banda en vivo que una de estudio?
Mike Ness: Si. Creo que hacemos grandes discos, pero en los shows realmente nos lucimos y sale lo mejor de nosotros.
Jonny Wickersham: De todos modos, siento que en los discos hemos ido progresando constantemente, siempre tratando de superarnos y lograr ese sonido de la banda, pero mejor o más pulido.

Dedicaron todo enero y febrero para trabajar en este nuevo material. ¿Ya está terminado o se tomaron un recreo para venir a Sudamérica?
Mike Ness: Lo dejamos en pausa y salimos a tocar. Ayuda a airearse un poco y distender la mente de todo ese proceso.

¿Cómo es su proceso compositivo?
Jonny Wickersham: Los dos arrancamos con acordes y melodías. A partir de ahí, tratamos de darle forma y, si tenemos suerte, en el camino se nos ocurre una letra. Nunca pude escribir una canción entera de una, ni creo que lo logre alguna vez. Soy de ir por partes. Creo que no tengo mucho control sobre la creatividad y todo el proceso, por más que me gustaría pensar que sí. Viene cuando quiere y no podés forzarlo realmente. A veces arranco con una idea y de repente me surge algo de la nada que me lleva para el otro lado completamente. Hay que dejarse llevar.

En sus últimos trabajos afloraron muchas influencias del country, el blues y el rock&roll. ¿Qué se puede esperar de este nuevo disco? ¿Van a seguir en esa dirección?
Jonny Wickersham: Definitivamente va a tener ese espíritu de raíces, combinando un poco de country, blues y demás, porque es la música que amamos y que nos ancla culturalmente. Por supuesto que la mayor influencia sigue siendo el rock y el punk de los 70s. Con Mike veníamos charlando que este nuevo disco va a ser así, pero expandiéndonos aun más hacia esos estilos.
Mike Ness: Es lo mismo, pero distinto.

¿Cuando están componiendo nuevo material, les gusta probar esas canciones en vivo para ver el feedback inmediato que les da la gente?
Jonny Wickersham: Social Distortion siempre fue una banda que tocó temas en vivo antes de grabarlos para un disco. Eso lo veo desde la primera época, cuando yo todavía no estaba en la banda y me parece algo genial.

¿Sienten una obligación por mantener “el sonido Social Distortion”?
Mike Ness: No. Creo que uno tiene que crecer. Incluso los fans aprecian más el hecho de que nunca tuvimos miedo de evolucionar. Arrancamos como chicos en un garage, tratando de aprender a tocar nuestros instrumentos, pero siempre nos consideramos más que una simple banda punk. Uno le quiere mostrar a la gente que podés hacer más cosas, revelar distintas facetas, pero también tenés que mantener eso que te caracteriza, esa marca registrada… pero no es difícil, está en nuestra sangre.
Jonny Wickersham: Es importante mantener nuestro sonido característico. Siempre partimos de ahí y después vemos qué podemos hacer para crecer y evolucionar. Así se mantiene interesante para nosotros y para la gente también.

En ese sentido, la banda es muy exitosa ya que su público no está compuesto mayoritariamente por fundamentalistas del punk sino que también generan un gran interés en quienes escuchan rock & roll, rockabilly, country…
Mike Ness: Exactamente. Hay muchos fans de Social Distortion ahí afuera que todavía no saben que lo son. Eso es lo que siempre quisimos lograr: queríamos llegar a todos, no sólo a los amantes del punk, porque en el fondo eso solo es el exterior, la apariencia, pero toda la actitud y rebeldía está adentro. Eso es lo importante.

¿Qué rol cumplen tus discos y giras solistas en este contexto?
Mike Ness: Da una salida que me permite ser un poco más extremo… lo que no puedo hacer con Social Distortion definitivamente puedo hacerlo ahí. Si quiero, me puedo poner un sombrero de cowboy, traer a alguien que toque el pedal-steel y un violinista, por ejemplo. Con esta banda hay que mantenerlo un poco más “duro”.

¿Dónde trazás la frontera entonces? Por ejemplo, si venís de hacer una gira solista y te encantó cómo sonaste, las canciones que hicieron y el espíritu general, cuando tenés que volver a ponerte el traje de Social Distortion, ¿te molesta tener que resignar lo otro?
Mike Ness: Hay una línea invisible con la que voy coqueteando constantemente. Tomo cosas de los dos lados y trato de ver a dónde me lleva eso.
Jonny Wickersham: A veces incluso pasa que Mike trae una canción y no está seguro si es mejor para Social Distortion o para un disco solista.

¿Les sigue sorprendiendo que puedan ir a lugares como Argentina o Brasil y tengan un público que los está esperando y sabe cada disco y canción que sacaron?
Mike Ness: Es raro, pero definitivamente halagador. Es lo que uno quiere lograr, y cuando finalmente bajás acá y ves con tus propios ojos, confirmás lo importante que es venir y volver.

¿Cuando preparan un show y arman la lista de temas, tienen en cuenta si es para un público que no los vio nunca como nosotros, en contraposición con el de Los Angeles, por ejemplo?
Mike Ness: Definitivamente armamos una lista diferente que si estuviésemos tocando en Orange County, porque ahí ya nos vieron miles de veces y quieren escuchar algo distinto. En cambio, cuando vas a un lugar por primera vez, tenés que tratar de elegir lo que creés que la gente quiere escuchar, lo más representativo, como una especie de grandes éxitos.

Debe ser bastante difícil con tantos discos de donde elegir…
Mike Ness: ¡Definitivamente! Creo que es lo más difícil, porque hagas lo que hagas, siempre va a venir alguien después del show a preguntarnos por qué no tocamos tal o cual tema. Es imposible dejar a todos contentos.

La banda tiene una amplia carrera y ya todos están en sus cuarentas. Hoy en día, ¿qué los sigue motivando para continuar con esto? ¿Cuál es el motor que empuja?
Jonny Wickersham: El amor incondicional por la música. Está en el centro mi alma. Es mi vida, en todo sentido. Nunca me pregunté si era lo que quería hacer o si podría seguir con esto. Es lo que hago… tal vez es lo único que sé hacer bien.
Mike Ness: Es la pasión, definitivamente. No hay nada que disfrute más que estar arriba de un escenario enfrente de la gente. Eso no se va nunca. Si sos un verdadero performer, vivís para eso. Hay una diferencia entre eso y un tipo que simplemente está en una banda, que se mete para ver qué puede sacar de eso y sabe que es temporario. Un verdadero performer tiene una entrega completa que no se va nunca.

Además, arriba del escenario se nota cuando un músico está tomándolo más como un trabajo que como una pasión.
Mike Ness: Totalmente. Nosotros podemos tener noches más flojas, pero siempre damos todo y amamos lo que hacemos. Ahora estamos muy emocionados por el disco nuevo, nos divertimos muchísimo y realmente no hay motivos para parar.

¿Pueden reconocerse como uno de los pilares o íconos del punk o se ven como una banda más?
Jonny Wickersham: Habiéndolo vivido de afuera de la banda y, después, como parte de ella, siento que Social Distortion tiene algo seminal en el movimiento punk de California. Es eso mismo lo que ha permitido que la banda viva tanto y siga creciendo. Fue un verdadero impacto en la música y se sigue viendo hasta hoy.

Con esa misma perspectiva, ¿se puede seguir hablando del punk como una ideología y un movimiento o se ha visto reducido a un simple género musical, a una etiqueta?
Jonny Wickersham: Es interesante porque mi perspectiva ha cambiado por muchas razones. Al estar ahí desde el principio, vi el crecimiento y desarrollo del estilo y la popularidad del género. No sé lo que es ser un chico de 14 años hoy, que recién está descubriendo el punk. Yo te puedo contar como lo veo hoy, con 42 años, habiendo visto y vivido todo ese camino. Podría decir “ya no es lo mismo, cuando nosotros lo hacíamos era nuevo y peligroso, la gente estaba asustada y no sabía qué pensar al respecto… y hoy en día es comercializado y marketineado…”. Todo eso puede ser verdad, pero no cambia el hecho de que para el chico que está iniciándose en esto, esa música es importantísima. Yo tengo que recordar lo que significaba la música para mí a esa edad: lo era todo. Ok, ahora el punk es más un simple género que otra cosa, pero sigue ahí.

¿Se ven haciendo esto para siempre o en algún momento piensan bajar el ritmo?
Mike Ness: Estar de gira nueve meses al año es duro cuando tenés una familia. Además, cuando volvés tenés que ponerte al día con todo lo que no hiciste por ese lapso, desde arreglar el techo de la casa hasta pasar tiempo con tu esposa e hijos.

¿Cuesta quedarse en un lugar fijo después de vivir en un constante circo ambulante?
Mike Ness: Me toma varias semanas para ajustarme, porque en casa soy “papá”, no un rockero ni nada. Nadie me abre la puerta allá (risas). Ahí tengo que llevar a mis hijos al colegio y hacer cosas así que, por supuesto, me encanta hacer.

¿Qué es el éxito para vos?
Mike Ness: Fácil: es poder hacer lo que uno realmente ama y vivir de eso. No soy millonario ni tengo paparazzis esperándome cada vez que salgo del hotel, pero puedo venir a Argentina y tocar tres fechas completamente agotadas y eso es suficiente para mí. Me llena y no necesito más. Siempre es más importante agradecer lo que uno tiene que lamentarse por lo que falta.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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Pronto subo fotos que saqué en el show...

Jools Holland en el Gran Rex

2010-04-08T23:59:00.003-03:00

JOOLS HOLLAND and his Rhythm & Blues Orchestra
8 de abril 2010
Gran Rex

Una cátedra absoluta de talento, frescura y buena onda que hizo bailar a todo el teatro con una sonrisa de oreja a oreja. Sin duda, uno de los mejores shows del año.

Para conocer más, su sitio.

Para ver más fotos, visiten mi Flickr (donde van a poder ver lindas imágenes llenas de alegría a todo color y no estos bajones monocromáticos que suelo poner acá, jeje).

Rock, dos puntos (:)

2010-04-07T01:26:00.000-03:00

Hace camino al andar

2010-04-06T22:59:00.001-03:00

Juan Pablo Villarino es autor del libro “Vagabundeando en el eje del mal – Un viaje a dedo por Irán, Irak y Afganistan”. A través de su pluma, no solo busca retratar un viaje sino que este mochilero-sociólogo apunta a desmitificar y humanizar una de las regiones más polémicas y conflictivas del planeta.

TEXTO MARTIN SANTORO

A principios de 2005, Villarino zarpó de Belfast, Irlanda, rumbo a Medio Oriente con su mochila al hombro y un objetivo inquebrantable: cruzar la región a dedo, para demostrar la hospitalidad de los habitantes de Turquía, Siria, Egipto, Irán, Irak y Afganistán. En el medio, las postales más increíbles para aquellos con un asiento cómodo a la distancia: desde tomar el té en un campo minado hasta enseñar a viajar a dedo en el Parlamento kurdo. Sin más vehículos que la mano extendida y el pulgar apuntando al horizonte, este mochilero se embarcó en una epopeya, “una oda al movimiento y al entendimiento humano”. Sin duda, la historia es el viaje.

Si bien es un viaje personal, pareciera que gran parte del empuje viene de un espíritu altruista y la idea de que “alguien tiene que mostrar que no todo es como se ve en los medios”. ¿Vos lo sentís así?
La condición para ser escritor es sentir que uno tiene algo para decir que vale la pena ser dicho. Cada viaje me da infinitos motivos para usar la palabra como espejo del mundo real, que nunca es. Desde que había comenzado a viajar sabía que el mundo era un sitio mucho más amistoso que lo que la televisión se empeña en mostrar. Entonces me propuse hacer de la hospitalidad el eje temático de mis crónicas, sin perder de vista el retrato de la cotidianidad, las desigualdades y otras cuestiones que me parecen definitorias de cualquier país y sociedad.

También hay una búsqueda por derrumbar estereotipos…
Ese tema también me parece central. Eso de que los europeos son todos fríos, los árabes todos terroristas y fundamentalistas, y los chinos cultivadores de arroz o dueños de supermercados. Por eso me gusta retratar episodios aparentemente mundanos, pero que para mí encierran esencias de cada sociedad. La alegría que demuestra el zapatero del bazar de Der-ez-Zoir, en Siria, al reparar mis botas cansadas de andar, desmiente mejor que cualquier monografía antropológica el supuesto recelo de los musulmanes hacia los occidentales. Crucé Afganistán haciendo dedo durante un mes. Todos creían que no iba a salir vivo de allí y, sin embargo, en mi camino no encontré más que gente cordial y caballerosa. Todo mi periplo en Irak, Irán y Afganistán tenía precisamente el fin de desmantelar, a fuerza de evidencia, el discurso mediático oficial, que es el de un Medio Oriente intrínsecamente violento.

En mi viaje fui alojado por familias campesinas, maestros y caminé al lado de nómadas con camellos. Siento que mi deber es contar quién es toda esa fantástica gente que los medios tratan en paquete y tildan de terroristas. Escribo en defensa de esa pluralidad, de los casos particulares, y en contra de las generalizaciones escritas por periodistas de despacho que copian y pegan noticias que encuentran en Google. Siento que el escritor viajero tiene la responsabilidad social de contrabandear las palabras de lucha en lucha de la misma manera que una abeja lleva el polen de flor en flor. Eso significa para mí hoy la comunicación.

Está claro que una de tus metas parece ser establecer una especie de puente empático entre culturas ubicadas casi en las antípodas por gobiernos y medios. ¿Crees que lograste lo que querías con este viaje y el libro?
El libro está dedicado en sus primeras páginas a la hospitalidad y honorabilidad de esos pueblos. El lector sabe así de antemano que se encuentra ante una verdad poco cómoda de asimilar, que lo que le venían diciendo, lo que venían creyendo, era mentira. Recibo muchos mails de lectores que me confiesan que en ese sentido el libro les ha sido revelador. Por eso intuyo que sí, que cumplí el objetivo. Hay maestras que me escriben para contarme que lo utilizan en sus aulas para ilustrar temas como los derechos humanos y la tolerancia intercultural, lo que me enorgullece. Uno no espera cambiar el mundo con un libro, pero trabaja coherentemente con ese fin, dejando mensajes, testimonios de otra visión posible del mundo. Cada libro escrito es una semilla puesta para el cambio.

En esta experiencia queda claro que, además de viajero, tenés un gran espíritu antropológico. De tener que hacerlo, ¿cómo te definirías?
Me defino como escritor nómada. Ese peregrinar por las culturas del mundo sería un desperdicio o un ocio turístico sino aplicara una óptica antropológica que no hiciera foco en el aspecto social de cada país visitado. El autostop, por su lado, el viaje a dedo, tiene para mí un sentido que trasciende el hecho del transporte gratuito, en tanto es mi instrumento de exploración antropológica y sociológica. Subirse y bajarse de un vehículo a otro no deja de ser una sesión aleatoria de entrevistas, una forma de conocer la sociedad visitada, a través de las filtraciones en el discurso de mi conductor.

¿En qué momento sentiste que el viaje tenía que culminar en un libro? ¿Era algo que tenías planeado desde el principio o que surgió después de vivir esa experiencia?
Desde el 2001 todos los viajes que realizo tienen el sentido de ir amasando un libro. Día a día se escriben las páginas, se suceden las ciudades, los camiones y las sorpresas. Viajar y escribir son para mí dos artes inseparables, por lo tanto desde el inicio tomé notas con miras a hacer un libro sobre el viaje. Sin embargo, fueron la magia y la hospitalidad de Medio Oriente los que me hicieron dedicar el libro a esos países y no otros. La impronta espiritual que me dejaron los países musulmanes fue grande, sentí que era mi deber el hacer circular esa otra realidad, la de un Irán y un Afganistán poblados por personas normales, amables, geniales. Más que nunca, sentí la necesidad de multiplicar ese libro y ese mensaje. Fue ese ímpetu el que me permitió llegar finalmente a que trascendiera la suerte de mis libros artesanales previos y llegara a gozar de una edición masiva como la actual.

Respecto a la propia escritura del libro, me intriga saber cómo fue el proceso. ¿Tomaste muchísimas notas en el momento o tenés una memoria prodigiosa? ¿Lo ibas escribiendo mientras viajabas o arrancaste una vez finalizado el viaje, con una perspectiva más completa?
Todo empieza con notas o palabras claves escritas en mi libreta mientras viajo, sea arriba de un camión que cruza el Altiplano Boliviano o en una casa de té iraní. Al final de cada día añado aquellas reflexiones que me surgieron mientras esos sucesos tenían lugar, pero que su mismo devenir me impedía disociarme para elaborarlos. La perspectiva, por ejemplo, aparece a la hora de acostarse. Este paso lo hago en un ordenador portátil. Esto hace más fácil las cosas. Rápidamente puedo buscar material en mis archivos para citar parte de un poema escrito en Laos bajo una sobredosis involuntaria de medicación contra la malaria o un fragmento de la opinión política de una vendedora de hortalizas del mercado de Sucre. Puedo estar escribiendo en la habitación de una pensión o dentro de mi carpa, pero lo hago con disciplina. De otra manera los eventos en la memoria se van confundiendo y las impresiones contagiando por opiniones formadas con posterioridad.

Una vez a la semana, recapitulo lo que he escrito y elaboro una o más notas para el blog, junto con sus correspondientes fotografías. Eso me requiere, una vez a la semana, encontrar un sitio donde pueda trabajar con comodidad. Mientras la documentación sucede en cualquier parte, la redacción me requiere una dosis de confort… El proceso de llegar al libro sólo comienza cuando he regresado. Ahí me reúno en asamblea con todos los relatos semanales subidos a mi página, las libretas originales y la memoria. Con suerte, al cabo de medio año aparece la joya pulida, las historias engarzadas, consteladas por las páginas de un libro. Es mucho trabajo, hay que editar, investigar, ir a bibliografía, y excavar la propia memoria en busca de la palabra, la fecha o ese nombre preciso. Y claro, la perspectiva es fundamental, que luego de terminado el viaje redimensiona todo lo vivido.

Si bien el libro tiene como base la crónica, en este caso el género viene acompañado de una buena carga documental y un gran sentido del humor. ¿Sentís que son herramientas claves a la hora de dar información lo más completa posible y, al mismo tiempo, mantener el interés del lector? ¿Cómo definirías tu estilo?
Por un lado es eso: intento que el relato sea ameno y que cierto pulso de humor permita que el lector navegue más fácil los pasajes quizás más informativos o teóricos. Pero en este caso, es un humor que emana realmente de la fidelidad del relato, que calca sin censura toda la adrenalina y el absurdo que uno realmente vive cuando viaja, las situaciones disparatadas que acontecen, y todos los avatares de la vida nómada. El tono del relato no está manipulado con criterio de mantener un rating, sino que transmite la magia natural que tienen estos viajes.

Cuando a uno lo comparan con un ave migratoria y le encajan un anillo numerado en el dedo o cuando le preguntan los beduinos del Sahara si en Argentina también hay estrellas, lo enmarcan en episodios que dan cuenta que uno ha alcanzado el estilo de vida deseado… y también la historia deseada, porque uno ya viaja imaginando como se vería escrito lo vivido, y a veces incluso permite suceder eventos por el sólo hecho de que son brotes tan raros, episodios tan ridículos y divertidos que merecen vivir y ser leídos, sólo por ello.

Más allá de los preceptos e ideologías personales, debe ser difícil hacerles entender esta pasión a tu familia y amigos. ¿Cómo se tomaron la idea de hacer este viaje (y la vida nómada en general)?
Mi mamá es la que más me hacer reír. Con normal preocupación maternal, se alarma, pero de forma muy impredecible. Cuando estaba en Finlandia y contaba que acampaba en un páramo rodeado de renos, ella buscaba en Internet si los renos eran carnívoros. Cuando les conté por teléfono que pensaba entrar en Irak, ella me recomendó que me diera otra dosis de antitetánica. Luego el resto, mi padre y mis hermanos, ya lo tienen asumido. Imaginate que mi sobrina Ángela me decía “el tío de la foto”…

Después de semejantes viajes y de experiencias tan únicas como intensas, ¿podés volver a un ritmo de vida “normal”?
No me imagino ahora una vida sedentaria, vivir en una misma ciudad toda la vida con viajes esporádicos. Sí me gustaría tener una base o lugar propio donde descansar y escribir en los años “quietos” entre viajes largos, donde guardar también los mapas, las libretas, documentos, y papeles de viaje en general. Sería como un centro cultural o una posada temática destinada a ser un santuario del espíritu viajero. Pero para eso falta, principalmente porque mis recursos apenas me alcanzan para cubrir los gastos mínimos de mis vagabundeos. Además de los libros que se venden en librerías, vendo postales artesanales de mis fotos para sobrevivir mientras viajo. O sea que por el momento no puedo pensar en otra cosa que en el día a día.

¿Podés quedarte quieto o siempre estás planeando el próximo viaje?
Siempre estoy formulando viajes, mirando mapas. Los años que no viaje serán porque estoy escribiendo, transformando lo viajado en un libro, para que el viaje también viaje.

¿Con qué criterio elegís tus destinos?
Cada viaje tiene llega a ser concreto a partir de criterios distintos. Ante todo, soy de los que prefieren los viajes largos, tomo un continente y lo cruzo siguiendo un itinerario totalmente flexible pero con muchos países que no cedo al azar, presas precisas. Una premisa fundamental es un itinerario que enhebre sitios relevantes al criterio de documentación que tenga yo al momento de viajar. En general, doy prioridad a comunidades periféricas sobre los sitios trillados, conocidos y fotografiados. No me interesa repetir postales con mi cámara, sino explorar la historia contemporánea. Para mí es más interesante compartir un día de viaje con un camionero cusqueño y su familia que visitar el Machu Pichu. ¿Por qué habría de estar más interesado en la vida cotidiano de los Incas que en la de los peruanos del 2010?

No quiero decir que Machu Pichu carezca de interés, pero si esgrimo la posibilidad de que la proliferación de la cultura del turismo no haga más que dirigir a los viajeros a los sitios de interés obvios que se transforman en fetiches. Por eso muchas veces elijo carreteras al azar que llevan a pueblos sobre los que jamás he escuchado reseña alguna. Para mi es la única forma de conocer a fondo un país. Cuando elijo viajar en Asia o en América, voy procurando que el itinerario incluya aquellos lugares segregados, aislados, o archiconocidos pero con distorsión mediática. Por eso elegí viajar en Irak, Irán y Afganistán.

Una de las cosas que más destacás a nivel humano es la apertura y predisposición de quienes te acogieron a lo largo del viaje. ¿Crees que hubieses recibido la misma hospitalidad si no fueras argentino? ¿Pensás que de ser estadounidense o europeo, hubieses sido recibido de la misma forma?
Creo que ellos son abiertos sin distinción de nacionalidad. De todos modos concuerdo en que el ser argentino me ponía en situación casi de par con ellos, es decir, ciudadano de otro país en vías de desarrollo. En todo mi viaje por Medio Oriente, ser latinoamericano me ha expuesto a infinitas muestras de solidaridad. Ser latinoamericano en Medio Oriente implica encarnar esta condensación de diferente y de mismo, de Occidental a la vez que semejante humano habitante del mundo en desarrollo, con un pie hundido en la pobreza y la dignidad. Aunque me consta que los musulmanes dispensan su espontánea amistad con equidad al margen de la nacionalidad, no me quedan dudas de que saber en carne propia lo que es la corrupción, el fraude electoral, los semáforos que sólo destellan luces amarillas y los emisarios del FMI decidiendo el presupuesto de tus escuelas, los acerca más a mí que a los franceses que recorren el mundo con el dinero de la seguridad social cobrado a través de cualquier cajero automático.

Ser políglota parece ser uno de los grandes beneficios a la hora de conectarse con el contexto. A tu criterio, ¿cuáles son las herramientas fundamentales a la hora de vagabundear por el mundo?
La férrea convicción y comodidad con el movimiento. Es preciso disfrutar del nomadismo. La necesidad de un respiro de la rutina suele ser confundida con el deseo de vagabundear, pero son dos cosas distintas y a los pocos meses se puede ya ver, si uno tuvo suficiente o si acaso le vende el alma al horizonte. Cuando uno ya sabe lo que quiere, entonces el resto es más flexible. Hay cosas que ayudan, claro, como manejar inglés u otros idiomas internacionales. Español, inglés, francés, ruso y árabe son para mí los recomendables. Fundamental es la apertura mental, la predisposición a la experimentación y la maleabilidad. No está demás contar con alguna manera móvil de generar ingresos, sean la música, las artesanías o lo que fuere.

¿En qué lugar del mundo estás ahora? (ya sea Nepal o Avellaneda)
Estoy en Sucre, Bolivia, a donde he llegado como único pasajero del techo de un camión que transportaba 43 chanchos. Llegamos al matadero y tuve que ayudar a los choferes a los palos a conducir a los cerdos al corral…

¿Cuáles son tus planes futuros?
Actualmente estoy recorriendo a dedo desde Argentina a Alaska con la intención de documentar la hospitalidad pero también los problemas del continente. Por ello estoy viajando siguiendo casi con exclusividad carreteras secundarias, incluso rutas de ripio o tierra y hasta ríos. Los relatos conformarán un libro quizás titulado “Caminos Invisibles de America Latina”, que relevará la vida cotidiana y realidad de los rincones más remotos de nuestro continente. Mientras viajo realizo, además, un proyecto educativo patrocinado por el Movimiento Mundial por la Salud de los Pueblos y por mis propios lectores, quienes con algunas chirolas por mes me ayudan a dedicarme a hacer proyecciones fotográficas y charlas en escuelas y comunidades de forma gratuita para ellos. En el menú del blog pueden enterarse como volverse cómplices de este proyecto y colaborar.

Después de tanto tiempo de viaje me imagino que ya vas desarrollando una especie de “Biblia del viajero”. ¿Qué consejo le darías a alguien que se calza la mochila por primera vez?
¿Consejos para viajar bien y no terminar confundiendo al carnaval tilcareño con un descubrimiento místico? Sí, claro. Hoy día es cada vez mayor la cantidad de gente que viaja, lo que equivale a decir que también se ha vuelto como una moda. Encuentro mucha gente que sólo viaja porque tiene la posibilidad económica de hacerlo y va por el mundo tachando de la lista los sitios Patrimonio e la Humanidad de la UNESCO.

El viaje mochilero, antes una aventura, es hoy un pálido reflejo de lo que era en los setentas u ochentas, quizás debido a que la gran mayoría viaja siguiendo una Lonely Planet, como un previsible rebaño de ovejitas que van pasando por los mismos hostels y sitios obligados de turismo. En otras palabras, terminan ejecutando un turismo barato, pero la aventura rara vez está presente en sus viajes porque no arriesgan, no van a lugares de los que nunca sintieron hablar, sino adonde la foto postal está garantizada.

Por eso, recomiendo que quienes realmente quieran viajar, que se salgan de las rutas archirepetidas (Humahuaca, Potosí, Titicaca, Cuzco, Nazca, etc), que viajen con mapas, para saber dónde están parados, que utilicen las redes de alojamiento gratuito, que hagan dedo, viajen en bicicleta o caminen, y que intenten acercarse a la gente local. Es más importante visitar cualquier pueblo rural del Perú y entender los problemas de la sequía, del precio de mercado de sus productos, de la falta de escuelas, que visitar Machu Pichu vestido con textiles de colores y pensarse un hippie en contacto con la Pacha Mama.

Para seguir los viajes de Juan Villarino, visitar su blog: www.acrobatadelcamino.com

Amapola del 66

2010-03-29T19:56:00.006-03:00

La columna de radio de hoy estuvo dedicada al flamante disco de Divididos: Amapola del 66, una verdadera muestra de talento, creatividad y vigencia. Sin duda, la paciencia fue pagada con creces. Podría decir miles de cosas, pero para eso está el audio... que lo disfruten.

PARTE 1

PARTE 2

Jimi Hendrix: Valleys of Neptune

2010-03-15T19:12:00.003-03:00

Dediqué mi columna de hoy al inagotable e inoxidable talento de Jimi Hendrix; evidenciado, en este caso, a través del flamante disco "Valleys of Neptune".

PARTE 1

PARTE 2

No detenga su motor

2010-03-11T19:58:00.003-03:00

Amo y esclavo del ritmo, Santiago Vazquez es un músico extraordinario y un trabajador compulsivo. De su mano, La bomba de tiempo dejó de ser una orquesta de percusionistas para convertirse en un fenómeno cultural. Como si fuera poco, sus proyectos con Puente Celeste y La Grande están en constante ebullición. En esta nota, una radiografía de una mente que no puede quedarse quieta.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo comenzó tu amor con la música?
Mis padres escuchaban todo tipo de música y yo, según ellos, cantaba e inventaba canciones permanentemente. Recuerdo que tenía una relación especial con el tocadiscos. Apenas lo supe manejar, me podía pasar horas poniendo y sacando discos y mirando el surco mientras escuchaba la música.

Después, recuerdo que armaba baterías con objetos de la casa como libros, cajas, tapas de casettes, ollas y almohadones. Los ponía sobre la alfombra y tocaba con unos palitos chinos junto a la música del equipo. En ocasiones, tocaba y cantaba improvisando melodías, que algunas veces grababa con un walkman. Algunas se convirtieron en mis primeras composiciones.

Mas adelante, a los 10 años comencé a estudiar batería y durante varios años trabajé como baterista, hasta que fui descubriendo otros instrumentos de percusión como el berimbao y la kalimba, por ejemplo. Ahí fui rescatando aquello que yo hacía desde muy chiquito: juntar objetos de todo tipo y hacer música con eso. Al mismo tiempo, siempre fui estudiando audiopercepción, piano, composición, dirección, etc., para poder desarrollar esa inquietud melódica.

Una de las habilidades que más te distingue el tu dirección con un sistema de señas. ¿Cómo desarrollaste el sistema y la composición en tiempo real?
Yo venía trabajando con unos grupos de entrenamiento rítmico con los que utilizaba algunas señas muy rudimentarias fruto de la necesidad. En esa época vi un ensayo del músico norteamericano Butch Morris, que se dedica a la dirección de improvisación con señas y se me abrió una puerta conceptual. Yo no conocía su lenguaje gestual, pero entendí que se pueden usar señas para expresar lo que uno necesite como compositor o como director de improvisación.

En ese momento creé un sistema de señas para generar armonías aleatorias, algo en lo que me encontraba investigando. A partir de ahí, armé el Colectivo Eterofónico de Improvisación: un grupo para explorar la generación de armonías aleatorias y la composición en tiempo real. Ese grupo tenía la sonoridad de una pequeña orquesta de cámara, mezclado con un grupo de jazz. Lo que hacíamos enfocaba sobre todo en la exploración tímbrica y armónica.

¿Por qué pasaste de una propuesta como la del Colectivo Eterofónico a La bomba de tiempo? ¿Qué querías lograr con ese nuevo proyecto?
Después de varios años de trabajo con el Colectivo, fui sintiendo la necesidad de trabajar con el ritmo y especialmente con eso como forma de integrar la mente y el cuerpo en una sola cosa: el baile.

Después de terminar el Colectivo Eterofónico pasé tres años grabando mis discos Raamon y Mbira y Pampa, que van en esa dirección. También tocaba y grababa con Puente Celeste, juntando material para un disco íntegramente dedicado a lo rítmico que sería una colección de estudios de ritmo donde volcar años de trabajo en este sentido pero, a la vez, hacerlo desde un lugar de mucho gozo corporal, y no solamente como algo intelectual. También extrañaba el espacio social y cultural que se genera alrededor de la percusión en muchas ciudades del mundo. Me preguntaba cómo podría producirse algo así en Buenos Aires.

En un momento todas esas búsquedas se juntaron en un clic, y pude ver que un grupo grande de percusión podría trabajar esos “estudios de ritmo” mediante las señas y la improvisación, generando así ese espacio de baile y lo social para mucha gente, de una forma original y flexible. No imitamos otras culturas sino que buscamos lo que cada uno es. Desde ahí, pasé cerca de un año madurando la idea del grupo y desarrollando el lenguaje de señas hasta que tuve una lista de mis músicos ideales para este grupo.

¿Cómo elegís a los músicos con los que trabajás?
En el caso de La Bomba, era muy importante que, además de ser muy buenos percusionistas, fueran capaces de comprender analíticamente lo que tocan… y aún así tocar como si fuera puro corazón. Algunas de las señas que utilizamos exigen un grado alto de entrenamiento teórico y de lectura musical, etc. También es fundamental que tengan una personalidad especial, madura, ya que trabajar juntos durante tanto tiempo es una prueba difícil de convivencia.

En ese sentido, ¿cómo haces para dirigir a un grupo tan amplio de músicos donde cada uno viene con su estilo, sus ideas y sus egos?
La variedad de estilos es bienvenida y tiene su lugar en el sonido del grupo, aunque el lenguaje tímbrico de La Bomba está bastante definido desde el vamos. Para mí, lo fundamental es escuchar lo que motiva a cada uno y tratar de que eso no falte en el grupo. La verdad es que cada uno aporta de su propia visión y madurez personal para que todo fluya entre nosotros. Al mismo tiempo, todos somos conscientes de que en un grupo tan grande hay cosas que podremos hacer y otras que no.

Dada esa simbiosis de ritmo y baile que proponen, ¿sentís que la banda necesita de una retroalimentación del público para llegar a su máximo potencial?
La Bomba y su público son un todo. Creo que sin ellos haríamos otra cosa. Es música para bailar y si nadie baila no sirve.

Uno de los rasgos distintivos del show de La Bomba es la forma en que los invitados entrelazan sus estilos propios con el de la banda. ¿Con qué criterio elegís a los invitados?
El hecho de que haya invitados tiene que ver con la integración. Se trata de un mosaico cultural y musical, que es el de nuestra ciudad, nuestro país, nuestro continente y el mundo. Cada artista que sea parte de esa trama es valioso, mientras que entregue su arte con sinceridad y sin retacear nada. Por eso sentimos que invitar a músicos de estilos muy distintos es natural y que todos ellos nos enriquecen. Los queremos homenajear compartiendo nuestro escenario y nuestro juego.

¿Qué rol cumple La Bombería en el proyecto a mayor escala?
En un momento percibí que ésta forma de improvisar-jugar que usamos en La Bomba, con sus reglas y su sistema de señas, es una herramienta maravillosa para aprender y practicar música grupalmente en todos los niveles. Es suficientemente elástica y poderosa para que un grupo que improvisa con esto consiga cosas totalmente distintas de cualquier otro, usando las el mismo sistema. Desde ahí empecé a pensar que había que divulgar este lenguaje a través de una escuela y seminarios y abrirlo para que muchos otros lo puedan usar en todo el mundo.

Uno de los mayores logros que tiene el grupo en un constante crecimiento exponencial. ¿Por qué sentís que La Bomba se ha convertido en un fenómeno cultural tan importante en estos últimos años?
Supongo que hacía falta algo que cumpla esta función: poder reunirse, bailar, algo que cambia cada vez, tracción a sangre, un espacio que no rechaza influencias ni estilos, que no se encolumna detrás de ninguna estética o ideología, que es para todos y de cualquier edad, que es de acá… El ritmo, cuando se desprende de sus etiquetas, es realmente universal y conecta con algo que nos constituye en lo más profundo.

Con esta popularidad también se generó un cambio en el público que, si bien mantiene la esencia, cada vez parece banalizar un poco la propuesta artística, asistiendo por una cuestión de moda más que de empatía musical. ¿Estás de acuerdo?
Cada uno va por motivos diferentes y me parece que eso es muy bueno. No hacemos un show para ver sentados en una butaca y aplaudir al final. El ritmo es la bandeja sobre la que suceden muchas cosas y esa es la idea. Por supuesto que nosotros como músicos queremos que la música nos alimente y nos exprese y que a la gente le llegue lo que hacemos, pero no vamos a parar el show para pedir que escuchen porque llegamos a alguna polirritmia interesante o porque alguien hizo un solo que la rompió. Todo eso nos genera alegría a nosotros y estoy seguro de que eso llega a la gente de una u otra forma.

El proyecto de La Bomba comenzó como algo más bien under y hoy en día ya son un nombre instalado y popular. ¿Qué ganaron y qué perdieron con la popularidad?
No afecta mucha a lo que hacemos sobre el escenario. Gradualmente tratamos de profesionalizarnos un poco en relación al sonido, luces o esas cosas, pero La Bomba sigue siendo un grupo de goce y de investigación. Es maravilloso que algo así pueda ser popular. Yo tiendo a verlo como el fútbol: los equipos prueban diferentes formas de juego, cambian posiciones en la cancha, tratan de mejorar cada vez y nunca saben como va a terminar el partido. Las reglas del juego impiden que se convierta en un show: sigue siendo siempre un juego.

¿La cómo hacés para que la propuesta se mantenga fresca e interesante después de tanto tiempo?
Un poco de eso lo pone la improvisación y nuestros deseos de probar nuevos recursos. También estoy proponiendo un sistema por el que va a haber una rotación cada cierto tiempo en la dirección musical del grupo, para que nos podamos nutrir de los diferentes estilos de los directores. Algo parecido al rol del director técnico de un equipo deportivo.

¿Qué son Puente Celeste y La Grande en tu vida? ¿Tus otros proyectos llenan un espacio vacante que queda con La Bomba o nacen de inquietudes distintas?
Son cosas muy distintas. Puente Celeste surgió hace 13 años como mi grupo, pero hace ya 7 años que es un grupo con cinco líderes. Por lo tanto, es el espacio de confluencia de esas cinco personas en particular: Edgardo Cardozo, Luciano Dyzenchauz, Marcelo Moguilevsky, Lucas Nikotian y yo. Hay lugar para la improvisación y el juego, pero esto gira alrededor de composiciones instrumentales y canciones. Para mí Puente Celeste es el espacio para encontrarme con mis viejos amigos y jugar al a lo que mejor hacemos, usando de excusa músicas compuestas por cada uno que nos dan ganas de tocar.

Por su parte, La Grande es mi proyecto mas reciente. Es un grupo que integra mis facetas de compositor y productor con mi experiencia con la Bomba de Tiempo. Es como agregar a la idea de La Bomba un montón de instrumentos melódicos y mezclar todo eso en tiempo real, como si al dirigirlo yo fuera un DJ haciendo un mash-up. Para mí esto representa una forma nueva de hacer música con un grupo.

¿Cómo hacés para desdoblarte creativamente con tantos proyectos y mantenerte artísticamente interesante?
Para mí es como los amigos: con uno hablás de fútbol, con otro de artes, con otro te une el humor… Cada relación cubre distintas necesidades que uno tiene y extrañaría a cualquiera de ellas si me faltaran.

Parece que no parás ni un segundo. ¿Tenés una fobia a la quietud? ¿Qué te mantiene en constante movimiento?
No le tengo ninguna fobia a la quietud. Es mas, me encanta y necesito quietud interior para hacer lo que hago en el afuera. Me sucede que, así como a otros se les ocurren canciones todos los días, a mí se me ocurren conceptos de proyectos musicales. Pero a diferencia de las canciones, que se pueden escribir en media hora, un proyecto musical completo puede llevar varios años y muchísimo trabajo de muchas personas para ser concretado. Entonces descarto todas las ideas que puedo. Pero hay algunas ideas que no logro sacarme de encima. Esas las tengo que realizar porque si no, me pesan tanto que no me dejan avanzar.

¿Cuáles son tus planes para este año?
Grabaré un disco y tal vez un DVD con La Grande. Estaremos tocando en Konex en mayo y junio, durante una pausa de La Bomba de Tiempo. También tengo algunas giras como Santiago Vazquez Solo, que son shows que hago con percusión, voces, mbira, berimbao y electrónica en tiempo real. Con Puente Celeste estaremos tocando todos los jueves a partir de abril en el CAFF y grabaremos un disco nuevo para Japón ese mismo mes. Con La Bomba seguramente también hagamos un disco nuevo para fin de año, y seguiremos tocando como siempre los lunes en Konex, y en otros lugares fuera de Buenos Aires.

Fuera de los shows, espero hacerme algo de tiempo para completar un libro que empecé a escribir con el fin de divulgar el lenguaje de señas, otro de entrenamiento rítmico… ¡y no perderme el atardecer!

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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Ok, si los fanáticos de Riff me quieren cagar a cadenazos por el título, ¡que me vengan a buscarrrrrrrrrrr! (los espero con unos mates y chipá).

Motorama en Roxy Live Bar

2010-03-05T23:04:00.002-03:00

MOTORAMA
3 de marzo 2010
Roxy Live Bar

Por lejos, una de las mejores bandas para ver en vivo. Música que contagia adrenalina, swing, frenesí y todas las ganas de sacudir el cuerpo hasta que salga el sol.

Parada obligatoria: su MySpace.

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Freak out!

2010-02-20T18:26:00.002-03:00

Ácido, irreverente, bizarro, anárquico, desubicado, incómodo, rockero… ¿Cuántos adjetivos pueden describir perfectamente la obra de Gustavo Sala? Este historietista marplatense se ha ganado un lugar en las principales publicaciones del país a fuerza de humor deforme y absoluta ignorancia de las “reglas de etiqueta” de cualquier publicación.

TEXTO MARTIN SANTORO

Allí reside su genialidad: altas dosis de humor no convencional, espíritu punk y un absurdo inteligente (que no es lo mismo que “hacer cualquier cosa”) llevado a su máxima expresión. Este cóctel embebe lo cotidiano para resultar en un cambalache lisérgico que descostilla de la risa a quien se anime a adentrarse en su mundo.

Además, es una especie de terrorista gráfico que no para: sus trabajos descolocan en la revista Fierro, Rolling Stone y el suplemento NO de Página12. Ya editó la antología “Bife angosto” con Ediciones de la Flor (Quino, Liniers) y acaba de lanzar “Bola triste”, un segundo compilado con un lema en la tapa que reza, cual Groucho Marx del subdesarrollo, “Advertencia: incluye sexo extremo, violencia explícita y advertencias innecesarias”. ¿Acaso queda alguna duda?

Tenés un estilo y un sello propio; algo que hace que al ver un trabajo tuyo no haga falta fijarse en la firma para saber de quién es. ¿De dónde nace tu humor? ¿Cómo hiciste para desarrollarlo?
El estilo nace a partir de lo que a uno le sale y de las cosas que más te gustan, que empezás a meter en tu dibujo aun sin proponértelo. Yo me ubiqué en un lado del dibujo de humor más grotesco o deforme por dos razones: primero porque me gusta y segundo porque me cuesta un huevo el dibujo realista, académico, donde no la podes pilotear y si dibujas para el orto la figura humana estas hasta las bolas. ¿Estoy usando un léxico inconveniente para esta revista? Espero que no, ¡carajo!

¿Sentís que hoy en día definen tu humor como “absurdo” porque no saben bien cómo catalogarlo? Si bien todos los rótulos son odiosos porque, inevitablemente, condicionan al receptor antes de ponerse en contacto real con la obra, ¿hay alguno que sientas que puede reflejarte fielmente?
No esta mal el rotulo de “absurdo” aunque no creo que me identifique en todo lo que hago. En todo caso, prefiero que me rotulen como “gracioso”. Es mucho más difícil ser “gracioso” que ser “absurdo”.

¿Cómo probás si algo es gracioso? ¿A esta altura, te das cuenta solo del potencial humorístico de un chiste o ya estás tan metido que acudís a otros para medirlo?
A veces pierdo el foco completamente sobre mi propio trabajo y, mirando una tira bocetada, me parece al mismo tiempo una idea copada que funciona y una reverenda pelotudez sin ninguna gracia. Para eso están mis amigos Quique, Pablo y Juan, a quienes les paso los bocetos que están “en duda” y, según sus devoluciones, los encaro para dibujarlos a full, me guardo la idea para cuando le encuentre la vuelta o simplemente las tiro ala mierda.

Debe ser muy difícil lograr que, después de tantos años, tu humor no se vuelva redundante y se agote. ¿Sentís que lo deforme/absurdo (otra vez esos rótulos…) te ayuda a eludir eso? ¿Se puede llegar a un punto donde ese lime también se vuelve previsible?
Por supuesto, todo el tiempo se puede ser redundante y caer en los mismos trucos o recursos una y otra vez. Muchas veces se me ocurren cosas que, haciendo memoria, me doy cuenta de que ya las había pensado años atrás. La memoria es así: miserable. Por eso siempre hay que tratar de hacer lo que a uno le sale y trabajar en un terreno cómodo y conocido. A la vez, es igual de importante pensar con otra perspectiva, metiendo elementos nuevos o tratando de encarar las estructuras de otra manera para ver si, de pedo, aparece alguna idea nueva.

Contame sobre tu método de trabajo. ¿Esperás que te llegue la inspiración o la vas a buscar?
La paso a buscar por la casa. Le toco timbre y ella baja, pero la mayoría de las veces esta toda sucia, desarreglada y demacrada. Con una inspiración así no se puede salir a la calle. Hay que esperar que aparezca una un poco más presentable y ahí sí, abusar de ella sin piedad… pero a veces hija de puta tarda muchísimo en aparecer y hay que tomarse muchos cafés y morder muchas biromes en la aburrida y desesperante espera.

Más allá de los guiones, desarrollaste un estilo de dibujo muy personal que se complementa perfectamente con el espíritu de tu humor. ¿Quiénes fueron tus influencias en eso?
De chico me volvía loco con las historietas de Carlos Nine en la “Humi”. También fueron una gran influencia los dibujantes de la revista MAD y autores de acá como “El niño” Rodriguez, Pablo Fayo, Dany Theo, Esteban Podetti y otros, que juntos hacían la excelente revista “¡Suélteme!” a fines de los noventas.

¿Cómo conociste a Humberto Miranda, tu colorista? ¿Qué sentís que aporta a tu trabajo? …¡y no digas “el color”! (risas)
A Beto lo conocí en una charla que dio Rep en Mar del Plata en 1993. Con Humberto y varios más hicimos tres numero del fanzine “Mar negro” y ahí empezamos nuestra amistad comiquera que sigue hasta hoy. Un día, en el 2005, tenía que pintar un trabajo digitalmente y, como yo no tenía ni computadora ni idea, le sugerí a Beto que lo hiciera (porque tenía las dos cosas). Justo a partir de eso empiezan a salir colaboraciones para medios como Genios y Pagina 12, donde las tiras tenían que ser a color. Humberto aporta su mirada y su paleta. A veces una página cambia muchísimo con el aporte del color, así que es una mano más que refuerza el trabajo que uno hace.

¿Estar en medios masivos y populares como la Rolling Stone y Página12, por ejemplo, te condicionan (aunque sea internamente) a la hora de trabajar?
Debo decir que ni en Rolling Stone ni en Pagina12 tuve jamás problemas de censura ni algo parecido. Todo lo contrario: puede irme al carajo más de una vez y publicar tiras o viñetas que pensaba que no iban a salir. Las pocas veces que me “sugirieron” cambiar algo era porque eran malas… y las cambie, claro, ¡por otras peores!

¿Cómo decidís qué ideas o material va para cada publicación en la que trabajás?
Cada medio tiene un tono y un “discurso” o “estilo”, así que ya sé para qué lugar sirve mejor determinada idea. Además, uno se pone mentalmente en el medio para el que trabaja a la hora de pensar una tira. En Fierro, por ejemplo, no hay casi comentarios sobre rock o “cultura joven”, que sí aparecen seguidos en la tira del suplemento NO de Pagina12, por ejemplo.

¿A qué se debe que muchos de tus personajes tienen como nombre una versión distorsionada del de otra persona (famosa)?
La mayoría de las veces, los nombres para las tiras o los personajes son solo caprichos míos o chistes internos con amigos o conocidos. A veces sí aparecen personas reales como Cerati, Fidel Nadal o Spinetta porque me divierto tontamente usando nombres de periodistas, escritores o músicos.

Dado que estás en casi todo el proceso de tus tiras, ¿podrías escribir para otro dibujante o dibujar para otro escritor, o sentís que la obra entera tiene que salir de tu cabeza?
Me siento más cómodo como autor completo, haciéndome cargo de la idea, el guión y el dibujo. Escribí para otros dibujantes, como en “Lolypop”, por ejemplo, que dibujaba Lucas Varela para la revista dominical de La Nación hace tres años. También dibujé guiones de otros, como “Torni”, con guiones de Trillo y Maicas, para la revista Genios. Es un trabajo que uno hace desde otro lugar, formando parte de un proyecto en colaboración, que es bastante diferente en la forma de trabajo a la que uno está acostumbrado (o “malacostumbrado”). Escribir para otro dibujante tiene la ventaja que no te volvés loco plasmando una escena complicada. Lo malo de dibujar guiones ajenos es que… ¡hay que saber dibujar! (risas)

Ciertamente estás ganando popularidad. ¿Qué sentís que busca el público en tus tiras que no encuentra en otro lado?
Popular es Nik. Yo espero que la gente encuentre a mis tiras graciosas y personales, y que también se puedan enganchar con el dibujo en sí. Uno trata de ser lo mas personal posible. En eso estamos.

La escena parece haber cambiado mucho desde tus inicios. ¿Pensás que en los últimos años se ha dado una especie de “revalorización” del humor gráfico y la historieta o es solo una ilusión?
La “revaporización” de la historieta y el humor gráfico es muy relativa. Es verdad que el panorama es muy diferente al de diez años atrás. Hoy los grandes diarios sacan colecciones de historieta, desde Patoruzito al Corto Maltés, pasando por Spider Man y Maitena. En algunos medios que no son “del palo” también aparecen reseñas de revistas o libros de historietas. Además, editoriales como Sudamericana sacaron libros de cómic como “El síndrome Guastavino” de Lucas Varela y Carlos Trillo. También aparecieron muchas editoriales chicas pero serias que editan muy bien como es el caso de Locorabia, Moebius, Thalos, etc. A pesar de esto, sigue sin haber revistas de historietas argentinas nuevas todos los meses en los kioscos, salvo la Fierro y la Comic.ar. Ni hablar de que la historieta se sigue pagando poquísimo.

Además de las historietas, has tenido varios proyectos en otras áreas. ¿Qué te aportó estar en una banda como Dentistas tristes, realizar una obra como Afeitándose en Alemania, estar en el éter con Maldita radio, etc.? ¿Ahí canalizás otras vetas creativas que escapan a la historieta?
Sí, la historieta es un medio hermoso pero a veces dibujar y escribir se hace largo, solitario y aburrido, así que trato de hacer otras cosas como música y radio donde entran en juego elementos totalmente opuestos al cómic: la velocidad, la improvisación, el hecho de estar en vivo, la voz, el sonido… Me divierte hacerlo y me hace tener más ganas de volver a dibujar solo y en silencio después de pasar vergüenza arriba de un escenario.

¿Qué proyectos tenés para este año?
Estoy terminando de completar “Amasala”, un libro que recopila material viejo mío de fines de los noventas y principios de los dos mil, junto con cosas del año pasado y otras inéditas. Lo edita Moebius, que son los mimos que sacaron mi último libro, “Bola triste”. Tiene que salir en abril para presentarlo en la Feria del Libro de Buenos Aires. También debería salir “Bife angosto 2″ a mediados de año. Además, este año sale mi primer libro en España, compilando las dos series que hice para la revista Fierro (”El baño” y “Violeta macho”) mas algunas historias cortas.

¿Qué consejo le darías a alguien que está arrancando?
Le diría que no se caliente tanto por copiar a algún dibujante que le guste mucho y que se preocupe más por encontrar un estilo de dibujo y de guión que le guste y en el que se sienta cómodo. Muchas veces el “estilo” de un dibujante sale a partir de las mismas limitaciones gráficas. Un estilo minimalista y simple puede ser mucho más emocional y personal que un dibujante superdotado en lo académico.

Nos ponemos un poco apocalípticos… Suponiendo que los Mayas tienen razón, ¿cómo querés que te encuentre el 2012?
Sentado.

¿Qué te gustaría que diga tu tumba (urna, caja de cartón, bolsa de consorcio o donde sea que vayas a parar)?
“No te doy la mano porque estoy muerto”.

Unas cortitas…

Tres discos:
“Doolitle” (Pixies), “Peluson of milk “(Spinetta) y “Bipolar” (Cuarteto de nos)

Tres películas:
“El milagro de P.Tinto” (Javier Fesser), “Old boy” (Chan-wook Park), “American Splendor” (Robert Pulcini y Shari Springer Berman).

Tres cosas que te molestan mucho:
La tarjeta magnética de bondi en Mar del Plata, engordar y que me cueste dormir la siesta.

Tres cosas que te alegran el día:
Los alfajores, los helados y los alfajores helados.

¿Últimas palabras?
Esas dos.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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¿Qué tiene que ver esto con el rock? TODO. Entren acá. Si no les saca una carcajada, no entendieron nada.

Natas en Niceto

2010-02-19T17:00:00.000-03:00

NATAS
13 de febrero 2010
Niceto

Para levitar, su sitio.

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Latido electrónico

2010-02-18T08:21:00.002-03:00

Poncho es un mutante electrorockero nacido de las cabezas de Javier Zuker, Leandro Lopatín (ex guitarrista de Turf) y Fabián Picciano (Zuker XP). La banda acaba de lanzar “Ponchototal”, su primer disco de estudio, que cuenta con invitados tan grandes como diversos: Luis Alberto Spinetta, Banda de Turistas, Chivas (de Norma) y la voz de Shannon Funchess. Además, cuenta con la producción del renombrado DJ inglés Justin Robertson. Como si fuera poco, la propuesta estética y visual en vivo está a cargo del estudio Punga Visual Consorcio, quienes pusieron su creatividad bajo la dirección de los mismísimos Chemical Brothers. RevistaG7.com habló con Zúker para conocer más sobre este proyecto.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo nació la relación entre ustedes? ¿Cuándo pensaron que sería una buena idea hacer algo juntos? ¿Ya tenían una idea concreta de lo que querían o se juntaron “a ver qué pasa”?
Habíamos hablado de hacer algo juntos con Lea [Lopatín] y cuando se separo Turf fue un buen momento. Él vino a casa y yo estaba con Fabián, que era parte de XP, empezando a hacer un disco. Se puede decir que fue en el momento justo. Ahí empezamos, pero sin saber hacia donde íbamos. Comenzamos a tocar, grabar y divertirnos. Nos hicimos amigos y de pronto ya teníamos varias ideas que fueron creciendo hasta llegar al disco.

¿Las ideas y el estilo de Zuker XP fueron el germen de todo esto o lo ves como cosas totalmente distintas?
En parte sí, como también lo fue Turf. Aunque no seamos una banda de rock tal como se las conoce, nos sentimos como si lo fuéramos. Ciertamente, las historias de todos nosotros influyen obviamente en lo que es Poncho.

A la hora de componer o incluso cuando grababan el disco, ¿ya tenían en mente cómo se iban a ser en vivo o lo tomaron como dos cosas distintas?
No, para nada. Nosotros grabamos un disco como una obra de arte. De hecho, hay varios colaboradores externos que también lo hicieron por amor a la música y al experimento. Después se nos ocurrió una buena forma para presentarlo en vivo, para exponerlo. Ahí se unió Tomi, de Punga Visual Consorcio, para darle una identidad visual.

¿Cómo fue el proceso creativo?
Las grabaciones fueron alocadas, psicodélicas y diarias. De hecho, no sabíamos que estábamos grabando un disco pero, al mismo tiempo, al ir registrando todo lo que hacíamos, nos dimos cuenta que empezaba a serlo.

¿Cuál es el condimento que agregó Justin Robertson al disco? ¿Por qué lo elegiste a él?
Justin es muy grosso. Tiene mucha experiencia en esto, es de Manchester y era el DJ de la Hacienda, así que imaginate. Volcó un poco de todo eso en Poncho. De todos modos, nosotros producimos la otra mitad del disco.

¿Se puede considerar al disco es una invitación a verlos en vivo o, por su cuenta, logra encapsular todo lo que son?
El disco tiene un mundo propio. Es un delirio muy hermoso donde, además, canta Spinetta y Shannon Funchess del grupo Chk Chk Chk (!!!) de Nueva York. Es una obra muy potente en si misma y en vivo explota todo.

Una vez que pasó el gran boom electrónico, el estilo se asentó como algo masivo de forma inevitable. ¿Cómo hacés para mantener al género y a tu estilo interesante y novedoso en estos tiempos?
Escucho música todo el tiempo, ya sea nueva o vieja. Eso me nutre constantemente. En ese sentido, trato de que mis sets sean novedosos, renovándolos todos los días. Además, mi programa de radio en Metro, Zuker Attack, me permite poner música de todo tipo que no es necesariamente para la disco.

¿El crossover de géneros es una herramienta clave para mantenerse vigente y definir tu propio sonido?
Si, por supuesto. Para mí, es fundamental a la hora de entender y disfrutar la música. En cierta medida, generás interés en un público que es ajeno a esa movida.

En ese sentido, ¿sentís que la participación figuras rockeras “legitima” este proyecto a los ojos de ese público?
No es adrede. Las participaciones se dan de forma espontánea y, para mí, los proyectos donde colaboran diversas personas con sus artes son los mas interesantes. Es una lastima que no se den tan seguidos. Además, creo que ya me gane un lugar dentro de la escena musical argentina y no necesito legitimar mi música.

¿Cómo viene el panorama para Poncho este año?
Vamos a tocar mucho. Ya están en marcha una serie de remixes incendiarios. Seguramente estaremos viajando, en todo sentido. Eso sí, siempre con los ponchos puestos!

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Cobra Sarli en Niceto

2010-02-14T19:56:00.001-03:00

COBRA SARLI
13 de febrero 2010
Niceto

100% actitud. No hace falta nada más.

Para escuchar, visitá su MySpace.

Para ver más fotos, visiten mi Flickr.

Sube la marea

2010-02-11T11:26:00.001-03:00

Los Kahunas es uno de los máximos referentes del surf rock local. Junto a bandas como The Tormentos han sabido revitalizar un género anclado en utópicas playas californianas de los tempranos 60s. A lo largo de su carrera, no solo lograron instalar el género en el público rockero sino lograr una estrecha relación con los máximos exponentes locales del género. Ya tienen dos discos bajo el brazo: “El fantástico sonido Surf & Hot Road de Los Kahunas”(2005) y “Otro reverberante encuentro con Los Kahunas” (2007), y este año van por más. Hablamos con Alexis B., su baterista, para adentrarnos en un verano eterno.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo surgió la idea de hacer una banda surf en un país donde prácticamente no hay ningún referente del género?
El proyecto nació en 2003 cuando nos juntamos con Adrian “El Papu” Castiñeira [guitarrista líder de la banda]. La idea era empezar un proyecto instrumental ya que él está muy ligado al mundo del skate y escuchaba bandas que interpretaban temas instrumentales, desde punk y pop hasta heavy metal. A su vez, yo estaba finalizando otros proyectos y tenía ganas de encarar algo serio. Nos gustaba mucho el estilo de los 60´s en Argentina, con bandas como Los 4 planetas, Horacio Malviccino, Los Iracundos de Uruguay, además de los referentes internacionales. Finalmente, se sumo Antonio Carlos en la guitarra y, luego de algunos cambios de bajista, se incorporó Damian Balde. Así terminamos de darle forma a nuestra propuesta.

Si bien, como marcás, había bandas que habían tocado el estilo, no era algo masivo o popular. ¿Esto les jugó en contra a la hora de presentar su propuesta o sienten que el público fue más bien receptivo?
Creo que nos beneficio. Mas allá de ser un sub genero puntual, es ese mismo paraguas rockero el que da un abanico amplio de gente que puede gustarle esta música.

Uno de los escollos más grandes que tienen que superar las bandas instrumentales es mantener un constante interés en el oyente y generar también ganchos melódicos que ocupan el lugar de las letras. ¿Cómo afrontan este desafío?
Lo bueno del estilo instrumental es que no tiene un discurso desde la palabra pero sí desde la música. En ese sentido, tiene una gran exigencia sobre la ejecución de los instrumentos ya que el protagonismo no está en la voz. Además, es fundamental mantener una dinámica de show a través de una buena puesta en escena, que se logra tanto con la indumentaria como con las coreografías o movimientos particulares.

De alguna manera, su look en escena ayuda a completar la identidad de la banda. ¿Cómo surgió la “estética kahuna”?
Esta inspirada en la indumentaria clásica de la “época clásica” del género, con tuxedos, trajes, camisas a medida, moños y corbatas. Tomamos esto como punto de partida para luego personalizarlo: ya usamos dos juegos de trajes y dos juegos de camisas para que la puesta sea variada. Ahora también trabajamos con Carol Sánchez, una amiga de la casa, que tiene su propia marca de indumentaria: Little Monster. Diseñó nuestra últimas camisas azules con apliques de cebra y esta en pleno proceso de hacer unas nuevas para este año.

¿Cómo es su proceso creativo?
“El Papu” es el principal compositor de la banda. Él trae melodías en solitario y, cuando ya esta firme la idea, se completa con el trabajo de toda la banda, redondeando las ideas hasta llegar al final del proceso de la canción.

¿El sonido de la banda nació de la conjunción de los estilos particulares de cada uno o ya había una idea puntual en mente y se buscó a los músicos idóneos?
Es algo que se va gestando constantemente y, si bien hay ideas de determinados sonidos, no somos de atarnos a cómo se hacían las cosas en 1964, por ejemplo. Nosotros somos una banda actual con una forma de ejecución actual. Si bien las influencias siempre están, nuestra manera de tocar es un reflejo natural de quienes somos. No podría emular el sonido de batería de Dennis Wilson [baterista de los Beach Boys]. Creo que no me saldría, pero tampoco es algo que me detengo a intentar. No me parece que es una forma “personal” de encarar a la música. En ese sentido, somos una banda clásica pero actual.

Grandes bandas como La Renga, Los Fabulosos Cadillacs y Massacre les tienen una gran admiración. ¿Por qué creen que el mundo rockero los quiere tanto? ¿Cómo se generó esa suerte de “crossover” de géneros?
La verdad es que no tenemos más que palabras de agradecimiento para todos ellos. Vamos a tener una eterna deuda imposible de pagar. Gustavo Napoli nos invito a tocar en la cancha de Vélez antes de La Renga, grabó con nosotros y toco muchas veces de invitado en nuestros shows. Flavio Cianciarullo y los Cadillacs nos dieron su constante apoyo desde sus programas de radios, invitando al Papu a los shows en el Luna Park, Pepsi Music, etc. Wallas y los Massacre son un amor: nos invitaron una gran cantidad de veces también a tocar antes que ellos brindándonos su público, su apoyo y su cariño.

También quiero destacar a Marcelo Pocavida, gran prócer del punk, artista y amigo incondicional de Los Kahunas; Expulsados y Cadena Perpetua. Tal vez suene demagógico pero me interesa muchísimo que se generen estas colaboraciones de músicos amigos con nosotros y el género Surf. La música es música y no tiene que ser sectaria.

¿Se ven a ustedes como pioneros o, por lo menos, como punta de lanza para toda una movida que explotó alrededor del género? ¿Creen que va de la mano de un impulso comunal de toda una movida under que empuja cada vez con más fuerza?
No creo que seamos los pioneros. Por ejemplo, nuestros amigos de The Tormentos también representan este género. Ellos trabajan muchísimo y nos une la amistad y un gusto por esta música. Una vez al año hacemos una fecha en conjunto, netamente instrumental, llamada Surf Party. Ya hicimos cinco ediciones por donde pasaron figuras como Danny Amis de los Straitjackets, Gustavo Napoli de La Renga, Wallas de Masacre, Marcelo Pocavida, Expulsados, BBKid y un largo etcétera.

¿A qué atribuyen su gran crecimiento?
Como banda, nos encanta tocar en vivo. Nos formamos en 2003, debutamos en vivo al año siguiente y nunca paramos. Hicimos más de 150 shows, tocando en Capital, Gran Buenos Aires, Rosario, Córdoba, Neuquén, Comodoro Rivadavia, Trelew, Puerto Madryn, Azul… Creo que tocar tanto, y en escenarios distintos, hace que más gente conozca tu propuesta.

Ciertamente están presentando el género a mucha gente que tal vez nunca escuchó hablar de The Ventures, The Surfaris o Dick Dale. ¿Sienten alguna responsabilidad en ese sentido?
Más que una responsabilidad es muy gratificante poder ser, en alguna medida, comunicadores y difusores de este genero que tanto nos gusta.

¿Ven a su estilo como música de nicho o algo más bien abierto a cualquiera realmente? ¿Cómo definirían a su público?
Creo que es muy variado realmente. Es un género que le puede gustar a mucha gente y no sé si puedo estereotipar solamente un tipo de publico. No me gusta la sectorización ni un elitismo del tipo “yo escucho surf del año ‘81”. Creo que las cosas están para disfrutar, no para colgarse medallas. Esos son pensamientos de antaño y retrógrados

¿Cómo ven la movida acá en contraste con EE.UU. y Europa? ¿Hay un marco para generar un proyecto musical autosustentable o esa fue y será la eterna utopía?
Todavía lo seguimos sustentando (risas). Creo que mientras estén las ganas y la salud, hay Kahunas para rato. Hoy en día veo a los Straitjackets girar por el mundo con 50 años de edad promedio entre sus integrantes y me pregunto “¿por qué no?”.

Saliendo un poco del género, ¿qué discos están escuchando estos días?
Escuchamos de todo. Esta semana estuve con Motorhead, Morrissey, Devo, The Cramps, Chris Isaac, The Mission, Agent Orange, Slayer, Ramones, Depeche Mode, T Rex, Television, Link Wray, Van Halen, Robert Gordon… Como podrás ver, viene variada la cosa.

¿Cuáles son sus planes para este año?
Estamos trabajando en dos discos y, si Dios quiere, vamos a estar haciendo una gira por Europa por primera vez en nuestra carrera, además de tocar todo lo que se pueda en Argentina.

Para conocer más sobre la banda: www.loskahunas.com

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

El día después

2010-01-21T21:01:00.002-03:00

El periodista Sergio Marchi (No digas nada, Cinta testigo, El rock perdido) y el músico Fernando Blanco (Súper Ratones, Nube 9) unieron fuerzas y talento para escribir “The Beatlend: Los Beatles después de los Beatles”, un libro que retrata la vida y obra de John, George, Paul y Ringo después ser parde de una de las bandas más importantes de la historia.

TEXTO MARTIN SANTORO

¿Cómo nació la idea del libro?

Fernando: Hace unos años Sergio me comentó que tenía la idea de escribir un libro sobre la separación de los Beatles y las carreras solistas. Dado que era un tema recurrente en nuestras charlas y sabiendo que compartíamos la pasión por los discos de los cuatro en solitario, le insistí en que siguiera con el proyecto y en colaborar en él.

Sergio: Yo lo encaré en 2002, durante aquel verano deprimente de los cinco presidentes. Después lo dejé porque pensé que a nadie le iba a interesar. Me equivoqué: le interesó a Fernando. Cuando apareció la propuesta de la editorial lo llamé.

Siendo un tema y una banda tan popular, es difícil no “pisarse” con todo lo que ya fue publicado. En este sentido, ¿cómo encararon el proyecto?

Fernando: Notamos que había infinidad de libros sobre los ocho años de su carrera y varios sobre el origen de la banda, pero ¿qué había pasado después? Ahí el material ya no era abundante, y no había un libro que hablara de los cuatro y su interrelación posterior que, para colmo, fue mucha e intensa. Hay material de cada uno en solitario pero el mundo parecía resignado a haber perdido a Los Beatles. A nosotros nos pareció que no era tan así. De alguna manera ellos siguieron siendo Beatles aun después de separados les gustara o no.

Sergio: Este fue un proyecto hecho totalmente desde las ganas. No importaba si había otro libro igual o no; pero resultó que no lo había.

Dado que ustedes vienen de lugares distintos, como la música y el periodismo, ¿qué sienten que aportó cada mirada?

Fernando: Creo que el enfoque diferente terminó enriqueciendo el libro porque conviven las dos miradas. El periodista ve cosas que el músico no ve y el músico ve cosas que el periodista no ve. Además estamos hablando de cuatro personajes con vidas apasionantes.

Sergio: La amistad con Fernando comienza cuando él me invita a tocar la batería en algunos shows. Con eso quiero decir que al ser yo también músico; y al ponerse Fernando a escribir, los dos estábamos en todo.

¿Cómo fue el proceso de escritura? ¿Lo hacían juntos o se dividieron los capítulos?

Fernando: Desde un principio nos pusimos de acuerdo en que yo iba a hacer la parte de los discos y Sergio iba a ir articulando la historia. Yo le iba mandando toda la data de cada disco, que al final terminaron siendo más de cien, entre cada uno de los cuatro y todo el material beatle que salió desde la separación. Cada tanto Sergio me pedía ayuda con algún tema específico y el también aportaba a la parte discografica, así que fue una manera muy armónica de trabajar, algo así como las primeras épocas de John y Paul. ¡Algo se aprende!

Sergio: Tienes razón, Paul.

El libro aborda una faceta sumamente interesante de la banda, que es justamente sus historias individuales y la coexistencia más allá del grupo. ¿Cuál era su interés particular hacia esta etapa?

Fernando: No se si es tan importante como la discografía beatle pero sin duda es importante en la historia de la música. No olvidemos que los cuatro por separados tuvieron núemro uno y discos de gran calidad. Obviamente ninguna de las cuatro carreras fue pareja pero busquen y van a encontrar joyas que al menos se acercan a la “magia beatle”.

Es un libro muy franco respecto a Los Beatles, humanizando a personas que parecen vivir en el Olimpo. ¿Esta mirada afianza su amor por los cuatro de Liverpool o, de alguna manera, son revelados como gigantes con pies de barro?

Sergio: Después de 26 años de periodismo musical, es la única mirada que podía darle. Mis ojos de fan siguen con buena visión, pero ahora entiendo bien que detrás de cada ídolo existe una persona con virtudes y defectos. Fernando lo sabe por haberlo vivido también. A la gente que querés, la aceptás como es.

Hay una teoría que dice que Los Beatles se van muriendo por orden de onda, así que Ringo debería cuidarse. ¿Adhieren o disienten?

Sergio: Disiento: es una teoría elaborada por gente sin onda.

Fernando: Coincido plenamente. Con Sergio, no con la teoría.

¿Qué les gustaría lograr con el libro?

Sergio: La paz mundial y que Ringo toque en Buenos Aires. Y nosotros como músicos invitados.

Fernando: Que remasterizen todos los discos solistas, que lleguen al número uno y que suenen en todas las radios.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Diseño global

2010-01-12T06:33:00.001-03:00

Julios Wiedemann nació en Brasil pero ya es un ciudadano del mundo. Trabajó en Japón como diseñador y director de arte para las principales publicaciones de diseño del país. Luego, en Alemania, se unió a Taschen, una de las principales editoriales de diseño y fotografía, como editor a cargo. Como si fuera poco, publicó más de 25 libros en los últimos 7 años, en materia de publicidad, Internet, diseño, ilustración e ilustraciones digitales y es uno de los referentes absolutos de su campo.

TEXTO MARTIN SANTORO

Ciertamente podés ser considerado como un “ciudadano del mundo”, habiendo vivido las culturas de Brasil, Japón y Alemania, por ejemplo. ¿Esto fue algo planeado o simplemente se fue dando así? ¿sentís que es una experiencia necesaria para tener una visión más global del arte?
Siempre es difícil decir algo así sobre uno mismo. Cada uno busca una experiencia diferente y, al hacerlo, construye una personalidad y una comprensión particular alrededor de un tema. Amo viajar y hoy es parte de mi estilo de vida. Volé más de setenta veces este año y definitivamente me ayuda a conectarme con más personas. Podemos usar (como yo también lo hago) medios digitales para hacerlo, pero el contacto personal es vital. Es bueno tener una imagen global, tanto como es bueno descubrir gemas locales. Recientemente viajé a Bolivia y China y descubrí talentos increíbles.

¿Cuáles son las herramientas más importantes que incorporaste de los países donde trabajaste?
Aprendí diversas cosas en cada país. En Japón fue sobre tecnología, en Alemania sobre procesos y en Inglaterra sobre creatividad, pero nací en Brasil. Creo que siempre llevamos algo de nuestro país natal e interpretamos el mundo que tenemos a nuestro alrededor a partir de nuestra nacionalidad. Las oportunidades existen no para quien las recibe sino para el que las busca. Amo estar con gente y hablar, y creo que esta sigue siendo la mejor manera de aprender.

¿Hoy en día, sentís que la ilustración y el diseño mantienen aspectos distintivos de sus países y culturas originarias o está tendiendo hacia la uniformidad de estilo?
Creo que no hay una tendencia hacia la uniformidad. Cuanto más globalizada se pone la ilustración y el diseño, más diversidad veo. Si mirás el rango de estilos que hay, en publicidad, editorial, etc., se ve un increíble culto por la diversidad. Es normal tener un lenguaje visual que se adhiere en el mercado con mayor prominencia por algún tiempo, pero todos los otros están vivos y siendo usados todo el tiempo. La idea general de marketing y lifestyle estos días es ser diferente, no iguales.

A la hora de trabajar para un cliente de una cultura diferente, ¿cómo llegás a un punto medio entre las dos estéticas?
Menos en estética y más en narrativa. La estética es el mayor valor del artista pero la narrativa tiene más un trasfondo cultural.

En tu opinión, ¿qué hace a un buen ilustrador y diseñador?
Primero y principal, mucho trabajo. Sin pasión tampoco hay trabajo duro. Picasso dijo una vez: “creo en la inspiración, pero es curioso que siempre llega cuando estoy trabajando”. Aparte de eso, creo que es la visión. Necesitan pensar en grande y ser ambiciosos con su trabajo. No se trata de ellos y su ego, sino de la obra.

¿Considerás que es más importante aprender haciendo o ves necesaria una educación formal?
Esa es una pregunta muy buena y cruel. Dejé la universidad dos veces y encontré mi camino, pero soy partidario de la educación. Si ves los números, cuanto más educada es la gente, mejor será el trabajo. Es un hecho. Luego tendremos las excepciones, pero la realidad es que aún con educación formal, un profesional necesita hacer mucho por su cuenta para triunfar.

¿Qué te inspira?
Amo todo lo que es contemporáneo. Esa es mi principal inspiración. Y todo en los campos de tecnología, cultura y comunicación.

¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando su carrera?
Lee mucho, hablá mucho, escuchá mucho, viajá mucho, pensá mucho… y hacé todo esto con pasión. No hay una fórmula. Encontrar la propia es la clave. Luchá por la originalidad y sé genuino.

Para ver los trabajos de Julios Wiedemann, visitar www.taschen.com

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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¿Qué tiene que ver esto con el rock? Nada realmente... pero es interesante conocer gente creativa de todos los ámbitos y me parecía piola subir esta nota.

Divididos: Hombre en U

2010-01-11T01:29:00.001-03:00

Un artesano

2009-12-22T17:54:00.004-03:00

Julien Vallée es uno de los diseñadores más destacados de la actualidad. Nació en Canadá pero su trabajo con gigantes de la talla de MTV o The New York Times recorrió el mundo. A su vez, inquieto y prolífico, realizó exposiciones por toda Europa y alzó los premios más destacados de su rubro.

TEXTO MARTIN SANTORO

Considerando que sos una especie de “artista total”, ¿cómo te definirías y a tu trabajo para alguien que no te conoce?

Siempre es difícil responder este tipo de preguntas porque estoy constantemente tratando de evolucionar a través de mi trabajo y trato de no quedarme atrapado en la misma esfera de comodidad donde todo es lo mismo de principio a fin. Me gusta probar nuevas cosas y cambiar mi acercamiento o enfoque sobre el diseño en cada proyecto.

Como diseñador gráfico, se tiene a trabajar mucho directamente con la computadora. Para mí es principalmente una herramienta y la uso solo cuando es necesaria en el proceso. En los últimos años estuve trabajando mucho con materiales, usando espacio para crear composiciones tangibles. Principalmente, he estado experimentando con papeles, ya que es un material muy fácil de manipular y rústico. Me gusta crear fantasía en mi imagen, tratando de fijar un momento particular en el tiempo donde el observador puede imaginar qué paso antes y que va a pasar después de este momento.

¿Cómo comenzó tu pasión por el diseño?

Creo que comenzó hace unos años, cuando estaba en la universidad estudiando multimedia. Las clases que teníamos eran muy diversas: iban de programación web a montaje de video, grabación de audio, programación para DVD o soportes interactivos y también diseño gráfico. Desde el principio se volvió claro para mí que estaba más interesado en la comunicación visual. Encontré que el proceso de concepción del proyecto era muy inspirador y sentí que era una forma interesante de pensar y expresar opiniones sobre diferentes tópicos, situaciones o eventos a través de trabajo personal y por encargo.

Por eso mismo, fui a especializarme en diseño gráfico por tres años en Montreal y París, donde pasé por diferentes etapas, experimentando diversos materiales, medios y dispositivos. Desde hace dos años vengo trabajando tiempo completo como diseñador y director freelance y realmente me gusta entrelazarme entre estos diferentes medios. Amo ponerme en contacto con cada aspecto del ambiente para crear un puente entre el arte virtual y manual.

¿Cuál fue la lección más importante que aprendiste en esa etapa de formación?

Creo que una de las cosas más valiosas que aprendí como diseñador es estar informado elegir para quién vas a trabajar, qué estás promocionando o vendiendo. Me di cuenta del impacto que tenemos en la sociedad y que nuestra profesión es una herramienta muy potente, que realmente puede manipular a la gente. Por eso mismo es muy importante tomar decisiones basadas en tus valores personales como consumidor más que como diseñador. Como la mayoría de nosotros, he estado trabajando para compañías que están en contra de mis convicciones y creo que es importante aprender a no hacerlo otra vez.

Ciertamente tenés una estética muy particular, principalmente por tu manejo de las formas, colores, tipografías y su fusión. ¿Cómo desarrollaste tu propio estilo? ¿Fue algo planeado o se generó naturalmente?

Creo que dejar la computadora de lado me ayudó a volver a lo básico, usando formas simples y creando manualmente tipografías con distintos materiales. Si miro dos años atrás, mi único deseo era realmente concentrarme en la dirección que yo quería desarrollar a través del diseño. Creo que nunca planeé que fuera de esta manera, pero necesitaba hacer algo diferente de lo que había aprendido en la universidad y quería entretejer diferentes disciplinas como arte, diseño, arquitectura o el video.

¿Considerás que lo más importante es aprender haciendo o que, por el contrario, una educación formal es necesaria?

Creo que aprendí muchísimo de lo fundamental durante mis estudios. Se le recomendaría a cualquiera que quiera iniciarse en el diseño. Hay muy pocos autodidactas que son capaces de formarse a sí mismos desde cero, en este y en cualquier campo. Lo importante que se aprende como estudiante es a experimentar. Después, está en uno empujar tan lejos como se pueda. Una vez que se aprende lo básico, el resto es se desarrolla haciendo. Es una pena que, en diseño gráfico, la mayoría de la gente tiende a pensar que la experimentación debería quedarse en la escuela y que no hay lugar para equivocaciones en el campo profesional. Creo que cuanto más tratás, más errores cometés pero más se aprende de ellos.

Entonces, en tu opinión, ¿qué hace a un buen diseñador gráfico?

Esa es difícil… La profesión ha evolucionado en los últimos diez o quince años, con una tecnología en constante crecimiento y el hecho de que nuestra profesión está estrechamente ligada a eso. Creo que un buen diseñador logra mantenerse alejado de las herramientas preformateadas que ofrece la tecnología. Debe pensar diferente trabajar en su propio proceso creativo, aquel que le funciona a él y que lo lleva a hacer algo diferente. Una cosa es ser creativo y otra es innovar.

¿Sentís el uso de la computadora en el diseño “deshumaniza” el proceso?

No estoy en contra del uso de la computadora. Yo mismo la utilizo y es una herramienta poderosa. Con ella, algunos pueden crear algo de la nada. Eso no funciona para mí. Necesito sentir las cosas, trabajar manualmente. También es una cuestión del mismo proceso. Yo prefiero dejar la máquina para después.

Por el gran caudal de trabajo que realizás, debe ser un gran desafío seguir innovando en todos los proyectos. ¿Cómo es tu proceso creativo?

Creo que siempre hay guías no oficiales que sigo como proceso, pero suelen cambiar de un proyecto a otro y creo que esa es la diversión. En algún punto creo que cambiar la manera en que trabajamos para cada proyecto ayuda a probar cosas nuevas, reciclarnos y evitar quedarnos en esa esfera de comodidad. Para mí, librarme de mis hábitos y ser inestable ayuda a moldear mi creatividad. Si todo está planeado de principio a fin entonces es solo producción. Lo único que sé cuando comienzo un proyecto es que hay un resultado al final.

Dependiendo del tiempo que tengo para trabajar en el proyecto, me permito mantener el proceso creativo andando hasta la última etapa. A veces, cuando entro en la parte de la producción de un trabajo particular, me doy cuenta de algunas posibilidades que no pensé durante la reflexión inicial. No me molesta empezar todo de vuelta si siento que le hace bien al proyecto.

¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando?

Asegurate de trabajar para organismos, eventos, clientes y causas en las que realmente creas. Tus palabras hablan a través de lo visual. Que sean fuertes y claras.

Para conocer más sobre el trabajo de Julién Vallée, visitar www.jvallee.com

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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¿Qué tiene que ver esto con el rock? Nada realmente... pero es interesante conocer gente creativa de todos los ámbitos y me parecía piola subir esta nota.

La gira perpetua

2009-12-17T02:41:00.002-03:00

Es uno de los grandes referentes de la Rock & Pop, con programas históricos como “Tiempos Violentos” o el actual “Apagá la tele” en su haber. Además, participa como periodista musical en “Cuál es”, conducido por a Mario Pergolini. Acaba de editar “El circo del rock”, un libro donde cuenta sus experiencias de vida en el medio y el detrás de escenas de entrevistas con las principales figuras del rock mundial.

TEXTO MARTIN SANTORO
FOTO NORA LEZANO

Considerando que estás acostumbradísimo a ser el entrevistador, ¿te incomoda estar del otro lado?
La verdad es que no. De hecho, me divierte. También resulta interesante ver qué cosas me preguntan y qué no, más allá de las preguntas que “hay que hacer”. Además, te da la posibilidad de expresarte otra manera y desde otro lugar.

Después de tantos años de carrera, ¿qué te llevó a escribir el libro en este momento? ¿Se podría ver como una suerte de “balance”?
Era una fantasía que tenía desde hace tiempo y el año pasado surgió la posibilidad concreta de publicar el libro, cuando ya tenía más o menos delineado en mi cabeza cómo quería hacerlo. Siempre comentaba la idea con amigos, pero cuando surgió la oportunidad real, ahí me puse a escribir.

Más allá de que ya tenías algo delineado en tu cabeza, no es lo mismo sentarse y acomodar los datos, fechas, nombres, escribir, editar y demás. Ciertamente es un trabajo laborioso. ¿Te divirtió el proceso?
De todos los trabajos que hice, escribir siempre fue el que más me costó porque es donde se nota mayormente mi vagancia. Tal vez la radio es más espontánea en ese sentido. Escribir implica sentarte, concentrarte y dedicarle tiempo. Una vez que superé eso, me resultó divertido. Iba escribiendo de a poco, concentrándome en un capítulo a la vez, y hasta que no lo terminaba, no arrancaba el otro. Ese proceso duró varios meses.

¿También te divirtió editarlo o una vez escrito, lo entregaste y quedó en otras manos?
Yo tenía la fantasía de la editorial, el intercambio de ideas… y la verdad que no sucedió así. Una vez que terminé de escribir el libro, lo entregué y listo, no hubo cambios, más allá de correcciones puntuales. En un 99% quedó como yo lo había entregado, así que esa fantasía quedará para otra oportunidad.

¿Ya estás pensando en un segundo volumen o por ahora te estás concentrando exclusivamente en este?
Estamos pensando que, si funciona bien, es probable que el año que viene presentemos algo más. Pienso igual que con la música, donde se edita un disco y si va bien, al año lo vuelven a sacar con un dvd o bonus tracks. En ese sentido, la idea que tengo es hacer una versión extendida y agregarle unos capítulos, cambiar la tapa, retocarlo y reeditarlo para la feria del libro. La idea original era tenerlo listo para la feria de este año, pero no llegué, así que veremos qué se puede hacer para la próxima.

Una de las cosas más interesantes del libro, además de tu experiencia, son las grandes figuras que te tocó entrevistar, como Kiss, Mick Jagger y demás En el proceso, ¿fuiste desarrollando unas “reglas de etiqueta” a la hora de hacer una entrevista con personalidades como esas?
En general los encuentros son muy breves. Tenés una nota pautada y en media hora resolvés la entrevista. No suelo prepararme mucho, salvo que sea una figura muy importante como Mick Jagger, donde voy con algo más o menos diagramado para tener una guía, más allá de que después la nota te lleve a otro lugar.

Además, entrevistar a ese tipo de figuras es algo que se da muy pocas veces en la vida. En ese sentido, ¿hay alguna nota que no salió como esperabas y te gustaría hacerla de vuelta?
Por un lado, pienso que antes de volver a entrevistar a alguien, prefiero hacerlo con un músico que todavía no haya conocido. Si tuviera que elegir entre los que me faltan, creo que sería a Robert Plant o a Jimmy Page, de Led Zeppelin. De todos modos, se me ocurren muchísimos más. Últimamente estuve pensando mucho en Axl Rose y a los de The Clash que quedan vivos. En cuanto a rehacer una nota, elegiría a Coldplay porque hace unos años viajé para entrevistarlos y me falló el grabador. Sería más por eso que por el artista en sí. Hay bandas que amo, como Kiss, que tuve la suerte de entrevistar varias veces.

En esos casos, ¿te cuesta separar al Gustavo fan del periodista?
Antes me costaba más. En general, en esos casos suelo guardar mis impresiones personales para no fastidiar a los músicos contándoles mis historias. Tal vez me tomo esas licencias con artistas que, para mi, fueron muy importantes pero que no son figuras estelares.

¿Se te cayó algún ídolo haciendo una entrevista?
No, uno va aprendiendo cómo son los artistas. Una banda que me gustaba mucho y me decepcionó fue System of a Down. Hace unos años, cuando fue la primera entrega de los Premios MTV en Miami, viajé para hacer una nota con Serj Tankian, que era el cantante, y me trató bastante mal, con una pésima predisposición. Más allá de eso, trato de no desilusionarme con los músicos en persona y mantengo la imagen de los discos o arriba del escenario.

¿Por qué el periodismo de rock es una profesión tan bastardeada? Parece haber demasiados improvisados en el medio.
Es probable, pero creo que debe darse en todos los ámbitos. En definitivita, me parece que las diferencias se van estableciendo y no todos llegan al mismo lugar y ni tienen las mismas experiencias. Supongo que en el deporte pasará exactamente lo mismo

Como si hubiera una especie de “selección natural”…
Claro. En el caso de la música, no es un género que tenga una difusión masiva en televisión, por ejemplo. No hay grandes periodistas musicales en ahí porque no hay grandes espacios musicales en ese medio. Entonces, a veces te fastidia que ante una visita de los Rolling Stones o U2, el referente de Canal 13 sea Catalina Dlugi, que no tiene la más mínima idea.

De todas maneras, me molesta mucho más no tener un mayor espacio de importancia en los medios que la existencia de Dlugi. Siento lo mismo con los canales de cable. Salvo el Bebe Contepomi, no hay ningún programa que sea referente, más allá del resultado final o la opinión que tenga cada uno del trabajo que él hace.

Eso se ve claramente con la desaparición de contenidos musicales en los mismos canales de música. Ahora ponés MTV y hay más programas que videos, y ninguno tiene a la música como protagonista.
Totalmente. Me frustra mucho más eso: la falta de espacio, especialmente en la televisión, que es el medio más popular para acceder a la gente. Por suerte la radio y gráfica todavía le da espacios importantes.

Yendo a la radio, que es tu medio principal, ¿sentís que hay una falta de renovación, donde no hay lugar para una generación que ahora está en sus 20s?
Si, la verdad que sí.

Incluso pensando en la Rock & Pop: la mayoría del público o target de la radio tiene la mitad de la edad de los conductores…
No sé si es tan así, porque tenemos una base de oyentes muy amplia. Rock & Pop es la única radio en su estilo que sobrevive y perdura a través del tiempo. De todas formas, es cierto que no hay una renovación. Casi todos, cuando empezamos en la radio, estábamos en nuestros veintes y da la sensación de que en algún momento ese espacio existió y ahora no. Tal vez el estatus de leyenda que tiene la radio impida el paso para nuevas voces pero, por otro lado, no siento que haya generaciones jóvenes que estén empujando. Tal vez me equivoco y sea así justamente porque no existen esos espacios o no tienen oportunidad de hacerlo, pero desde acá no me doy cuenta que eso esté sucediendo.

Supongo que la falta de exposición se combina con que las figuras consagradas están tan consolidadas que ya son inamovibles.
Se da un poco de las dos cosas, pero es verdad que no hay una renovación. Incluso yo sigo siendo visto como parte de una generación de probable recambio y hace 15 años que estoy en la radio.

En el libro contás cómo Mario Pergolini te tuvo fe al principio, cuando arrancaste. ¿Vos estás atento a nuevos talentos?
Mas o menos realmente, porque no tengo mucho contacto. Muy pocas veces conozco gente que está interesada por trabajar en radio. Admito que cuando me llega un demo o algo así, no tengo el talento para “descubrir” un diamante en bruto. Me falta la capacidad de ver más allá. En este caso me pasa lo mismo. Cuando escucho las radios alternativas o estudiantes, es tanta la diferencia que yo no alcanzo a ver el potencial. Eso también es una deficiencia mía.

Hoy en día, ¿qué es más difícil, llegar o mantenerse?
Hoy creo que es mucho más difícil llegar. También es complicado ir subiendo escalones. Hace muchos años que estoy en la radio y se puede decir que me estoy manteniendo, dependiendo de las expectativas de cada uno. Creo que la falta de renovación a la que vos hacías referencia tiene que ver justamente con eso. Los que están se mantienen y no quieren largar.

¿Qué consejo para alguien que quiere vivir de la radio y el periodismo musical?
Me atrevería a decir que es fundamental tratar de destacarse por algún lado. Hay que buscar cuál es el espacio que hace falta cubrir. En mi caso fue ese rol de “periodista especializado”. Hay que tratar de ubicarse y proponer algo diferente. Muchas veces pasa que se ofrece lo que ya está y eso quita brillo. Diferenciarse es clave.

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Mercury Rev: Opus 40

2009-12-15T05:36:00.000-03:00

Fusionando culturas

2009-12-14T22:27:00.003-03:00

Daisuke “Dice” Tsutsumi es el Director de Arte de Pixar, la compañía de animación más importante del mundo. Además, realizó diversas novelas gráficas aclamadas mundialmente, así como pinturas en óleo, presentadas en principales museos de Europa. Hablamos con esta usina de creatividad para conocer a la persona del artista.

TEXTO MARTÍN SANTORO

¿Cómo comenzó tu pasión por el dibujo?
Siempre me gustó dibujar, pero nunca pensé que era un buen artista. Había tantos chicos a mi alrededor que podían hacerlo mucho mejor… Además, yo era un fanático acérrimo del baseball y jugué toda mi vida mientras crecía. Nunca pensé que me ganaría la vida como artista. Cuando fui a Estados Unidos por primera vez, para ir a la universidad, mi inglés no era suficientemente bueno como para tomar otras clases que no fueran de arte. Una vez ahí, realmente me gustaba dibujar y pintar. Así es como arranqué.

Más allá de esta cuestión circunstancial, ¿por qué te inclinaste hacia las artes visuales?
No estoy seguro. Todos en mi familia son escritores: mi padre y mi hermana hacen no-ficción y mi madre es poetiza, de modo que no sé por qué me incliné más por lo visual que por lo literario. De todos modos, también estoy interesado en eso. Algún día me encantaría escribir e ilustrar mi propia historia.

¿Por qué pensás que tu arte es tan atractivo para alguien en Estados Unidos, Japón o Argentina?
No sé si mi trabajo es atractivo en todos lados, pero sí obtengo respuestas similares de de las personas en lugares distintos del mundo. Tal vez pasa porque nunca trato de ser un artista que no soy. En otras palabras, me mantengo fiel a lo que amo y siento, a diferencia de lo que otros esperan de mí.

Hay una equivocación al considerar que uno tiene que crear su propio “estilo original” para tener éxito. Creo que eso puede ser malinterpretado por muchos artistas jóvenes. Tu originalidad solo viene de vos y eso es algo que no podés crear ni ocultar. Si te mantenés fiel a vos mismo y seguís lo que te interesa, en vez de lo que quieren los demás, entonces tu originalidad se va dar naturalmente. Personalmente, no quiero tener mi propio “estilo” porque busco seguir evolucionando y aprendiendo cosas que me gustan.

Habiendo nacido y crecido en Japón, pero educado en Estados Unidos tenés un poco de cada mundo. ¿Considerás que tu educación oriental y occidental se complementa a la hora de crear?
Totalmente. Estoy muy entrenado en el arte occidental pero, de alguna manera, mi identidad japonesa emerge a través del arte. La naturaleza gráfica del Manga (comic japonés) o incluso Ukiyoe vive en mis genes.

¿Qué representa para vos ser Director de Arte en Pixar?
Trabajar para un film animado es un desafío tremendo. Uno colabora con muchísimos otros artistas talentosos: algunos son ilustradores visuales, otros animadores o técnicos en computación, etc., pero todos son súper talentosos y ese es un ambiente fantástico para crecer. Eventualmente me encantaría usar esta experiencia para hacer algo propio. En este momento, como Director de Arte, mi principal tarea es ayudar al director a lograr la mejor imagen para su film. Disfruto el desafío pero, al mismo tiempo, me encantaría contar mi propia historia en algún futuro.

¿Qué te atrae de los films animados?
En este momento, el trabajo en animación es un gran terreno educativo para mí. Me ayuda a convertirme en un mejor artista. Todavía tengo que ver cómo puedo usar esta habilidad para lo que realmente quiero hacer. Puede ser una película, un libro para chicos o una galería de pinturas.

Por tu contexto laboral, el trabajo en equipo es algo casi esencial. En tu caso, ¿es algo a lo que te acostumbraste o preferís trabajar así en vez de hacerlo por tu cuenta?
Amo trabajar en equipo. Trae un montón de desafíos, pero cuando las cosas hacen “clic”, uno puede crear algo magnífico que tal vez nunca lograrías solo. Crecí practicando deportes en equipo y tal vez es por eso que amo el esfuerzo de grupo. De todos modos, esto no implica que no disfrute trabajando solo. Hago mis ilustraciones solo, en casa. Me gusta mucho la libertad y el control que te da ese contexto también.

A pesar de que tenés un trabajo muy demandante, seguís ilustrando por tu cuenta, llevando adelante proyectos como novelas gráficas y demás. ¿Cómo hacés para separar tu labor personal de la que realizás para Pixar y, al mismo tiempo, mantenerte creativo en todos los frentes?
Eso es algo que dicen todos mis amigos: siempre haciendo dos o tres trabajos de tiempo completo (risas). Ahora que estoy casado, a mi mujer no le gusta tanto que esté siempre con algo, corriendo para todos lados, especialmente considerando que muchos de mis proyectos no representan ganancias monetarias. De todos modos, es algo que me gusta hacer. Nuevamente: para mí, trabajar en Pixar es una gran educación. Pero todavía necesito crear mi propio trabajo o hacer algo “inspirador”. Como muchos otros artistas, para mí, la inspiración es la clave de la supervivencia.

¿Qué te inspira?
Muchísimas cosas: la naturaleza, lo cotidiano… pero por sobre todo, la gente.

¿Qué consejo le darías a alguien que está comenzando su carrera?
Le diría que se apasione por lo que hace y nunca se enrede en “el producto final”. Si amás lo que haces, el resultado siempre va a ser menos importante que el proceso. Tu éxito puede no ser lo que los demás te dicen que es.

Para conocer más sobre su trabajo, visitar www.simplestroke.com

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

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¿Qué tiene que ver esto con el rock? Nada realmente... pero es interesante conocer gente creativa de todos los ámbitos y me parecía piola subir esta nota.

Idioma universal

2009-12-09T02:58:00.002-03:00

Un argentino y tres británicos conforman The Draytones, una de las bandas más interesantes de la nueva escena mundial. Tras sus presentaciones en las Islas Malvinas y en La Trastienda bonaerense, hablamos con Gabriel Boccazzi, guitarrista, cantante y la fracción nacional de la banda.

TEXTO MARTÍN SANTORO

¿Cual es el concepto detrás del “Friendship Tour”?
Fue un desprendimiento de la idea de ir a tocar a Malvinas y de nuestra formación cosmopolita. Es la música yendo a buscar el encuentro entre las personas, más allá de las ideologías políticas o religiosas. No es la intención enarbolar ninguna bandera pacifista, pero es una consecuencia directa de lo que naturalmente somos.

¿De dónde surgió la idea de ir a tocar a Malvinas?
Al principio, la idea de ir a tocar a Malvinas nació como un juego, esas cosas que uno desea sin pensar si realmente se puede hacer realidad o no, hasta que hace poco más de un año recibimos un mail de un ex combatiente, Gabriel Sagastume, que había visto el parche de nuestra batería con las dos banderas integradas (la bandera de la unión y la bandera argentina). Nos agradecía por la emoción que le producía el logo y nos deseaba que algún día pudiéramos ir a tocar a las islas como un pequeño aporte en la integración cultural y a un proceso de pacificación. Eso nos envalentonó a tomar en serio la idea de hacer la gira.

¿Cómo lo tomó el público local?
Nos recibieron muy bien. Al principio hubo que vencer algunas barreras ya que en el Pengüin News, el diario local, una editorial había sugerido que, por la cantidad de personas que nos acompañaban (nuestros managers, el staff técnico y un equipo de documentalistas), íbamos con intenciones políticas. Por suerte se dieron cuenta que nuestra visita era únicamente artística y se relajaron… al punto que hasta nos empezaron a abrir las puertas no solo de los bares sino de sus casas para que hiciéramos sets privados.

¿Cuál es el recuerdo más grato o la lección más importante de su paso por allá?
Todo. La gente, los paisajes. Tantas historias… Fue una experiencia inolvidable. La lección más importante fue, quizás, haber aprendido de Gabriel Sagastume el amor por la vida. Hace 27 años, Gabriel estuvo enfrentando a casi todas las miserias humanas juntas. Es el sobreviviente de una locura y, sin embargo, era el más centrado de todos los que estábamos allá. Fue como un cable a tierra, un padre cuidándonos. Entre tantas emociones contrapuestas, lo buscábamos con la mirada y lo encontrábamos riendo o bailando. Entonces supimos inmediatamente que nuestra visita a las islas estaba bien, que estábamos haciendo lo correcto.

¿Les molesta que los medios, en general, antes de definir a la banda por su estilo musical lo hagan por sus nacionalidades?
No, para nada. Lo importante es que se valore y disfrute la calidad de nuestra música. Al fin y al cabo, nosotros mismos interponemos el “anglo-argentina” o “argentino-británica” al nombre de la banda.

En ese sentido, ¿se puede decir que lo toman y convierten en un rasgo diferenciador?
Sí, todas las bandas tienen un rasgo que las hace distintas. Nosotros tenemos nuestro origen. Nos enorgullece ser esto, una banda que honra sus raíces.

¿Consideran que la música es un resultado del abrazo de distintas culturas o trasciende los bagajes de cada uno?
Nosotros, los cuatro Draytones, somos ese abrazo entre culturas, y la música una amalgama que trasciende nuestros bagajes.

¿Cómo es trabajar con las distintas idiosincrasias, tanto dentro de la banda como del público?
Por suerte todo fluye libremente, la música habla su propio idioma. En cuanto a las distintas idiosincrasias, la única diferencia entre los chicos británicos y yo es que ellos llegan puntuales a todos lados (risas).

Su sonido remite a los 60s beat y mod de Inglaterra, con guiños a los Kinks, por ejemplo, pero también hay un elemento que los vincula a los primeros Gatos, para arrimar las dos orillas. ¿Qué los atrae de ese estilo?
Lo que nos atrae más que nada es la eficiencia de una estructura simple, el sonido crudo de los instrumentos, la complejidad de las armonías vocales, el cuidado de las melodías, el color y la alegría. Las bandas que más nos influenciaron son muchísimas, entre las que están los Kinks, The Who, Los Gatos Salvajes, The Beatles…

¿Cómo fue trabajar a la par de un referente absoluto como Paul Weller?
Fue un verdadero honor que nos haya elegido para acompañarlo en su gira británica. Es una persona de perfil muy bajo y, hasta me atrevo a decir, un poco introvertido. También fue una experiencia para nosotros haber tocado, como consecuencia de eso, en los mejores teatros del Reino Unido con un equipo técnico de punta que nos permitió oír nuestra propia música con una amplitud y calidad de sonido que hasta ese momento sólo habíamos tenido en algunos mega festivales como el Summer Sonic en Japón.

Su crecimiento fue exponencial y en muy poco tiempo. ¿Estaban preparados para tanto tan pronto?
No, no estábamos preparados. Igual, no fue tan pronto tanto (risas).

¿Qué es lo mejor y lo peor del rol de “gran promesa de la música”?
No creo que seamos una “gran promesa de la música”. Más que prometer nos gusta hacer realidad. Y esa realidad es llevar nuestra música a quién quiera oírla o bailarla, sobre todo a lugares tan cercanos como Japón o las Islas Malvinas (risas).

*Esta nota salió publicada en el sitio de la revista G7, www.revistaG7.com

Spinetta y las bandas eternas

2009-12-07T23:18:00.000-03:00

Claramente hay un antes y un después de lo vivido en el estadio de Vélez. Esa sensación inigualable de estar viendo algo absolutamente histórico, donde la realidad está a la altura de la leyenda, es realmente insoslayable. A este gigante emocional traté de dedicarle mi columna de hoy.

Ariel Minimal & Amigos en el ZAS

2009-12-06T11:52:00.001-03:00

ARIEL MINIMAL
5 de diciembre 2009
C.C. ZAS

Una firme muestra de la musica que sí importa en esta tierra.

El MySpace de Ariel Minimal.

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